El espíritu colaborativo y el abandono del ego se han transformado en norma. Los incrédulos, que nunca demoran en aparecer, llaman amiguismo a esta tendencia. Y la condenan. Sus argumentos, sin embargo, suelen ser especulaciones sobre el status socioeconómico de los músicos en cuestión (“son todos unos hijos de papá” es un comentario común), o la supuesta existencia de una mafia que controla el devenir musical independiente. Pura chismografía y teorías conspirativas que ni Salfate podría creer. Pero el peor error está en olvidar las condiciones bajo las que el pop chileno se desarrolla. Las de un país chico, donde los circuitos son reducidos. Que levante la mano el primero que haya ido a Onaciú o Bar Loreto sin divisar a un músico entre el público.

Siempre hay afinidades interactuando en la construcción de cualquier escena. Dos personas que tocan instrumentos ya tienen un vínculo. Si además frecuentan los mismos lugares, la posibilidad de que se conozcan, tengan amigos en común y compartan es altísima. Las facilidades que da la tecnología al autodidactismo, ya sea para aprender guitarra mirando YouTube o grabar canciones en un notebook, ayudan a que se sume gente a la causa. El pop criollo es una respuesta natural ante los estímulos, y su comportamiento es una reacción esperable dado el ambiente en que se desenvuelve. Lo extraño sería que escasearan las bandas y solistas, o –más raro aun- que no se conocieran entre sí. Una rivalidad abierta, al estilo Glup! versus Canal Magdalena, actualmente no tendría asidero.

Otro factor que alimenta este mal llamado amiguismo, que en realidad es un mutuo y necesario blindaje contra la hostilidad del entorno, son los medios masivos de comunicación. Para un músico chileno joven es prácticamente imposible aparecer en un diario importante, a menos de que sea en la foto grupal del recuento del año (si es que a su disco le va bien), o a propósito de alguna historia extraprogramática (caso: la propia Felicia Morales contando en LUN cómo es su vida de peluquera y cellista). Y para qué hablar del escaso apoyo de radios o canales de televisión. Junto a los diarios, fueron tan miopes que tuvo que venir un periódico español, El País en su ya célebre artículo “Chile, nuevo paraíso del pop”, a contarles lo apasionante que era la música nacional. Recién ahí se dieron cuenta de lo ocurría, hace años, frente a sus propias narices. Archívese como una de las pocas veces en que la genuflexión ante lo europeo ha servido para algo.

Con el debido respeto a las proporciones, lo que ocurre hoy en día en Santiago se puede comparar con el Londres de hace dos décadas, donde las bandas de shoegaze y britpop se enlazaban de forma similar. “La escena que se celebra a sí misma”, llamó la difunta revista Melody Maker a ese fenómeno, protagonizado entre otros por Blur y Stereolab. Una revisión a la génesis del thrash metal y del hardcore también aporta similitudes: ambos movimientos partieron entre amigos y conocidos, muchos músicos colaboraban entre sí (no sólo musicalmente: hasta alojándose o prestándose instrumentos) y asistían a los shows del resto, mientras una porción considerable de sus seguidores suplía la carencia informativa publicando fanzines con datos de lanzamientos y fechas en vivo (función similar a la de nuestro sitio hoy en día). Voluntad ganándole la partida a la falta de recursos.

Reducir el árbol genealógico del pop chileno a una red de pitutos es un error triple. Contiene la supina ignorancia del que no quiere mirar lo que está ante sus ojos, la soberbia del que desacredita a priori el trabajo ajeno y también peca de fantasioso porque asume que hay apernados repartiéndose una suculenta torta. Ahí está su contradicción más grande, su peor falla como idea: por un lado, ningunea; por el otro, engrandece. No tiene sentido alguno. La lógica está de parte de los que reman para el mismo lado, a pesar de los obstáculos y el trolleo.

Aprovechando la ocasión, hemos hecho el ejercicio de repasar los hitos y pistas que ayudan a entender este suceso galo en su dimensión más amplia. A continuación, algunas claves tras el fenómeno de una dupla que tiene su marca registrada en aquella cruz que brilla en sus discos y sobre el escenario, la misma que genera tanta devoción como cuestionamientos.

Son tan amados como odiados. Es el precio que la dupla parisina de Gaspard Augé y Xavier De Rosnay ha tenido que pagar por la enorme exposición mediática de su cuestionado pero efectivo sonido, que no busca otra cosa que hacer bailar a las masas. Desde sus inicios el dúo -que toma su nombre de uno de los conceptos fundamentales de la República de Francia desde la Revolución de 1848- coqueteó con la alta industria musical, remezclando a figuras del pop mundial (Britney Spears, Fatboy Slim, N.E.R.D) y ganando terreno en radios y clubes europeos con su innegable talento para la edición, el sampleo y los ritmos danceros.

Su primer single como banda, ‘Waters of Nazareth’, fue lanzado el 2005 por la etiqueta Ed Banger y desde entonces todo fue grito y plata para Justice. El tema ‘We Are Your Friends’ (una colaboración con Simian) ganó el premio al Mejor Video en los MTV VMAs del 2006, un buen presagio de todas las luces y aplausos que recibiría su debut en largaduración, un año más tarde.

El álbum, titulado “†” y lanzado en septiembre del 2007, resultó ser un revitalizante y llamativo compendio de melodías eufóricas pensadas para los clubs, en donde se encontraban con precisión algunas de sus innegables influencias. La siempre respetable identidad del french touch (house francés), con referentes como Laurent Garnier, Motorbass y, sobre todo, Daft Punk (quizás la relación más obvia en su sonido), además de pseudo-tendencias europeas y americanas de mediados de esa década como el nu rave o el dance-punk, donde la electrónica y el rocanrol se fusionaban en un nuevo concepto de música de multitudes. Un híbrido entre el estadio y la discoteca.

Con sencillos como ‘D.A.N.C.E’, ‘Genesis’ y ‘Phantom’, Augé y De Rosnay ya gozaban del reconocimiento de medios como Rolling Stone o Pitchfork, además de algunas nominaciones a los Grammys de ese año. Sus pegajosas melodías también fueron utilizadas en campañas publicitarias (Levi’s, Cadillac), videojuegos (“Need for Speed”) y series de televisión y peliculas (“Top Gear”, “The Inbetweeners”). En los meses siguientes el grupo se dedicó a girar por el mundo con su energizante performance y en 2008 publicaron “A Cross the Universe”, un DVD que recopila su tour por Norteamérica más un documental que retrata la experiencia de sus shows, sobre y detrás del escenario, aumentando su estatus de nuevos rockstars y su capacidad para atraer eufóricos seguidores.

Pero el dúo tenía una difícil misión a futuro: la prueba del segundo disco, aún más compleja considerando la buena crítica que tuvo su primer trabajo -incluso en medios alternativos- y su amplia aceptación por parte del público. Tras cúmulos de festivales, shows de televisión y remezclas a Lenny Kravitz y U2, los franceses debían darle a sus fans algo que valiera la espera.

‘Civilization’ fue el primer adelanto del venidero álbum, y pronto quedó en evidencia una vuelta de tuerca en el sonido de Justice. “Audio, Video, Disco” (lanzado en octubre de 2011) fue el título de la ansiada secuela, definida por sus autores en una entrevista como “un disco de rock progresivo tocado por chicos que no saben tocar”. El elepé evidenció una sonido mucho más light, cargado hacia las guitarras aéreas y glamorosas de épocas pasadas del rock con un toque de electrónica ochentera, y melodías más cercanas al pop. La actitud feroz y pistera fue reemplazada por la exploración de nuevos ritmos, quizás como un noble intento por no copiarse a si mismos y ofrecer algo fresco y arriesgado, en lugar de contentar a los fans con fórmulas ya conocidas.

Pero algo pareció faltar. Es difícil decir exactamente qué. Aunque el disco fue recibido de manera positiva por algunos de sus seguidores, el grueso de la crítica -influenciada por la inevitable comparación con su predecesor- determinó que Justice ya no era ese dúo capaz de mover masas eufóricas, tan necesario y preciso en su momento. ¿Pasaron los 15 minutos de Auge y De Rosnay? Es muy posible que así sea. Mientras que, en su ejecución, “Audio, Video, Disco” no es un mal trabajo, peca de falta de entusiasmo, de poca solidez o, quizás, de una mala visión comercial.

No será la ruina total para los europeos ni una excusa para destrozarlos, pero es claro que el efecto producido en sus auditores más fieles no se acerca al fenómeno visceral de su primera placa. Si el debut hizo bailar incluso a exigentes y escépticos, su sucesor hace que el oyente lo piense dos veces antes de moverse. Y dado que Justice no es una banda cuya música tenga fines intelectuales o llame a la reflexión, el disco termina siendo poco convincente.

Quizás hubiese sido un buen comienzo para alguna agrupación de pop electrónico con intenciones comerciales, pero el resultado no satisface viniendo de un suceso como Justice. Sus melodías calzan bien en avisos publicitarios y videojuegos, tienen una gran producción y una acertada mezcla de hair metal, disco y pop sintetizado de décadas pasadas en clave actual, pero les falta sangre, energía, sudor. Cualidades a los que sus seguidores se habían acostumbrado.

A pesar de todo esto, Justice sigue siendo una marca que no deja indiferente a nadie. Y eso es un mérito. Peor que el rechazo es la indiferencia total, dicen algunos, y ésa parece ser la característica distintiva de un dúo que ha sabido posicionarse en las primeras líneas de la industria y venderse como pocos. A solo días de su segunda visita a Chile, podemos decir que verlos en vivo puede sacar de dudas a algunos y hacer bailar a varios más. Y es que sobre el escenario es donde esta experiencia merece ser vivida y criticada en plenitud. Es ahí, entre la multitud, donde se genera en cuerpo y alma la esencia de los galos: el baile. Ahora la última palabra no la tendremos nosotros, sino el público. Como dice el dicho, juzgue usted mismo.

Por Cristóbal Cornejo (El Ciudadano)

En 1968, el compositor John Cage y el artista Marcel Duchamp jugaron ajedrez en un tablero intervenido electrónicamente para producir sonidos con el movimiento de las piezas. Eso se llamó “Reunión” y fue la última aparición pública del viejo dadá.

Para el 31 de mayo próximo, en el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile volverá a montarse esta obra, con 24 jugadores de la Fundación Chilena de Ajedrez participando en un “torneo sin campeón” de 15 horas. Estos, se asociarán con 24 músicos que aportarán una serie de grabaciones de determinadas ideas musicales para ser incorporadas al tablero, a través de un sistema computacional diseñado por Gonzalo Ramírez (un experto en electrónica e informática), que trabaja en el prototipo.

La puesta en escena: una mesa con dos sillas y un tablero de ajedrez en el centro de la sala principal del museo, con diez altavoces independientes rodeando la sala, a cargo del ingeniero Marco Colasso. Además, una cámara cenital sobre el tablero, y su proyección en vivo, coordinado por Juan Ignacio Bello, quien también producirá un documento filmado del evento.

Andy Dockett, diseñador industrial inglés, diseñó un conjunto único de piezas de ajedrez y un tablero de ajedrez vertical, los que estarán disponibles como retribuciones a quienes apoyen el financiamiento de la obra, aportes que van desde los cinco mil pesos.

FLUJO

Sebastián Jatz fundó Arsomnis en 2008, un lugar desde el que podía trabajar en todas las formas de arte. Ese mismo año produjo una realización de “Musicircus” del mismo Cage, en que 191 músicos tocaron 61 estilos musicales diferentes al mismo tiempo durante dos horas. Al igual que Cage, nadie recibió honorarios y la entrada fue gratuita. Más de cinco mil personas asistieron.

En octubre pasado, produjo la realización “Vexations” de Erik Satie: 32 pianistas tocando en relevos que completaron 28 horas continuas de música en el mismo museo, que abrió sus puertas toda la noche por primera vez en su historia.

“Todos estos proyectos han sido financiados a través de amigos, nosotros mismos o financistas, siempre trabajando con un presupuesto bastante bajo y ajustado, en general sin pagarle honorarios al equipo de producción, a los artistas, ni a mí mismo (yo pago las cuentas siendo músico, traductor y distintos tipos de trabajos). Esto se debe principalmente a querer evitar dineros del Estado o corporaciones, los que implican publicidad y logotipos, así como la firme creencia de que muchas cosas se pueden hacer si la gente está entusiasmada y desea participar”, explica Jatz.

UN SECRETO AL OÍDO

¿Por qué montar de nuevo otra obra de John Cage?

Porque creo que la mejor manera de conocer el vasto mundo de la obra de Cage es realizándola, actualizándola según las nuevas tecnologías, las fuerzas disponibles y las posibilidades que da una perspectiva histórica. Personalmente, me sucede que creo que estamos en un lugar donde el artista puede ser un re-intérprete de otros, una especie de puente entre un artista y un público que lo desconoce. También me interesa, como es el caso con “Reunión”, la confluencia de personas de distintos ámbitos en un evento híbrido: músicos, ajedrecistas, artistas, etc.

¿Cuál es tu interés en las obras de vanguardistas históricos como Satie o el propio Cage?

Creo que las distintas figuras que componen las vanguardias del siglo XX todavía tienen mucho que decir, especialmente en un país como el nuestro donde la cultura está muy emparentada con lineamientos de Estado o de mercado. Por lo general, son personas que mostraron nuevas maneras de componer, de ordenar, de pensar, de compartir y eso creo que merece la pena conocerlo personalmente, saber que existe. No es una mera experiencia estética, sino un acontecimiento social.

¿Un concierto? ¿Un happening? ¿Cómo describirías la naturaleza de “Reunión”?

“Reunión” es, en parte, una intervención no obstructiva del Museo de Bellas Artes y, por otro lado, es una cruza entre un concierto y un torneo de ajedrez. Ni lo uno ni lo otro del todo, sino una mezcla que conoceremos mejor una vez que estemos inmersos en una partida que recorra la arquitectura del museo.

De acuerdo a los planes de financiamiento, si no se logra la meta (siete millones), ¿igual se hace la obra?

La obra podría realizarse como hemos hecho antes en “Musicircus” o “Vexations”, con el mínimo absoluto de gastos operacionales y sin pago para nadie del equipo. Esta vez quisiéramos revertir esa situación y lograr un método diferente de financiamiento que también nos permita recibir algo a cambio, al igual que las personas que colaboran. No queremos cobrar una entrada y excluir a la gente de la experiencia. Queremos que las mismas personas que conocen nuestro trabajo, o que acaban de enterarse, nos apoyen con su grano de arena, los que irán sumándose en un efecto dominó. Haremos la obra de cualquier manera, pero quisiéramos poder hacerla de manera justa.

Más info en Twitter y Facebook.

¿Cómo contribuir a la realización de “Reunión” y qué recibo a cambio? www.arsomnis.com/es/reunion

“Tenemos peticiones de todas partes del mundo para exportar el festival, pero Chile es la mejor opción, y me siento muy feliz de eso, porque cuando los otros artistas lleguen van a decir, ‘este lugar es genial”, dijo el año pasado en la conferencia de prensa que dio a medios nacionales para hablar del festival.

Falta un poco más de dos semanas para la segunda edición chilena de Lollapalooza y muchos ya vienen rayando el calendario hace meses. Miles de fanáticos impacientes están a la espera de poder asistir a los shows de sus artistas favoritos. Bandas como Foo Fighters, Arctic Monkeys o Joan Jett and the Blackhearts vendrán por primera vez a Chile, mientras que otros, como Thievery Corporation o Gogol Bordello, se repetirán el plato.

Por otro lado, la exportación del festival no sólo significa un acercamiento con el público chileno, sino que además representa una oportunidad para que músicos nacionales puedan acceder a tocar en un escenario de tal magnitud. De esta forma se da la oportunidad para que bandas y solistas nacionales se trasladen desde los reducidos y escasos escenarios locales a uno que cuenta con un nombre que, en sí mismo, ya tiene un respaldo a nivel mundial.

Para esta edición, fueron convocados algunos de nuestros mejores créditos, como Alex Anwandter, Föllakzoid, Adrianigual, por nombrar unos cuantos. Como equipo hemos logrado adentrarnos en el mundo de dos invitados nacionales del Lollapalooza 2012: Fernando Milagros y We Are The Grand. Dos nombres que tienen muy poco que ver, en cuanto a sonoridad, pero que vivirán la misma experiencia: prepararse para uno de los shows más significativos de sus carreras.

Esto es “Diarios de Lollapalooza”, presentado por adidas Originals:

A continuación, algunas de ellas.

Música gratuita en espacios públicos

“Uno obviamente sabe que detrás de estas cosas hay riesgos que se deben haber corrido por años”
Silvio Paredes

“Es una fiesta de la música chilena, y que sea gratuito es tremendo. Ojalá todas las regiones pudieran tener algo así”
Robex, Eczema

“Creo que Rockódromo se ha transformado en algo cada vez mejor. Ya convoca a la gente, ya se sabe qué es y que tiene que ver con las Escuelas de Rock”
Claudio Narea

En estos días en que en el centro de Santiago multan a diestra y siniestra a aquellos que se atreven a tocar música en la calle (desde organilleros hasta contrabajistas), no puede dejar de subrayarse la importancia de cualquier evento que congregue gente en función del arte (sonoro, en este caso) en lugares como la Plaza Aníbal Pinto, el Muelle Barón o los cerros de Valparaíso. Para el observador externo no es nada menos que un lujo, y debe apreciarse como tal. El hecho de que cada show sea a costo cero para el público le da aún más mérito al asunto, y no es casualidad que los asistentes hayan respondido con su presencia, sobre todo en sus jornadas de apertura y cierre. Además, quedó comprobado el arrastre de nombres como Ana Tijoux y Lucybell, quienes -más allá de los gustos- fueron los principales responsables de la masiva convocatoria que se vio durante las últimas dos jornadas.

Un anfiteatro en el mar

“En términos románticos, es impresionante. Tú tocando mientras el sol se pone en los cerros, ves el agua, te llega la brisa marina, miras para atrás y el mar, interminable… La locación es espactacular”
Andrés Nusser, Astro

Lo de Música Frente al Mar se merece mención aparte. Entre el viernes 10 y el sábado 11, el Muelle Barón recibió a veinte bandas en un lugar increíble, mientras la gente repletaba no sólo el muelle, sino también la costa aledaña. Algunos pescadores curiosos completaban una escena tan improbable como notable. Vale la pena destacar el trabajo técnico detrás de un evento así, no sólo en términos de infraestructura sino que también en cuanto a sonido, sin mayores inconvenientes. Esos detalles, que a veces pasan desapercibidos, son parte de la experiencia y el mérito que vienen de la mano con gestionar algo así cada año.

Tributos, homenajes y dedicatorias

“Aquí, ¿qué pasa? O no se reconoce a los grupos muy nuevos, o no se reconoce a los grupos muy antiguos. Es la memoria inmediata lo que prima”
Martín Erazo, La Patogallina Saunmachín

“Es una cosa personal, pero tú sientes que devolviste la mano de alguna manera”
Andrés Nusser, Astro

Desde el homenaje que se le hizo a un grupo emblemático como Los Blues Splendor, quienes presentaron un sólido set y se lucieron con su notable versión a ‘Déjate Caer’ de Los Tres, hasta los numerosos tributos y menciones que recibió la figura de Luis Alberto Spinetta por parte de numerosos artistas. Las referencias durante Rockódromo 2012 fueron numerosas, pero no se limitaron sólo a lo musical. También hubo mensajes políticos, sociales y personales. Mauricio Redolés le dedicó un tema a su amigo Pedro Gaete, el mismo al que le escribió ‘¿Quién Mató a Gaete?’ hace unos quince años. Legua York le fraseó un par de dedicatorias al Congreso que estaba a unas cuantas cuadras del Muelle Barón, mientras Camila Moreno y Ana Tijoux recordaron a los estudiantes que protagonizaron las manifestaciones del año pasado. Caso aparte fue el de la Orquesta de Trompes, conjunto de instrumentistas dirigidos por Eduardo Cáceres inspirados en la recuperación de las culturas de los pueblos originarios, que cerraron su presentación al grito de “Sangre de mi sangre, ¡fuerza mapuche!”.

La sangre joven y los alumnos avanzados

“Creo que es lo mejor que le puede pasar a la música: ver a bandas de trayectoria, con experiencia en otros países, codeándose con hueones como nosotros, que estamos recién empezando”
Robex, Eczema

“Imagínate tener la edad de los cabros que están partiendo y saber que hay un festival importante en Chile al cual se puede postular. Te da un objetivo cercano, mucho más posible”
Martín Erazo, La Patogallina Saunmachín

“Rockódromo siempre está aspirando a esa situación: instalar a los grupos emergentes junto a los consagrados. Aunar distintas generaciones, estilos y tendencias”
Eduardo Cáceres

Camilo Eque compartió balcones con Florcita Motuda y Mauricio Redolés. La Chinganera recorrió los cerros junto a Claudio Narea (quien además invitó a Lautaro Rodríguez a tocar con él). Bandas como Eczema, Máquina Verde, Rock Balance (compuesta sólo por estudiantes de enseñanza media) y los locales Lisérgico fueron sólo algunos de los artistas jóvenes que propuso el cartel de este encuentro. Entre alumnos de las Escuelas de Rock y ganadores de diferentes concursos se armó una parrilla en que nombres como Melodrama Social, Funk Amasado y Jerónimo también tuvieron espacio para presentar su música. De diversas regiones, con más o menos años de experiencia, todos tuvieron su ventana e hicieron lo mejor de ella. No sería raro que todos quieran volver el 2013.

Heterogeneidad sonora

“Encuentro muy radical la parrilla que armaron, y es igualmente radical la forma en que se va programando y lo aleatorio que es el escenario, pero eso le hace bien al público. Para cultivar audiencias, para entenderse más. Justamente lo inesperado de la banda que viene permite que la gente escuche con mayor atención. Ayuda a conocer otros proyectos. Y esa diversidad configura una especie de identidad, por manoseada que suene esa palabra. Esa diversidad es un aire, un hilo conductor que nos sitúa acá”
Silvio Paredes

Rockódromo no sólo tiene una diversidad etárea importante. La mezcla de estilos que propone (sutil en la Noche en los Balcones y en la Gira por los Cerros, pero desatada por completo en Música Frente al Mar) es una parte fundamental de su atractivo y uno de sus mayores méritos. El viernes 10 vio como Legua York fue seguido por Astro, y ellos a su vez por Los Blue Splendor. Al día siguiente, Fulano y Electrodomésticos (dos de los más notables nombres de esta edición, que tocaron uno después de otro durante la tarde) antecedieron a la Orquesta de Trompes. ¿Radical? Puede ser. Son riesgos y apuestas, y ambos días funcionaron. Y es que, en su esencia, éste no es un evento. Es un encuentro de la música chilena. Eso es lo que importa.

‘Irae’ de Mozart
Maca Fernández Roca: “Siento que con una pieza así se muere como un grande”.

‘Ain’t No Grave’ de Johnny Cash
Mauricio Navarrete: “¿Es necesario dar alguna razón?”

‘My Body Is a Cage’ de Arcade Fire
Pablo Romero: “Creo que refleja a la perfección el rol que algunos cumplimos en este mundo, así como también una visión de lo que quizás viene después de esto. Es una catarsis en todo sentido”.

‘Pink Steam’ de Sonic Youth
Gustavo Gómez Duarte: “Porque es una canción larga, prolija y con diversas intensidades, como la vida misma”.

‘Please please please let me get what I want’ de The Smiths
Matías Ignacio Cerón Fabio: “Me identifico un poco con la letra de esta canción, sería un lindo final para esta historia”.

‘Elephant Gun’ de Beirut
Medelise McFly Smith: “Sólo porque es mi canción favorita, después quiero que hagan un shuer carrete con Justice, Crystal Castles, Foals, etc, y que todos los hueones bailen hasta morir”.

‘Give Up the Funk’ (Tear the Roof off the Sucker)’ de Parliament
Na Ni: “Nada de tristeza, y mis amigos cuando bajen el cajón tendrán que tomarse un cortito de copete; esa será mi última voluntad… no hay por qué llorar, si así es el curso natural de la vida, y tendrán que recordarme con un último carrete”.

‘Jefe de Jefes’ de Los Tigres del Norte
Corvalán Cris Tián: “Para ridiculizar a todos los rockeros ridículos con supuestos conocimientos musicales (llámese “conocimiento” a la musica rock estadounidense) Además, porque ese tema de Los Tigres tiene más sentimiento que muchos temas estilosos pero con letras obvias (o inteligentes pa los rockeros shilenos) de artistas como lo yon lenon, lo llin morrison o el pink floi”.

‘If I should die tonight’ de Marvin Gaye
Stille da Agape: “Todo ser humano debe escucharla antes de morir”.

‘Perfect Day’ de Lou Reed
Leandro Hernandez: “Porque cuando muera espero haber cumplido cada uno de mis sueños, quiero que esta canción suene en el momento en que esten bajando mi ataúd a la fosa”.

‘The Hidden Track’ de Saybia
Ingrid Flores: “Porque mi vida ha sido una constante lucha y aún asi sigo dandole la cara. Amo esa cancion, los 17:18 que dura”.

‘Now we are free’ de Lisa Gerrard
Pablo Cristián Lozano Lizama: “Quien conozca este tema sabrá el porqué.. quien no la conozca, que se de el tiempo de escucharla”.

Este enunciado suele salir a colación cuando, en una votación o encuesta popular, quien está en primer lugar supera con demasiada amplitud a sus contendores más cercanos. Y es difícil saber si en POTQ hubo Espiral del Silencio involucrada o sólo una reacción natural a un grupo que tuvo el mejor año de su carrera, pero lo cierto es que el disco que los lectores del sitio escogieron como el mejor del 2011 sacó más del doble de preferencias que los que le siguen. Desde el día en que nuestro concurso se hizo público, la tendencia comenzó a marcarse de forma ineludible: Foo Fighters a la cabeza, seguidos de cerca (en un comienzo) por Arctic Monkeys y Radiohead.

Entre aquella fecha y el 30 de diciembre pasó de todo. Hubo grupos de Facebook buscando comentarios, músicos que intentaron votar por sus propias bandas y personas que nos sorprendieron con notables elecciones (algunas de las cuales ni siquiera imaginamos que serían nombradas). Varios lanzamientos esenciales escalaron alto, mientras que muy buenas obras de artistas como Kurt Vile, Alex Turner (en solitario), The Antlers, Primus o Beastie Boys casi no fueron consideradas.

A la larga, esta lista resulta bastante representativa de lo que es POTQ y sus lectores. Puede que ahora, al revisarla, estén de acuerdo. Puede que no. Pero recuerden que estos 30 discos no los escogimos nosotros. Lo hicieron ustedes. Tras más de 600 comentarios, ésta es su lista de lo mejor del 2011.

30. Girls – “Father, Son, Holy Ghost” (True Panther)
29. My Morning Jacket – “Circuital” (ATO)
28. Beady Eye – “Different Gear, Still Speeding” (Beady Eye)
27. Real Estate – “Days” (Domino)
26. Mastodon – “The Hunter” (Reprise)
25. Kasabian – “Velociraptor!” (Columbia)
24. Florence and The Machine – “Ceremonials” (Island)
23. Yuck – “Yuck” (Fat Possum)
22. Adele – “21″ (XL)
21. M83 – “Hurry Up, We’re Dreaming” (Naïve)
20. Eddie Vedder – “Ukulele Songs” (Monkeywrench)
19. Mogwai – “Hardcore Will Never Die, But You Will” (Rock Action)
18. Red Hot Chili Peppers – “I’m With You” (Warner Bros.)
17. Metronomy – “The English Riviera” (Because Music)
16. Fernando Milagros – “San Sebastián” (Quemasucabeza)
15. Astro – “Astro” (Discos Río Bueno)
14. James Blake – “James Blake” (Atlas)
13. Bon Iver – “Bon Iver” (Jagjaguwar)
12. Coldplay – “Mylo Xyloto” (Parlophone)
11. Björk – “Biophilia” (One Little Indian)
10. Foster The People – “Torches” (StarTime)
9. Fleet Foxes – Helplessness Blues” (Sub Pop)
8. The Horrors – “Skying” (XL)
7. The Black Keys – “El Camino” (Nonesuch)
6. The Strokes – “Angles” (RCA)
5. PJ Harvey – “Let England Shake” (Island)
4. Noel Gallagher’s High Flying Birds – “Noel Gallagher’s High Flying Birds” (Sour Mash)
3. Radiohead – “The King of Limbs” (Ticker Tape Ltd.)
2. Arctic Monkeys – “Suck It and See” (Domino)
1. Foo Fighters – “Wasting Light” (RCA)

Así como Lollapalooza Chile y Maquinaria marcan la pauta de lo que el rock o el indie imponen en el mundo y cómo esto afecta en las masas de nuestro país, hay tres ejemplos muy diversos entre sí de eventos asociados a la cultura electrónica que, de alguna forma, nos dan algunas pistas para entender este fenómeno. Hablamos del festival de orígen inglés Creamfields, del canadiense Mutek y del recién llegado desde Holanda, Mysteryland.

Creamfields es un festival que partió en Liverpool el año ’98 y que ya está consolidado en Chile. Se realiza anualmente desde el 2004 en una sola noche, congregando cada vez a más personas, con un record de 25 mil en la reciente edición de este año. La línea del evento se mueve entre las esferas más comerciales de la electrónica (house y trance de estadio y electro cercano al pop) y sus principales atracciones han sido, últimamente, DJs “superestrellas” cómo David Guetta y Armin Van Buuren. Una entrada para la última versión costaba la no despreciable suma de $45.000, y un poco menos si eras cliente de una conocida marca de telefonía celular. Antiguamente, casi sózlo el público mayormente ABC1 se aventuraba a pagar estas cifras y disfrutaban de un evento casi exclusivo, de carácter urbano y cosmopolita. Pero, en los últimos años, esto ha cambiado y se pueden ver variados grupos de gente en las enormes y atochadas pistas de baile de Espacio Riesco. Lo cual, logicamente, no ocurre en el Vip. En este ya folklórico sitio, se puede ver incluso a personajes de la farándula nacional, y el ambiente general que se respira es un juego de apariencias, de taquilla y vida social elevada.

¿Qué papel juega realmente la música en todo esto? No hay duda de que cierto sector del público conoce a los DJs y nunca falta el grupo de gente hipnotizada por el beat que disfruta del suceso, más allá de lo que los rodea. Pero, entre tanta gigantografía publicitaria y stands comerciales que intentan vender de todo, es imposible no preguntarse si acaso la música no es suficiente en el mundo actual. Lo cierto es que la edición de este año del festival Creamfields tuvo dos interesantes apuestas que se desmarcan de la superflua tendencia imperante: el dueño del sello Cadenza y uno de los embajadores chilenos de la electrónica en Europa, Luciano, además del respetable oriundo de Detroit, Seth Troxler (quien tuvo la misión de parchar a Miss Kittin, que no tocó porque la producción le negó los equipos que pidió para tocar).

“Yesterday is history. Today is a gift. Tomorrow is mystery” (“El ayer es historia. El hoy es un regalo. El mañana es un misterio”) es el lema con el cual Mysteryland aterrizó en Chile por primera vez este año, proveniente de Holanda. Por donde se le mire, el festival que por primera vez salía de su país natal, alberga un concepto totalmente distinto al de Creamfields. Fueron tres días de fiesta al aire libre en Picarquín, localidad de la comuna de San Francisco de Mostazal (a 60 minutos de Santiago) donde anteriormente se realizó Earthdance, evento que comparte muchos matices con este nuevo encuentro. Primero que todo, la gran mayoría de la gente que se pasea bajo el sol con atuendos veraniegos y que se enteró del evento por la televisión o por Facebook, no tienen la menor idea de los artistas que componen el line up o de qué música específicamente podrán escuchar. No van por la música, sino por el acontecimiento. Quieren ser parte de algo grande, de algo nuevo y que supuestamente marca una tendencia en espectáculos masivos en Chile.

El formato de Mysteryland también es distinto a nuestros otros dos ejemplos (Creamfields y Mutek): nueve escenarios parafernálicos y coloridos, y un entorno en donde se intenta generar un ambiente mágico y de ensoñación eufórica. Los ritmos presentes van desde la electrónica más genérica, light y envasada (lo cual no importa mucho para provocar la aceptación de un público con intenciones de fiesta), pasando por estilos como el hip hop, el pop y números tan extraños como Peter Rock homenajeando a Lady Gaga o un show de drag queens que tributó a divas del pop mundial (en un escenario que también incluía al italiano Benni, al televisivo grupo Sharkycanns y a la actriz Celine Raymond). El fenómeno de Mysteryland obedece a una nueva generación que poco tiene que ver con la electrónica en sí y mucho con seguir tendencias imperantes. Un público más joven y más diverso que el de Creamfields, muchedumbre recién salida de sus exámenes de fin de año y que sólo quieren divertirse con los artistas de turno. Porque en este caso no se trata de cultura musical sino de cultura del entretenimiento, que considera a la música sea electrónica como la excusa más obvia para congregar a miles de personas acampando y divirtiéndose en un gran terreno bajo el sol.

Por último, y casi a modo de reivindicación con este manoseado género, está el caso del festival Mutek. Nacido en Montreal, Canadá y con ediciones en España, México y Argentina, entre otros, el encuentro es uno de los más respetados dentro del mundo de la electrónica no comercial, junto a otros como Sónar, DEMF o Movement. Es un evento mucho más especializado, no tan masivo, en que el sonido es el gran protagonista. Los estilos que difunde van desde la música experimental, el ambient, el techno y house actual, el minimal e incluso el dubstep. Este año se vivió la primera edición de varios días de duración en nuestro país (del 6 al 11 de Diciembre), ya que desde el 2003 se realizaron algunas versiones en Santiago y también en el Muelle Barón en Valparaíso, pero en formato menor.

Mutek aún es un evento under en Chile: se escribe poco en la prensa al respecto y este año el record de gente que asistió fue de 3.500 personas en casi una semana entera de presentaciones entre el GAM y el Club La Feria. Hubo un fuerte contenido audiovisual en los conciertos y fiestas, además de un nutrido calendario de workshops, charlas e instalaciones interactivas sobre creación musical, cultura digital y nuevos medios.

Foto por Fabio Sepúlveda

El público de Mutek es más informado que el de Mysteryland y Creamfields, y está, de alguna manera, al tanto de la cultura electrónica, en gran parte conocen a los artistas (que no son muy famosos en Chile) o al menos se interesa aprender al respecto. Este año, el chileno-neoyorquino Nicolás Jaar fue quien atrajo la mayoría de público a la pequeña, pero precisa, pista de Club La Feria. Una audiencia privilegiada, de no más de 300 personas, que pagó una entrada a precio de concierto masivo para ver a un hombre detrás de un laptop cantando con un micrófono retro. Menos concurrencia tuvieron las otras sesiones nocturnas del club, donde se presentaron los músicos de dub techno minimalista Pole y Deadbeat, en fiestas de bajo precio y alto nivel musical. Las presentaciones en el GAM fueron exclusividad de unos pocos. La acondicionada biblioteca del edificio recibió -de manera bastante exótica- a variados artistas chilenos como Mostro, Kinética, El Sueño de la Casa Propia y DJ Fracaso, entre estanterías de libros y gente acomodándose en el suelo a solo centímetros de los músicos.

Algo más solemne ocurría en el anfiteatro donde se realizaron las sesiones A/Visions, que mezclaron lo audiovisual con presentaciones de música experimental y tendencias nuevas. Ahí se podía ver al miembro de Marciano, Rodrigo Castro, con su proyecto andino-electrónico Andesground, en un show seudo teatral con proyecciones de imágenes, músicos en vivo y personajes vestidos con atuendos aimaras danzando en el escenario y entre las butacas. También fueron sólo para los informados los notables conciertos del dúo sueco Midaircondo, conformado por dos chicas que parecen la versión experimental de CocoRosie, y los canadienses Artificiel, quienes dejaron a todos hipnotizados con su experimentación ruidista a través de la electricidad generada por la manipulación de una bobina Tesla.

Tres festivales, tres mundos totalmente distintos, pero que comparten la injusta premisa de ser eventos “electrónicos” en un país que mete dentro del mismo saco a todo lo que no esté hecho con guitarra, batería y un cantante. Un mundo que engloba desde los más desechables y baratos ritmos envasados que movilizan a miles de personas apoyadas por el deseo de pasarlo bien, hasta manifestaciones sonoras que en Chile aún están reservadas para, lamentablemente, muy pocos. Es así como la electrónica en nuestro país aún forma parte, por un lado, de un malentendido y desagradable cliché y, por otra, de un sector exclusivo y elitista que recién está comenzando a abrirse.

Adrián Dárgelos

Es como si ya no bastara con escuchar un tema, como si recibir sonidos no fuera suficiente estímulo y se necesitara todavía más información. Adrián Dárgelos de Babasónicos declaraba al diario Página 12 que no entendía la sobrepoblación de cámaras digitales, que él miraba a su público directo a los ojos cuando les cantaba y que ellos se perdían el momento por estar concentrados en registrar lo que ocurría, en vez de vivirlo. Dicho y hecho: En su show del pasado miércoles 7 de diciembre, en el Teatro Caupolicán, fueron varios los presentes en cancha que pasaron de ser cómplices del argentino, para preocuparse de enfocar, encuadrar, guardar y, tal vez, subir el archivo a una red social para jactarse de haber visto en vivo a la banda.

Un poco antes, y desde mucho más lejos, los noruegos Kings of Convenience vinieron a Chile por primera vez, el 2 de diciembre, para cumplir el deseo de todos los que llenaron el Teatro La Cúpula. Pero también para compartir un atinado recordatorio: la tecnología es asombrosa, pero más posibilidades ofrece el cerebro humano. Con esas palabras pidió el dúo que dejaran de tomar fotos y, por un momento, las mañas del quisquilloso Erlend Øye y su compañero, Eirik Glambek, tuvieron todo el sentido del mundo. La intención no era ordenarle a las personas qué hacer, sino remecer un poco sus memorias y hacer que se acordaran de que la música es lo más importante en un concierto.

Video por Felipe Arratia

Esa tremenda obviedad dejó de ser tan evidente en un mundo tan lleno de posibilidades, donde un placer tan simple como escuchar una canción durante un recital pierde atractivo si no es acompañado por un trago, una cámara o un smartphone en el que twittear. El tipo que le gritó a Jorge González en el Centro Cultural Amanda, sólo para recibir su merecido de parte del legendario cantautor, cayó en las garras de esta nueva visión de mundo, en la que la música cumple un rol tan secundario que, incluso en un concierto, puede ser ignorada. Error.

Por supuesto que la ubicación de Amanda (Vitacura) propicia la ocurrencia del problema, porque llegan personas que no tienen idea sobre el artista de turno, pero cuentan con el dinero para pagar una entrada, consumir y actuar como si un músico de pub cualquiera estuviese en el escenario (ese trato recibieron Cat Power y Coralie Clément, por ejemplo). Sin embargo, pasa lo mismo en varios puntos de Santiago, desde las juntas de vecinos en que se organizan tocatas de rap, hasta en las contadas veces en que el Liguria se transforma en espacio para shows en vivo.

“Cállate, conchetumadre”, espetó González, antes de largarse con una colorida diatriba. Varios en YouTube lo tomaron como el acto de un rockstar prepotente con su público; pero los que estaban la noche del 9 de diciembre en Amanda, y otros muchos que lo vieron en sus computadores, aplaudieron las palabras del ex Los Prisioneros. Todo lo que el cantautor estaba exigiendo era ser escuchado y que no lo vapulearan durante su propia presentación, o sea, lo mínimo; algo que un tipo que ha escrito himnos generacionales y discos imprescindibles ni siquiera debería estar pidiendo. “Cállate, conchetumadre”. Cállate y calla todas las voces que te hagan pensar que la música es el arroz del plato, que los artistas no merecen respeto y que su trabajo es una excusa para “tomar y echar el pelo”.

Nota: Gracias a los que graban los shows, con audio e imagen aceptables, para después compartirlos en la red. Los villanos son los otros. 

No obstante, es imposible estar en todas partes en simultáneo, mal que nos pese. Por lo mismo es que aquí van diez recomendaciones, diez títulos que merecen al menos ser considerados cuando estés sopesando a qué funciones ir (o no) entre el 8 y el 18 de diciembre. Aunque, francamente, podrían ser muchos más.

Miles Electric. A Different Kind of Blue
Dirección: Murray Lernes
Domingo 11, 16:00 hrs., Centro Arte Alameda
Miércoles 14, 17:00 hrs., Teatro Nescafé de las Artes

Si hay un tema que se repite en más de un documental en esta edición del In-Edit Nescafé, es el Isle of Wight Festival de 1970, un evento con un cartel que amerita horas y horas de metraje. Y, tal vez, nadie merece más nuestra atención que el legendario Miles Davis, el mejor trompetista de todos los tiempos (y que me perdone Chet Baker), un músico con una historia tan brillante como turbia. Aquí podemos apreciarlo en plena forma, como el monstruo genial que es.

Blue Wild Angel: Jimi Hendrix Live at the Isle of Wight + Listening to You: The Who at the Isle of Wight Festival + Leonard Cohen: Live at the Isle of Wight
Dirección: Murray Lerner
Sábado 10, 23:00 hrs., Centro Arte Alameda

Pero, quizás, la suma de tres gigantes sea suficiente para contrarrestar al de Illinois. La Maratón UFO, agendada para el sábado 10, es una locura: Jimi Hendrix, The Who y Leonard Cohen, en vivo y en sus versiones de 1970. Un sueño húmedo para amantes del rock clásico. Bendito sea el tipo que armó el cartel del Isle of Wight Festival de ese año.

Hardcore, La Revolución Inconclusa
Dirección: Susana Díaz
Viernes 9, 22:00 hrs., Centro Arte Alameda

Puede que la mayoría de las nuevas generaciones no lo sepa, pero a comienzos de los ’90 la escena hardcore en Chile era un hervidero creativo. Un movimiento de bandas y fans dispuestos a cambiar el sistema. Una revolución que quedó a mitad de camino, recreada en esta cinta necesaria e, incluso, contingente, con testimonios de nombres como Donfango y los argentinos Fun People.

Cure for Pain. The Mark Sandman story
Dirección: Robert Bralver y David Ferino
Domingo 11, 20:00 hrs., Centro Arte Alameda
Sábado 17, 22:30 hrs., Teatro Nescafé de las Artes

Mezclando a partes iguales la biografía de la persona con la de la banda, esta cinta cuenta la historia de Mark Sandman, líder de Morphine, quien falleció en pleno escenario mientras tocaba en Palestria, Italia. Un compositor genial que aquí es retratado tanto a nivel creativo como personal con los testimonios de su familia y de gente como Josh Homme y Les Claypool.

Los Tres de Chile
Dirección: Carmen Luz Parot (documental) y Eduardo Domínguez (concierto)
Jueves 15, 22:00 hrs, Teatro Nescafé de las Artes

Documentales sobre Los Tres ya existen, pero lo más interesante de éste es que puede ser considerado casi como un inédito. Aquí se registran desde sus inicios hasta su despedida el año 2000, incluyendo sus primeras estadías en México. Producido por TVN, sólo fue emitido al aire una vez y desde entonces no ha estado disponible para el público en ninguna parte, hasta ahora.

George Harrison: Living in the Material World
Dirección: Martin Scorsese
Sabado 10, 21:00 hrs., Teatro Nescafé de las Artes
Sábado 17, 16:00 hrs., Teatro Nescafé de las Artes

Si estamos hablando de música, es muy probable que no haya documental más esperado durante el 2011 que éste. Es la suma de factores compilados en más de tres horas de metraje: la música, los viajes y las historias, tanto dentro del cuarteto de Liverpool como fuera de él. Que su tema sea George Harrison y que su director sea Martin Scorsese ya son razones suficientes para verlo.

Quiero Tener una Ferretería en Andalucía
Dirección: Carles Prats
Domingo 11, 17 hrs., Centro GAM
Lunes 12, 17 hrs., Teatro Nescafé de las Artes

Podría decirse que Joe Strummer, el líder de The Clash, vivió en dos mundos. Uno era el de los estadios, los conciertos y la fama, en que sus canciones eran himnos. El otro, ubicado en el sur de España, fue el lugar en que disfrutó cada minuto de su condición de anónimo, filmando películas, creando sellos y produciendo bandas, sólo como un inglés simpático y de español regular.

The Sacred Triangle: Bowie, Iggy & Lou
Dirección: Alec Lindsell
Viernes 9, 19:30 hrs, Teatro Nescafé de las Artes
Domingo 18, 18 hrs., Teatro Nescafé de las Artes

Éste es otro film que desde su mero nombre ya es un sueño para melómanos clásicos, pero cuya trama es aún más grandiosa: la relación entre estos tres nombres fundamentales de la música y cómo sus interacciones e influencias entre sí fueron claves en la gestación de “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars” (de David Bowie), “Raw Power” (de The Stooges, la banda de Iggy Pop) y “Transformer” (de Lou Reed). Casi nada.

The Runaways
Dirección: Floria Sigismondi
Martes 13, 17:30 hrs., Teatro Nescafé de las Artes

Ahora que sabemos que la legendaria Joan Jett será parte de Lollapalooza Chile 2012, no está de más repasar (o conocer) este retrato en clave fílmica de la que fue su primera banda, compuesta sólo por mujeres: The Runaways. Duraron cuatro años y desde el principio quedó claro que el espíritu punk de la mítica cantante estaba destinado a hacer historia.

The Other Side of the Mirror. Bob Dylan at the Newport Folk Festival
Dirección: Murray Lerner
Sábado 17, 12:00 hrs, Teatro Nescafé de las Artes

El Newport Folk Festival es un evento icónico en la carrera de Bob Dylan. Se presentó ahí durante tres años consecutivos, y ningún escenario vio su evolución de forma más patente. Ahí estuvo en 1963, tocando ‘Blowin’ in the Wind’ con Joan Baez y su guitarra acústica. Y ahí estuvo ese 25 de julio de 1965 en que trascendió el folk armado con amplificadores y una guitarra eléctrica. El día en que Robert Zimmerman volteó hacia su banda y dijo “play it fuckin’ loud!”, para luego despacharse una versión increíble de ‘Like a Rolling Stone’.

Recuerda que puedes revisar la programación completa del Festival In-Edit Nescafé acá. Para más información, visita su sitio web. Y no olvides que ésta es sólo una parte de lo mucho que habrá disponible para ver y oír.

El Comité Editorial de POTQ estuvo todo el fin de semana instalado en el Club Hípico, entre medio de las miles de personas que asistieron al Maquinaria, para vivir en terreno la segunda edición del festival que, en su debut del año pasado, nos dejó optimistas sobre el futuro de este tipo de eventos en Chile.

Aunque hubo constantes telefonazos, nunca nos vimos las caras en el recinto ecuestre. Cada uno de nosotros vio una faceta distinta del multitudinario encuentro musical, y cada uno de nosotros se llevó un recuerdo distinto del ambiente y de los shows, como todos los que fueron el sábado y/o domingo.

Y sí, a nosotros también nos duele el cuerpo todavía. Pero estamos convencidos de que valió la pena. Lo haríamos de nuevo mil veces.

Lo que el viento se llevó: El sonido

En las cercanías del escenario se notaba menos, pero desde un poco más lejos resultaba posible notar los problemas de volumen el primer día, sumados a la pérdida de sonido -por culpa del viento- en ambas jornadas. Maquinaria aspira a ser un evento de gran magnitud, así que necesita mejorar en este aspecto con una infraestructura acorde a sus ambiciones. Presentaciones que necesitan decibeles altos, como las de Faith No More y Down, fueron perjudicadas por las complicaciones acústicas del Club Hípico, que pudieron haber sido previstas y solucionadas con más y mejores equipos. (Andrés Panes)

Sintonía correcta: El público

Hubo desubicados que llegaron a hacer vida social y conversaron/gritaron durante conciertos enteros, y también gente empecinada en tomar (pésimas) fotos para su archivo personal, que no tuvo reparos en mantener su cámara en alto y no dejar ver a los de atrás. Por supuesto que algunos no supieron medirse, terminaron borrachos y se fueron a combo limpio (intervención de Carabineros de por medio). Pero la mala onda nunca fue generalizada, sino que se manifestó en sectores muy acotados. Incluso al pelotudo que se paró en una mesa en plena cancha de Megadeth, hacia el lado izquierdo del escenario, lo dejaron ser (en otro contexto, tamaño acto de displicencia amerita represalias físicas). El público que llegó a Maquinaria estuvo siempre en la sintonía correcta; ordenado hasta en las filas largas, respetuoso y con ganas de pasarlo bien. (Andrés Panes)

Sonic Youth: Sin llorar

La hora más mezquina de Maquinaria fue la concedida a Sonic Youth. El quinteto neoyorquino pudo haber estado al menos otros 30 minutos tocando, aunque lo acotado de su show hizo que el público cautivo del grupo sintiera la urgencia del momento. Todavía no está claro el futuro de la banda, lo que tiñó de solemnidad, tensión y morbo su segundo paso por Chile. La situación fue resuelta con clase, mediante un set que mezcló temas de “The Eternal” (2009) con imprescindibles de su cancionero como ‘Drunken Butterfly’, ‘Eric’s Trip’ o ‘Teen Age Riot’ (guardada para el exquisito y ruidoso final). Quizá fue la última vez que vienen. De ser así, serán recordados como un ejemplo de categoría, incluso para sobrellevar problemas personales. (Andrés Panes)

Sueño noventero cumplido: Alice in Chains

Aunque a muchos les genera anticuerpos que Alice in Chains se haya reformado, años después de la muerte de Layne Staley, lo cierto es que el alma de la banda siempre ha sido y será Jerry Cantrell. Así, el sábado 12 en el escenario Sony Ericsson/Claro, quedó demostrado que el grupo está vivo y bien. Con las voces a cargo de un William DuVall que, más allá de similitudes tímbricas, no trata de ser un nuevo Staley -detalle importantísimo-, el combo de Cantrell, Sean Kinney y Mike Inez fue una aplanadora que invocó clásicos como ‘Would?’, ‘Down in a Hole’, ‘Man in the Box’ y ‘Rooster’ (con Duff McKagan como invitado). Inolvidable. (Sebastián Amado)

El mínimo esfuerzo: Stone Temple Pilots

¿Quién hubiera pensado que otro de esos nombres que fueron esperados por más de quince años en Chile vendría dos veces durante la misma gira? Después de un correcto show en diciembre, era inevitable esperar un poco más de Stone Temple Pilots en esta ocasión. En cambio, el cuarteto tuvo el set más corto dentro de los headliners de Maquinaria (56 minutos). Una versión resumida de su concierto del 2010, que algo ganó en empatía y tempo como para compensar los pulmones de un Scott Weiland que vino con menos aire que once meses atrás. ¿Habrá estado enfermo? Ni idea. Lo cierto es que, sin importar que esta vez haya sonado ‘Big Bang Baby’ -y la hayan casi ultrajado en su interpretación-, el último acto “grande” de este festival fue una de sus mayores decepciones. (Sebastián Amado)

Primus: Una clase magistral

Porque esa impresión daba ver el set de Primus este domingo en el escenario Transistor. La producción bien podría haberle pasados sillas al público para sentarse y contemplar, a mitad de camino entre el respeto y el éxtasis, como Les Claypool dictaba cátedra de bajo y rock experimental. Un fenómeno de técnica y velocidad, que combinó momentos rápidos y lentos con temas más que esperados (‘Jenny Was a Race Car Driver’, ‘My Name Is Mud’) e incluso se dio el tiempo de felicitar al público por verse “completamente erecto”. Ahora sí, a diferencia del 2010, no hay motivos para reclamar. Sólo para aplaudir. (Sebastián Amado)

Mike Patton: El campeón del pueblo

Faith No More, especialmente el adorado Mike Patton, pasea por Chile como Pedro por su casa y la noche del sábado voló cabezas con la revisión completa del disco “King for a Day… Fool for a Lifetime” (1995). Su concierto (problemas de sonido aparte) fue uno de los mejores de Maquinaria, pero también tuvo pasajes humorísticos de antología. Como en un café concert, el vocalista hizo reír a la masa espectadora mofándose de todo y de todos. Dijo que ‘Evidence’ era “flaite”, habló español con acento mexicano, se rió de todos los regresos y eternas despedidas del grupo en Chile, entre otros gestos de absoluta confianza con la gente. Podrá no ser la primera vez que vienen, pero -hasta ahora- han conseguido que cada una de sus visitas resulte especial. (Andrés Panes)

El obrero de la música: Alain Johannes

A las 5 de la tarde del sábado en el escenario Lenovo, Alain Johannes se presentó por segunda vez en Maquinaria. Una vez más en un horario de sol recalcitrante, pero ahora en una instancia más pequeña e íntima. A diferencia del 2010, aquí estaban loS que querían estar, incluido él mismo. Cigarbox guitar en mano, repasó todo su primer disco e incluyó temas de Eleven y las Desert Sessions, cerrando -ahora sí- con ‘Hangin’ Tree’ ante una audiencia respetuosa y agradecida. Horas después, Johannes volvería a tocar acompañando a Chris Cornell en el escenario Transistor, con la humildad y el talento que ya son característicos de este verdadero obrero de la música. (Sebastián Amado)

Momentos desapercibidos: Los menos vistos

Maquinaria también tuvo un lado B, shows que pocos agendaron en su itinerario festivalero. El sábado no muchos llegaron a ver la desapercibida presentación de Black Rebel Motorcycle Club, y la cuota bajó para presenciar la muy rescatable perfomance de The Black Angels, quienes -a pesar de la escasa audiencia- sacaron adelante un show que mereció más expectación y urgencia. El domingo, el turno de los menos tomados en cuenta comenzó con Inspiral Carpets, que con 20 minutos de atraso dieron vida a un guiño notable a Madchester. El mismo día se vivió un alegre DJ set de James Murphy con cambios de horario y luego una siempre entrañable Alice Glass con Crystal Castles dejando la grande donde se pare. Algunos lindos recuerdos que nos llevaremos. (Felipe Arriagada)

Las grandes bandas: El lleno total

Maquinaria versión 2011 tuvo un cartel envidiable, grandes nombres y mucha historia, de eso no hay duda. El publico agotó su primer día y llegó en masa a un cita que, a ratos, fue memorable. Momentos como la primera vez en Chile de los rejuvenecidos Alice in Chains, el introspectivo show acústico de Chris Cornell con Alain Johannes de invitado, Faith No More con el mismísimo Trey Spruance en guitarra y con canción nueva incluida, o el impresionante cierre con Megadeth, son algunas de las razones para que el sábado fuese de antologia. Estaba todo dado, pero todavia hay cosas de fondo por mejorar en Maquinaria. Se estima que llegaron alrededor de 60 mil personas el día sábado, lo que puso a prueba a un festival que -al parecer- nunca imaginó tal cantidad de gente. A los ya comentados problemas de sonido, los accesos, la zona VIP, los servicios básicos, la zona de comidas y bebidas tuvieron que capear la oleada rockera que vivió el Club Hípico de Santiago, un lugar al que cada vez se le exige más y que no da la respuesta esperada. (Felipe Arriagada)

Segundas partes pueden ser mejores

Hace ya más de un año, un 9 de octubre, el Club Hípico abrió sus puertas a un evento sin precedentes en Chile. Tres escenarios y un line-up con varios nombres fuertes, encabezado por dos monstruos como Queens of the Stone Age y Pixies. A la larga, fue una jornada de aciertos y errores. Una primera prueba que se pasó con nota azul, pero muchos puntos que mejorar. La cancha VIP, la ubicación del escenario electrónico, un par de retrasos. Hoy, a días de su segunda edición, las señales son alentadoras (sobre todo en lo que respecta al mapa del recinto). Si se puso atención y las lecciones fueron aprendidas, esta vez la experiencia puede llegar a ser bastante más satisfactoria que en el ya cumplidor 2010. (Sebastián Amado)

Megadeth (o recordar qué es el thrash metal)

Podría hablar del precedente de su última visita, en que tocaron entero su “Rust in Peace” ante un Movistar Arena repleto. Podría comentar la frescura de un set que viene enriquecido con su última placa de estudio, “Th1rt3en”, sucesor de su mejor álbum en quince años. Pero todas esas razones se vuelven secundarias en función a un hecho contingente y cuasi patético. El triste experimento conjunto de Metallica y Lou Reed, “Lulu”, un disco en que la banda liderada por Lars Ulrich y James Hetfield se anotó un nuevo logro, al hacer que el ex integrante de The Velvet Underground se viera reducido a una parodia spoken word. ¿Qué tiene que ver esto con Megadeth? Que los autores de ese crimen conforman la banda más reconocida del denominado Big Four, y después de tamaña decepción es justo y necesario ir a escuchar a los verdaderos dueños del trono del thrash metal. Nada mejor para recuperar la fe. (Sebastián Amado)

Down: Debutantes con historia

De manera subrepticia, sin mucha fanfarria y con un puesto en el line-up lejos de los grandes nombres, Down se ha convertido en uno de los números más esperados del Maquinaria. Y, claro, los motivos parecen hacerle justicia. Liderados por el carismático Phil Anselmo, que ha hecho de sus demonios internos materia prima de sus canciones y que ha formado parte de la historia del rock duro de los últimos veinticinco años con Pantera, y Peper Keenan, quien hizo lo suyo en Corrosion of Conformity, el quinteto viene por primera vez para mostrar lo mejor de sus tres placas de estudio, con un cuarto en camino. Serán casi 90 minutos que seguramente demolerán oídos. (Jean Parraguez)

Primus: La verdadera primera vez

Todos tienen claro que el 5 de diciembre del 2010 fue el debut de Primus en nuestro país, como teloneros de Faith No More. Sin embargo, lo escueto de su set dejó un aire de injusticia que pretende pagarse con creces este domingo 13 de noviembre, en el Transistor Stage. Si a esto le agregamos que el trío que comanda Les Claypool viene con “Green Naugahyde”, su primer álbum de estudio con canciones inéditas en doce años, hacen de la hora y media que tendrán sobre el escenario un espectáculo que seguramente saldará cualquier deuda que pudo haber quedado. (Jean Parraguez)

Sonic Youth: ¿El adiós?

El divorcio de Thurston Moore y Kim Gordon podría ser una noticia rosa, intrascendente como la ruptura de Ben Gibbard y Zooey Deschanel, si no fuera porque ambos comparten banda. Sonic Youth tambalea desde que el quiebre amoroso entre ambos músicos, que alguna vez fueron la imagen que definía un buen romance: dos personas de infinito talento unidas en un proyecto. El grupo, golpeado por la separación, anuncia que no tiene planes más allá de completar sus fechas agendadas en Sudamérica. ¿Qué pasará? Probablemente ni ellos lo sepan. Lo que sí es una certeza es que la legendaria agrupación tocará el domingo 13 de noviembre, a las 17:30 horas, en el Transistor Stage. De ahí somos: puede que, esta vez, la segunda sea la vencida. (Andrés Panes)

El festival dentro del festival

La propuesta del escenario Claro, para el domingo 13, es un festín de rimas y cadencia. Movimiento Original, Violadores del Verso, Damian Marley y Snoop Dogg componen un cartel coherente y que bien podría ser un evento por sí mismo. Mucho se habla sobre el rock en Maquinaria, pero la apertura mostrada por el festival va más allá todavía. No sólo de guitarras vive el hombre, el dancehall y el rap también tienen cabida en el line-up del certamen con un elenco verdaderamente de lujo: los chilenos más exitosos del género en los últimos años, un mito ibérico que tiene un romance con nuestro país (como Faith No More, guardando las proporciones de convocatoria), el digno heredero de una dinastía musical y un ícono que no requiere presentación alguna. (Andrés Panes)

“All Hallow’s Eve” (víspera del Día de Todos los Santos) es la expresión inglesa que sufrió una trasliteración para derivar en lo que hoy conocemos como Halloween. Ésta proviene de la festividad celta del Samhain, nacida en Europa, en que los Druidas participaban de oscuros ritos paganos donde se invocaban espíritus y entes malignos, congregándose multitud de brujos para practicar ciencias ocultas y espiritismo. Con el tiempo, el catolicismo se apoderó de esta festividad disfrazándola con el nombre de Dia de Todos los Santos, emigrando desde el Viejo Continente a Estados Unidos y luego expandiéndose al resto de América.

En la música, en todos los estilos y épocas, siempre ha habido adeptos al mundo de las sombras y tomamos esta oportunidad para recordar a algunos de ellos. A continuación, una colección de compositores interesados en la oscuridad: un compendio de historias de brujas, espíritus, noches de luna llena y simpatía por los muertos. Una celebración pagana posmoderna, donde la melodía es la herramienta y lo que realmente importa

Salem – ‘Asia’
(Del disco “King Night”, 2010)

No me imagino una mejor forma de comenzar esta lista que con Salem. Bautizados con un nombre totalmente brujeril y con esa escalofriante mixtura de dubstep, goticismo y hip hop, son la banda más sobresaliente del llamado movimiento witch house. La oscuridad nunca pasa de moda y, hasta en la electrónica, se encuentran fervientes cultores.

Bauhaus – ‘Stigmata Martyr’
(Del disco “In the Flat Field”, 1980)

Un clásico inmortal del rock gótico y de los herederos del post-punk. Extraído de su fundacional álbum debut, uno de los singles más recordados de la banda del eterno Peter Murphy, quien acaba de lanzar su nuevo disco solista hace sólo unos meses y que aún demuestra esa fascinación innata por el lado oscuro. Sus inicios siguen sonando exquisitos, como si fuera la primera vez.

Demdike Stare – ‘Hashshashin Chant’
(Del disco “Voices of Dust”, 2010)

Este dúo inglés, influenciado en el techno y el dub más profundos y con un fuerte interés en el horror y la imaginería esotérica, debe su nombre a una mítica bruja apodada Demdike, enjuiciada en Lancashire, Inglaterra, en el siglo XIX. Este track de su último disco suena como un antiguo ritual siniestro donde los misteriosos cánticos se trasladan a una interpretación moderna de aparatos electrónicos y efectos cinematográficos.

Burzum – ‘Dunkelheit’
(Del disco “Filosofem”, 1996)

Sabemos que nunca pensaste leer sobre Black Metal en POTQ. Pero es que entre las absurdas poses seudo malignas, el exceso de corpsepaint y de cruces invertidas, el controversial Varg Vikernes, alias Burzum, puede ser apreciado incluso por quienes no están familiarizados con esta música. El primer tema de este magnífico álbum grabado en 1993, antes del encarcelamiento de Vikernes -pero no publicado hasta 1996- se inspira en leyendas de la mitología nórdica y posee, como pocas obras, una atmósfera intrigante a la que resulta imposible resistirse.

Sonic Youth – ‘Shadow of a Doubt’
(Del disco “Evol”, 1986)

Si “Confusion Is Sex” (1983) es el disco más ruidoso y crudo de Sonic Youth, el excelente “Evol” tiene la particularidad de ser el más oscuro. Esta canción, como extraída de una banda sonora freak y narcótica de alguna película de horror, resulta ideal para una noche de pesadillas y miedos infantiles en donde yacemos estupefactos y hundidos en nuestra cama.

Aidan Baker & Tim Hecker – ‘Phantom on a Pedestal’
(Del disco “Fantasma Parastasie”, 2008)

Aidan Baker, el canadiense tras el proyecto dronero Nadja, y el notable músico ambiental Tim Hecker se unieron hace unos años para elaborar un disco inspirado en almas en pena y espíritus nocturnos. Su primer track es una invitación a abrir un portal a otra dimensión: como un medium que, a través de la música, llama a las almas perdidas a su encuentro.

London After Midnight – ‘Spider and the Fly’
(Del disco “Selected Scenes from the End of the World”, 1992)

Una de las mejores bandas dark de los años ’90, que incluso algunos pudieron ver en nuestro país tocando en la discoteque Blondie el 2001, siempre guiados por temáticas románticas y un elegante y dramático estilo. Éste, proveniente de su álbum debut, es uno de sus temas más entrañables y recordados.

Christian Death – ‘Romeo’s Distress’
(Del disco “Only Theatre of Pain”, 1982)

Liderados por la figura icónica del fallecido Rozz Williams, Christian Death fue, probablemente, la banda más representativa del deathrock californiano de fines de los ’70. ‘Romeo’s Distress’ es una canción símbolo del goticismo en el mundo entero y hasta nuestros días se escucha en antros y fiestas dark. Con un toque punk y la inconfundible vocalización de Willliams, un clásico de noche de brujas que, incluso, puede bailarse.

Alien Sex Fiend – ‘Dead and Buried’
(Del single “Dead and Buried”, 1984)

Un nombre icónico de la contraparte inglesa al deathrock americano, acunado en el mítico club londinense Batcave junto a grupos como Sex Gang Children y Specimen. Encabezados por el macabro Nik Fiend y su esposa, una agrupación que mezcló la oscuridad post-punk con un característico toque industrial y ruidoso. Éste es uno de sus hits más memorables.

Sunn O))) – ‘Big Church (Megszentségteleníthetetlenségeskedéseitekért)’
(Del disco “Monoliths & Dimensions”, 2009)

Extraída del álbum más pretencioso de los impresionantes monjes del drone doom, una pieza que combina la profunda vibración de guitarras en letargo con influencia en cantos rituales y religiosos de la antiguedad. Una banda que ha sabido complementar con maestría lo impactante de su sonido con el fascinante concepto de sus shows en vivo y su reformada imaginería ocultista. Toda una intensa y sombría experiencia.

The Caretaker – ‘All You Are Going To Want To Do Is Get Back There’
(Del disco “An Empty Bliss Beyond This World”, 2011)

El productor británico Leyland Kirby comenzó con su proyecto The Caretaker en los ’90 inspirado en la película “El Resplandor”. Escuchando su reciente último álbum, este concepto toma más vigencia que nunca. Un áura de tiempos lejanos donde la música es como un espectro atrapado en el tiempo que resuena en alguna vitrola abandonada. La mezcla de melodías anticuadas y atmósferas sombrías generan un efecto sugestivo muy poderoso, ideal para ambientar una noche como ésta.

El objetivo de esta instancia es juntar fondos para la Bridge School, una escuela para niños y jóvenes con severos impedimentos físicos y problemas cognitivos o de comunicación.

A continuación, te dejamos una selección de los mejores momentos de esta velada. Vale la pena mencionar que este año el show del día sábado 22 de octubre fue transmitido via streaming, no así el del domingo 23. Esto explica la frecuencia (y calidad) de algunos de los siguientes videos.

Neil Young – I Am a Child / Get Together

Arcade Fire – The Suburbs

Eddie Vedder – You’ve Got To Hide Your Love Away (The Beatles cover)

Mumford & Sons – Dance, Dance, Dance (feat. Neil Young)

Dave Matthews & Tim Reynolds – Two Step

Arcade Fire – Helpless (feat. Neil Young) (Crosby, Stills, Nash & Young cover)

Eddie Vedder – Sleepless Nights (feat. Beck) (Elvis Costello cover)

Foo Fighters – My Hero

Y de bonus track, las presentaciones completas de Arcade Fire, Eddie Vedder y Beck, el 22 de octubre.

Arcade Fire Full Set

‘The Suburbs’
‘Empty Room’
‘Month of May’
‘Rebellion Lies’
‘Intervention’
‘Helpless’ (feat. Neil Young) (Crosby, Stills, Nash & Young cover)
‘Wake Up’

Eddie Vedder Full Set

‘Don’t Cry No Tears’ (stopped)
‘You’ve Got To Hide Your Love Away’ (The Beatles cover)
‘Don’t Cry No Tears’ (Neil Young cover)
‘Rise’
‘Without You’
‘Tonight You Belong to Me’ (feat. Regine Chassagne from Arcade Fire)
‘Just Breathe’
‘Porch’
‘Sleepless Nights’ (feat. Beck) (Elvis Costello cover)

Beck Full Set

- The Golden Age
- Dead Melodies
- Pocahontas (feat. Neil Young)
- Guess I’m Doing Fine
- Already Dead
- Lost Cause
- Jack-Ass
- Sunday Sun

1998: System of a Down (American)

Desde esos primeros e inolvidables segundos en que Daron Malakian exprimía su guitarra, para dar comienzo a ‘Suite-Pee’, el debut de System of a Down gritaba victoria. Furioso y delirante, pero siempre muy accesible gracias a la mano de Rick Rubin, el primer disco de la banda mostró a un grupo tan rico musicalmente, que funcionaba igual de bien en canciones de ira tanto contenida (‘Spiders’) como rebelada (‘Sugar’), que dentro suyo solían tener una que otra progresión sorpresiva y virtuosa. Clásico instantáneo servido en bandeja de oro.

2001: Toxicity (American)

Durante los años previos, System of a Down había pasado de ser un secreto a voces a generar atención con su ópera prima, pero fue con “Toxicity” que se cimentó el lugar del cuarteto de Los Angeles, en la música y en las bandas sonoras de nuestra adolescencia. Temas como ‘Aerials’, la controversial ‘Chop Suey!’ (cuyo titulo original, ‘Suicide’, se cambió a pedido de su sello) y la homónima que le da nombre a esta placa fueron sencillos rotundos de videos indelebles. Las muestras precisas de uno de los grandes discos de la década ya pasada.

2003: Steal This Album! (American)

Después de “Toxicity”, fue tanta la devoción por System of a Down que sus demos se filtraron en formato MP3 y terminaron convertidos en bootlegs de títulos como “Toxicity II” o “Marijuana in Your Brain”. La respuesta del grupo, decepcionado por la filtración (en una época en que todavía no era costumbre), fue “Steal This Album!”, un disco sin portada que emulaba un CD-R cualquiera. Un tanto menospreciado, por quienes lo consideraban una colección de sobras, lo cierto es que esta placa mostró a la banda en uno de sus mejores momentos. Una foto imperdible.

2005: Mezmerize (American)

Un buen par de años esperó el cuarteto para volver a la palestra. Quizás para aceitar la maquinaria interna o tener tiempo para que la pócima estuviera lista, lo cierto es que fue una época que pilló a Daron Malakian en estado de gracia, pues gran parte del entramado de “Mezmerize” recae en sus letras, música y voz. La banda se puso mucho más ecléctica, alcanzando ribetes políticos en ‘BYOB’, incrementando los cambios sorpresivos en ‘This Cocaine Makes Me Feel Like I’m on This Song’, y manteniendo el pulso demencial en cortes como ‘Cigaro’. Un suculento primer plato.

2005: Hypnotize (American)

La última placa –hasta hoy- de System Of A Down fue confeccionada al mismo tiempo que “Mezmerize”, pero vió la luz meses más tarde. “Hypnotize” es la continuación lógica de su predecesor y vemos que Malakian se interna aun más en su personalidad para brindarnos testamentos dolorosos, como ‘Lonely Day’, y la música también parece un poco distinta: ya no abundan tracks demenciales. Hasta se acercan tímidamente al funk en ‘Vicinity Of Obscenity’. System Of A Down se retiró a su cueva del oso con dos obras portentosas en un mismo año.

1987: Sonic Flower Groove (Elevation)

Primal Scream llegó antes que The Stone Roses, mostró similar vocación psicodelica, pero no tuvo el mismo éxito de los liderados por Ian Brown. Cosa de timing. El primer disco de Bobby Gillespie y compañía fue un fracaso comercial, pese a ser una piedra preciosa en el panorama del pop británico, al punto de que su desarrollo terminó con el grupo a medio morir saltando. Quizás les faltó arrogancia y más onda para triunfar, pero el implacable pasar del tiempo dictaminó que Primal Scream siguiera y que terminara con el bajista de los disueltos Roses, Mani, en sus filas.

1989: Primal Scream (Creation)

Un entramado más elaborado, pero aún en rodaje. Eso es lo que nos deja el homónimo, el primero para la reputada casa discográfica Creation. La banda vuelve a amalgamar influencias, como The Jam en ‘Gimme Gimme Teenage Head’, hasta caer en las desesperadas ‘You’re Just To Dark To Care’ y ‘Jesus Can’t Save Me’, donde la impronta de Elvis Presley sorprende. Aún hay claras marcas del pasado Jesus & Mary Chain de Gillespie en ‘Sweet Pretty Thing’. Lo claro de esta obra es que finaliza un capítulo, un período incubatorio del monstruo que saldría de las entrañas de los escoceses dos años más tarde.

1991: Screamadelica (Creation)

Infalible por donde se le mire, la obra maestra de Primal Scream se rió en la cara del grunge y celebró la cultura rave. Pero no sólo se quedó ahí, sino que también ignoró los dos discos previos del grupo, para resetear la historia. Como un festín en que también la lisergia –ahora en clave acid house-, el gospel y la electrónica podían ser devorados, “Screamadelica” regurgitó todo lo que había sido incubado en Manchester (o Madchester, mejor dicho), para coronarse como un álbum visionario. A veinte años de su salida, aquí estamos brindando por él.

1994: Give Out But Don’t Give Up (Creation)

La gran resaca que dejó la fiesta desatada de “Screamadelica” se pagó con el cuarto elepé de los escoceses. Recibido tibiamente, incluso siendo denostado por muchas bocas, ‘Give Out But Don’t Give Up’ es un disco que fue ganando con el tiempo, y es que razones no le faltan: desde el triunfador combo inicial a cargo de ‘Rocks’, pasando por la cadenciosa ‘I’ll Be There For You’, Primal Scream se ponen otra vez trajes de funk y hasta se dan maña de invitar al inmortal George Clinton, quien participa en ‘Funky Jam’ y en el track que le da nombre al disco.

1997: Vanishing Point (Creation)

El quinto disco de los de Glasgow (primero con Gary Mounfield, ex Stone Roses, en bajo) es el fruto de un capricho muy bien resuelto. Su propia visión de cómo debiese ser el soundtrack de la película que da nombre a esta placa -original de 1971-, incluso bautizando uno de los temas como ‘Kowalski’ en homenaje a su protagonista. Canciones corrosivas, rock trance con fuerte influencia del krautrock, The Stooges y Motörhead, también versionados aquí. Una muestra clara de que ya habían llegado al nivel en que podían hacer lo que quisieran.

2000: XTRMNTR (Creation)

Atacar y destruir. De eso se trató “XTRMNTR”, un disco que eligió bien a sus enemigos y los descuartizó pieza por pieza. Sintomático del paranoico fin de milenio y del desgaste del boom laborista inglés, el álbum fue el primero que Primal Scream compuso junto a Mani, cuya fuerza creativa impulsó a la banda hacia rumbos jamás visitados anteriormente. Junto a nombres como The Chemical Brothers y Kevin Shields, entre otros productores invitados, el grupo ejerció su derecho –no muy practicado previamente- a protestar. Y vaya de qué manera.

2002: Evil Heat (Columbia)

Después de “XTRMNTR”, los oídos aún convalecientes del mundo melómano estaban atentos a lo que Primal Scream tuviera para ofrecer. Y ellos optaron por hacer un poco de todo. Coquetear con lo industrial (‘Deep Hit of Morning Sun’) sin olvidar la electrónica (‘Miss Lucifer’), e incluso llegar al nivel del mantra hipnótico (‘Autobahn 66’). Si hasta Kate Moss hace un cameo en ‘Some Velvet Morning’ -original de Nancy Sinatra y Lee Hazlewood-, un cover que podría haber sido inolvidable, pero que suele ser devorado por la anécdota.

2006: Riot City Blues (Columbia)

Fue tildado desde su salida como un regreso a sus orígenes. La verdad es que “Riot City Blues” se despojaba de los ropajes futuristas que habían echado raíces en la carrera de la agrupación. Asistida por Martin Glover, la placa alcanza ínfulas de Rolling Stones en ‘Nitty Gritty’ –donde acompaña Alison Mosshart de The Kills en voces-, aires de la primera edad del rock en ‘The 99th Floor’ y desoación folk en ‘Sometimes I Feel So Lonely’. Los guitarristas Andrew Innes y Robert Young son los grandes protagonistas, mientras la voz de Bobby Gillespie surca a gusto los diez cortes de la obra.

2008: Beautiful Future (B-Unique)

Pop. Eso es lo que se viene a la cabeza al oír el tema que abre y le da nombre al último disco de estudio de los británicos. Su primer single, ‘Can’t Go Back’, no hace sino reforzar esa percepción. Tal vez fue un álbum escrito para los nuevos tiempos, para otros públicos con otros gustos. Si Primal Scream es una banda que genera devoción, “Beautiful Future” podría verse como una prueba de fe para los feligreses de antaño, con una lista de colaboradores (Lovefoxx, Linda Thompson y Josh Homme) ecléctica. Y, quizás, esa palabra lo resume todo.

Una vez más, el centro de madres venerable consejo de ancianos de POTQ abre las puertas de sus reuniones secretas. En esta ocasión, con el apéndice chileno de su primera sesión pública, es decir, su veredicto sobre qué bandas ya no tienen nada que hacer juntas, cuáles se equivocaron al volver, las disoluciones más dolorosas y un par de aleatorios bonus tracks.

¿POR QUÉ NO SE VAN?
(Bandas que deberían disolverse)

Chancho en Piedra

Tienen a su haber uno de los discos debut más atractivos y frescos que vio la música chilena en los ’90 (“Peor Es Mascar Lauchas”, 1995), un segundo trabajo que califica tranquilo como uno de los mejores de toda esa década, además de ser parte de la camada de un año increíble para nuestro país (“La Dieta del Lagarto”, 1997) y un sólido tercer álbum que los terminó de consagrar como uno de los estandartes de esa nueva generación (“Ríndanse Terrícolas”, 1998). Y quizás el problema es ése. Que después de canciones como ‘Sinfonía de Cuna’, ‘Edén’, ‘Volantín’ y ‘Discojapi’, es difícil mantener el nivel. Mientras Chancho en Piedra ha navegado por las aguas de la irregularidad durante más de una década, Pablo Ilabaca ya tiene a su haber cuatro obras memorables: los tres discos de 31 Minutos y esa joya que es el debut de su proyecto solista, Jaco Sánchez y Los Jaco. Felipe Ilabaca sigue siendo uno de los mejores bajistas de Chile. El talento está, pero hay algo que ya no hace click como antes. Ojo, no odio a los Chancho. Todo lo contrario. Pero ha quedado demostrado que esa primera trilogía fonográfica dejó la vara demasiado alta para ellos mismos, y desde entonces han combinado aciertos con decisiones (muy) poco afortunadas a diestra y siniestra. Hoy, el prospecto de nuevo material asusta. Es triste reconocerlo, pero es mejor que paren antes de que se les meta en la cabeza hacer la continuación de ‘Niño Peo’. (Sebastián Amado)

Tiro De Gracia

Cuando se anuncia un show de Tiro De Gracia, ya es algo asumido el hecho de que la persona que pisará el escenario es Juan Salazar. Desde mediados de la década pasada sólo es él quien mantiene el nombre de la agrupación en pie, una movida que le resta justicia a los aportes que, en su momento, hicieron Lenwa Dura y Zaturno. Con una discografía que lleva años en el congelador, el actual TDG es un remedo de lo que fue años atrás, una apelación a la nostalgia que se ve forzada por la ausencia obligada de una de sus aristas más importantes. Y a pesar de que Juan (ya sea como Salazar, Sativo, Chills o Pincel), su miembro más renombrado, no fracasaría con una eventual carrera en solitario –mal que mal, probablemente sea el MC más conocido de Chile-, sigue tozudamente un proyecto que cada vez más parece un medio fácil de conseguir repercusión –escasa, por lo demás- y ganancias monetarias que logros musicales. (Jean Parraguez)

Lucybell

“Fénix”, el más reciente disco de Lucybell, apareció el año pasado y de inmediato se convirtió en uno de los títulos más vendidos de Chile. Todo un logro para la banda, que por primera vez editaba en forma independiente su material. El problema es que ninguna de las canciones de ese álbum aumentó el repertorio de hits inolvidables del grupo -cuyas últimas incorporaciones fueron ‘Sálvame la vida’ y ‘Ver el fin’- sino que sólo alimentó un listado de sencillos carentes de chispa, de éxito cada vez más forzado por la fama previa del grupo. Lucybell se alejó, para mal, de la clase de proyecto que alguna vez fue. Donde hubo un grupo de perfeccionistas con notorios afanes artísticos, ahora hay un trío que imita la estética de la película “Crepúsculo” (ver el arte de “Fénix”) y que no conserva el encanto de antaño, pese a intentar disimularlo tocando más fuerte. El próximo aniversario del grupo lo verá reunirse con sus miembros históricos, todos alejados de Claudio Valenzuela en el transcurso del camino, y reconocer que su público sigue llorando cada una de las partidas que marcaron la historia de la banda, especialmente la de Francisco González (embarcado en una infumable carrera solista como cantautor). Pero de esa banda que tocaba ‘Sólo soy un adicto’, ‘Que no me vengan con paraísos’ o ‘Si no sé abrir mis manos’ (además de un puñado de buenos singles) sólo queda el recuerdo. (Andrés Panes)

SHOULD I STAY OR SHOULD I GO?
(Bandas que no deberían haber vuelto)

Los Tres

Porque sin Pancho Molina no es igual, el vacío sonoro es palpable y el que diga lo contrario se está engañando (nada contra Manuel Basualto, no es su culpa tampoco). Porque ‘Camino’ fue el single más flojo de su carrera, por lejos y sin discusiones. Porque “Hágalo Usted Mismo” es un disco que no le llega ni a las rodillas a todos sus predecesores. Porque las pocas buenas ideas (grabar un DVD junto al ballet de Santiago y otro con sus conciertos de regreso en el Movistar Arena) no justifican presenciar cómo los diarios anunciaban con bombos y platillos que Los Tres eran los orgullosos autores del nuevo jingle del CDF. Porque el mismo tipo que escribió ‘Bolsa de Mareo’ y ‘Déjate Caer’ ahora se luce con versos como “juega a la pelota / no seai pelota”. Porque su carrera hasta el año 2000 es intocable, pero nada de lo que han hecho, compuesto y grabado desde el regreso explica este mediocre presente. Que en dos discos (el ya mencionado y el más reciente, “Coliumo”) sólo haya una canción que esté a la altura (‘Cerrar y Abrir’) cuenta la historia mejor de lo que yo jamás podría. (Sebastián Amado)

Malcorazón

Más de diez personas han pasado por la alineación de Malcorazón, desde su fundación en 1989. Ese transcurso de tiempo ha parido sólo dos placas de estudio. Dos excelentes discos. Viendo el panorama de ese modo, no cabría objeción alguna para el retorno del grupo comandado por Cathy Lean. Este 2011 prometen un tercer elepé, que ya tiene un single de adelanto -‘Pásalo Bien’, que puedes escuchar en su sitio oficial-, y tocatas pactadas. Sin embargo, el escuálido equilibrio que ha presentado su historia amenaza con vislumbrar algún futuro a Malcorazón, coartando alguna chance de continuidad. Habrá que ver cuánto durará este regreso. (Jean Parraguez)

Santos Dumont

Porque auguraba mucho y no cumplió con nada más que algunos conciertos, el regreso de Santos Dumont califica como una maniobra totalmente innecesaria. La vuelta del grupo ocurrió a propósito de la atinada reedición del excelente disco “Similia Similibus”, descontinuado como muchos álbumes importantes del catálogo nacional. La banda penquista se reunió, tocó de nuevo en vivo e insinuó la posibilidad de publicar material nuevo. “Todos tenemos millones de ideas, es cosa de seguir tocando y que la magia siga fluyendo entre nosotros. Queremos seguir según la forma en que se den las cosas (…) Esto no lo hacemos porque nos sintamos obligados, sino por gusto. Es como una relación de pareja”, me dijo Julián Peña en noviembre del 2008. La promoción del relanzamiento terminó y de Santos Dumont no se supo más. (Andrés Panes)

PLEASE DON’T GO
(Bandas que no deberían haberse disuelto)

Jirafa Ardiendo

Marcelo Salas o Iván Zamorano. Tangananica o Tangananá. Coca Cola o Pepsi. Paul McCartney o John Lennon. Los Beatles o los Stones. “Persona” (2003) o “Pulmonía” (2008). Haya o no fanatismo de por medio, si se conocen estos discos, es difícil escoger uno de buenas a primeras. Y con razón: los dos últimos trabajos de Jirafa Ardiendo son extraordinarios. Cada uno a su manera, muestran a una banda como no ha habido ni habrá otra en Chile. A nivel de composición, de letras, de espíritu incluso. Se dieron el lujo de hacer la música que querían, siempre, desde sus inicios en La Serena hasta esa última e inolvidable presentación en la Sala SCD del Plaza Vespucio. Fue una decisión personal y consensuada, un final de común acuerdo cuando el quinteto decidió que era hora de dar vuelta la página y seguir otros caminos. Pero, diablos, qué lindo sería que todavía estuvieran juntos. Al menos, no debería haber discusiones respecto a que ‘Traci’ es la mejor intro de cualquier álbum grabado en nuestro país. (Sebatián Amado)

Taller Dejao

Antes de que Gepe despegara, era el baterista de Taller Dejao. Un proyecto maravilloso que formó con el bajista Javier Cruz. Un dúo que pudo mezclar cosas tan improbables como punk con ínfulas de Violeta Parra en el disco “El Brillo Que Tiene Es Lo Humano Que Le Queda” (2004), sólido en el estudio como arrollador cuando llegaba el momento de subirse al escenario. Taller Dejao fue un grupo que entregaba frescura a la escena, tomando como referencia el folklor nacional mucho antes que todos los artistas que hoy son grito y plata con el mismo modus operando. (Jean Parraguez)

Tobías Alcayota

¿Qué banda chilena se parece a Tobías Alcayota? Sólo por ser tan único, el trío santiaguino debería seguir activo. Si a eso le sumamos una discografía que comprende títulos tan adictivos como “Omi” (1999) o su obra final, “Antimateria” (2004), así como presentaciones en vivo inolvidables que no respetaban guión alguno, la impresión que deja el grupo es la de haber sido un evento único en nuestro país. Referentes del nuevo pop chileno, como Gepe y Fakuta, citan a Tobías Alcayota como una de sus influencias más profundas. Las anomalías en el sistema también pueden dejar un legado. (Andrés Panes)

MENCIONES HONROSAS

Banda que debería haber vuelto, tocado dos fechas en el Nacional, forrarse de plata y listo, nada más, nunca más: Los Prisioneros

O quizás esas dos fechas y la Teletón, para que la diatriba que se despachó Jorge González aquella noche no se perdiera en el tiempo y el espacio. Pero todo lo demás fue de lo innecesario a lo derechamente ridículo: “Manzana” nunca debería haber existido. Punto. No deberíamos haber tenido que presenciar un nuevo quiebre entre González y Narea, la conferencia de prensa aquella y esos últimos engendros con Gonzalo Yáñez como parte de la formación. ¡Gonzalo Yáñez! Si el leitmotiv era que, como dice la canción, querían dinero, con “Estadio Nacional”, “Antología” y “Ni Por la Razón Ni Por la Fuerza” debería haber bastado. ¿Para qué todo lo demás? ¿Ego? ¿Probarle algo a alguien? Tal vez, en el fondo, éste siempre haya sido un asunto de “usted y su ambición”. (Sebastián Amado)

Banda que debería haber lanzado otro disco entretenido antes de disolverse: Compiuters

Si bien la disolución nunca es un fracaso y tener una vida corta no significa ser intrascendente, el término de Compiuters llegó en muy mal momento. El humilde amague de hype, a la chilena, que operó con ahínco para destacarlos (y que fue encabezado por la Radio Concierto antes de convertirse en un engendro) no fue suficiente para mantener unido a este cuarteto, cuyo pop electrónico descarado es uno de los experimentos indie más divertidos de los que se tiene memoria en Chile. Todo un aporte en un panorama en que el sentido del humor es tan mal manejado que da pena: escasea en unos, mientras otros lo sobreexplotan (¿seré el único que piensa en Sinergia y Los Mox! al decir esto?). Justo cuando su debut homónimo del 2006 tomaba vuelo, la banda desapareció sin aviso y no volvió a tocar en vivo. Leche cortada. (Andrés Panes)

Cantante que debería replantearse toda su carrera: Nicole

Nicole es famosa por defecto, porque tuvo un disco muy famoso en los ’90 (“Esperando Nada”) y después el declive de la industria la dejó como la última estrella -entendido el término como una figura superventas- femenina de pop en Chile. Después de ese exitoso álbum, la solista sorprendió con el estupendo “Sueños en Tránsito”, producido por Gustavo Cerati, pero luego tropezó con el edulcorado “Viaje Infinito”. Errática, Nicole intentó conjugar estos elementos en “Apt.”, aunque sin la sustancia necesaria para hacerle honor a sus credenciales. Sería fácil desechar su nombre, dada su cercanía al tóxico medio televisivo y a la envidia que todavía suscitan sus éxitos pasados (ser talentosa y bonita ha sido una especie de maldición para la cantante), sin embargo, nadie en su sano juicio podría negar que, con apenas 34 años, Denisse Laval todavía tiene pasta para reivindicarse. Pero sólo si ella misma se lo propone. (Andrés Panes)

¿POR QUÉ NO SE VAN?

(Bandas que deberían disolverse)

Guns N’ Roses

Hubo una vez una banda llamada Guns N’ Roses. Una agrupación increíble, que le sacaba bastante distancia a cualquier otro combo que enarbolara las banderas del glam o el hard rock. A su haber tenían uno de los discos debut más brillantes que jamás se hayan hecho (“Appetite for Destruction”; 1987), uno de los más notables combos de bajo y primera guitarra de los últimos 25 años (Duff McKagan y Slash), y claro, uno de los mejores vocalistas de la historia en Axl Rose. Esa banda se acabó en 1994, cuando grabaron juntos por última vez (una versión de ‘Sympathy for the Devil’ de los Stones), y todo lo que ha ocurrido desde entonces no ha hecho más que prostituir y degradar un legado que hubiera sido intocable. En vez de eso, hubo que esperar más de una década por la mediocridad más cara de la historia: el disco “Chinese Democracy” (2008). Ya basta, por favor. Si no se van a juntar para celebrar el cuarto de siglo su primer álbum cumple el 2012, es hora de que el egomaníaco a cargo termine con la tortura. (Sebastián Amado)

Sepultura

Esta separación pudo tener fecha exacta: 16 de diciembre de 1996. Esa fue la última vez que Sepultura tocó en vivo con su formación dorada, que incluía a Max Cavalera. Y si bien las causas fueron asociadas a asuntos extra musicales, la verdad es que la banda tampoco fue la misma tras la deserción de su vocalista. Los trabajos venideros, con Derrick Green en la voz, nunca pudieron alcanzar los dotes de calidad de discazos como “Beneath The Remains” (1989) y “Chaos A.D.” (1993. Y por si fuera poco, el otro Cavalera, Igor, abandonó el grupo años después. Actualmente, y alejados totalmente de la primera división del metal, Sepultura es un buque comandado por Andreas Kisser que sobrevive sólo por las glorias pasadas, sustentadas en su mayoría por integrantes que hace rato están en otros proyectos. (Jean Parraguez)

U2

Fácilmente podría decirse que U2 es una de esas bandas que no tiene que demostrarle nada a nadie. Algo de razón existe en pensar así. El cuarteto de Dublín tiene obras maestras como “The Joshua Tree” (1987) o “Achtung Baby” (1991), su influencia en músicos actuales está más que comprobada, tienen en The Edge a uno de los guitarristas más talentosos de la historia, llenan estadios en todas sus giras y acumula un largo etcétera de logros. Son, en términos simples, megaestrellas planetarias: los conoce tu mamá, tu vecino y todos tus amigos, hasta los que no escuchan música. Entonces, ¿por qué U2 debe terminar? Porque el mundo necesita echarlos de menos. Porque Bono es un personaje cada vez más insoportable (pobre de él, en todo caso, cualquier persona tan famosa corre peligro de caer en el mismo tipo de complejo mesiánico). Porque ni todos los millones del mundo, ni siquiera la producción de Brian Eno, pueden evitar que los discos del grupo sigan una curva cualitativa descendente. En algún momento tiene que explotar la burbuja. Antes de que eso pase -aunque muchos piensan que ya ocurrió- y de seguir pegando palos de ciego, es preferible bajar el telón con la frente en alto. (Andrés Panes)

SHOULD I STAY OR SHOULD I GO?

(Bandas que no deberían haber vuelto)

Stone Temple Pilots

Alguna vez conocidos como Shirley Temple’s Pussy, estos oriundos de San Diego, California, tuvieron una tremenda carrera en su primera etapa. Aún cuando casi se separon allá por el ‘97 a causa de los problemas de drogas de Scott Weiland (suena familiar, ¿no?), se tomaron el tiempo necesario para volver y continuar hasta el 2003. Cinco muy buenos elepés, un número respetable de singles redondos y otras tantas joyas escondidas. ¿Por qué diablos arruinarlo todo, entonces, con un disco homónimo mediocre, que no puede mirar a la cara a ninguno de sus predecesores? Quizás el regreso hubiera valido la pena si se hubieran tomado un par de años más, los suficientes para que Weiland recuperara su voz y las ideas decentes. Quizás sólo tendrían que haberse juntado para una nostálgica gira mundial y ya. Pero lo cierto es que aquí, frente a los hechos consumados, los hermanos DeLeo deberían haber continuado por su cuenta y dejar que su frontman continuara la teleserie que aún mantiene con Velvet Revolver. (Sebastián Amado)

Bush

Desde el 2002, Gavin Rossdale ha intentado pegarle el palo al gato al medio musical. Primero fue Institute, una banda que jamás pudo alcanzar algún tipo de trascendencia, para luego dar paso a un disco solista, “WANDERlust”, lanzado el 2008, que sólo reafirmó al inglés la idea de reformar a su conjunto más exitoso. El año recién pasado, Bush anunció su regreso, primero con una escueta gira y después con la grabación de su quinta placa, la primera desde “Golden State”, que vio la luz hace dos lustros. Considerando que el cuarteto británico tuvo éxito sólo con su debut (“Sixteen Stone”, de 1994) y que siempre fue visto con recelo por ser catalogado como “oportunista” al aparecer en la debacle del movimiento grunge, posiblemente su semi anonimato no cambie con “The Sea Of Memories”, a editarse próximamente. (Jean Parraguez)

Weezer

Rivers Cuomo encontró la fórmula perfecta para convertir un recuerdo emocionante en un engendro odioso. “Weezer” (1994) y “Pinkerton” (1996), los dos primeros discos del grupo, son obras fascinantes de los ’90; la reivindicación nerd que se venía fraguando desde la aparición de The Feelies. El problema llegó en 2001, después de un paréntesis que hubiera sido el final perfecto, cuando el grupo mostró su falta de creatividad con otro disco homónimo, una carátula que se auto homenajeaba y el regreso del productor del debut, el grandioso Ric Ocasek de The Cars (a quienes acaban de mancillar versionando el clásico ‘You might think’ para la película “Cars 2”); es decir, los mismos recursos con los que acertaron, ahora en servicio del error. Cuesta abajo para Weezer, que desde entonces sólo han hecho sufrir a todos los que nos acordábamos con cariño de ellos, mediante álbumes desoladoramente poco imaginativos y la destrucción metódica de un mito en potencia. Cuatro años de gloria versus una década de prolífica mediocridad. Dos discos brillantes contra siete para el olvido. Era mejor quedarse en casa y dejarse querer. (Andrés Panes)

PLEASE DON’T GO

(Bandas que no deberían haberse disuelto)

Audioslave

En su primer disco sonaban como una banda compuesta por ex integrantes de Rage Against the Machine. En el segundo, como el grupo de quien alguna vez fue la voz de Soundgarden. Pero con “Revelations” (2006), su tercera placa de estudio, pasó algo distinto. Ya no sonaban como unos ni como otros. Ahora eran ellos mismos. Después de cinco años ensayando y tocando en vivo (y sonando como cañón, como demuestra el DVD “Live in Cuba”), Audioslave se había encontrado. Ese cuarto álbum podría haber sido soberbio. Pero no: vino la reunión de los huérfanos de Zack de la Rocha con su vocalista original, mientras Cornell preparaba su segundo esfuerzo solista, “Carry On” (2007). Bajo esas circunstancias, era inevitable. Pero en un mundo ideal, jamás se hubieran separado y hubieran hecho esa obra genial que, quizás, estaban destinados a componer. Y no, no me refiero a “Scream”. (Sebastián Amado)

At The Drive-In

La razón es simple: “Relationship Of Command” (2000) fue un zarpazo que nadie esperaba, un cataclismo sónico que pilló desprevenido a todos por igual. Un tercer disco totalmente libre de toda pretensión se transformó en lo que el mundo necesitaba y esperaba. La atención y expectación que se formó en torno al quinteto de El Paso, Texas fueron las detonantes del cansancio mental que terminó por fundir a At The Drive-In, terminando con su historia en su mejor momento y con la inevitable pregunta posterior: ¿Cómo hubiera sido el siguiente paso?. (Jean Parraguez)

Disco Inferno

Son los protagonistas de una de las grandes injusticias musicales de la historia. Un trío que estaba tan alejado de los preceptos reinantes de su época, en especial del britpop de su tierra natal, que no tuvo otra salida que disolverse sin pena ni gloria. Disco Inferno remó contra la corriente como sólo los verdaderos valientes pueden hacerlo y en esa travesía editaron obras maestras como el EP “Summer’s last song” (1992) o el hermoso disco “D.I. go pop” (1994). Trabajos para reivindicar hasta el cansancio, mientras se llora la desaparición de un proyecto que duró mezquinos seis años: entre 1989 y 1995. Podría haber sido un poco más. (Andrés Panes)

MENCIONES HONROSAS

Proyecto que debería haber seguido: Army of Anyone

¿Quién? Pues la banda de los hermanos DeLeo tras la separación de los Stone Temple Pilots. Duró tres años y tuvo sólo un disco homónimo, pero esa mera placa es razón más que suficiente para demostrar, una vez más, que Robert y Dean tiene una química impagable, en el grupo que sea. Como antes con Weiland y Eric Kretz (y entremedio en ese breve y hermoso proyecto que fue Talk Show), los singles que esboza esta obra son memorables y las joyas escondidas están a la orden del día. Pero, lo más importante de todo: sonaban frescos, relajados, como si se hubieran sacado un gran peso de los hombros. Army of Anyone era un proyecto interesantísimo, que duró cuatro años y murió cuando Richard Patrick, su vocalista, volvió a trabajar con Filter en el 2007. Injusticias de la vida. (Sebastián Amado)

Supergrupo que debería haber seguido: Mad Season

Este supergrupo estaba condenado a morir desde un primer momento. Como una especie de escape de sus proyectos originales, Mad Season se despachó un único trabajo imperdible y desolador. Una conjugación magistral de los mundos de Pearl Jam, Screaming Trees y Alice In Chains que quedó registrado en los diez cortes de “Above”. Con el beneplácito conseguido, el grupo pudo haber continuado, pero la voz de Layne Staley ya no era la misma, y sus constantes problemas con las drogas trabaron sus compromisos, primero con su banda madre, y luego con todo lo que podría venir. Su conclusión es una historia trágicamente conocida. (Jean Parraguez)

Cantautor que debería seguir sacando discos: Bobb Trimble

El tiempo se ha encargado de hacerle justicia a personajes extraños de la música, cuya obra ha sido incomprendida en todos o algunos de sus pasajes (Scott Walker, Nick Drake o Daniel Johnston se vienen a la mente con facilidad), pero Bobb Trimble sigue sin recibir la reivindicación que merece. Tal vez por no haber sido famoso en algún momento, no tener fama de depresivo y suicidarse, ni tampoco estar (lo suficientemente) loco. Pero los dos discos que publicó, artesanalmente y sin sello, lo hacen acreedor de todas las medallas al mérito posibles. Si no me creen, busquen “Iron curtain innocence” (1980) y “Harvest of dreams” (1982). Hablan por sí solos. (Andrés Panes)

¿Cómo puede haber personas que todavía cuestionen si una pareja del mismo sexo puede constituir o no una familia? Nuestra pregunta nace del más básico sentido común y carece de todo fundamento teórico o directriz ideológica. Nadie necesita filiación política para sentir vergüenza ajena ante la ignorancia de los parlamentarios que creen que los gays y lesbianas son subespecies.

Perder tiempo en torno a este supuesto tema de debate planteado por la derecha, que básicamente pone en duda la humanidad de los homosexuales, es darle importancia a un volador de luces que ralentiza al país a propósito; es tomar en cuenta la misma clase de “razonamiento” de los que quieren que veamos la salud o la educación como si fueran privilegios.

Porque la música es lo nuestro y porque reconocemos en la cultura homosexual una importancia que va más allá de George Michael, Elton John o Pet Shop Boys, este mixtape va dedicado a todos los que piensan –tal como nosotros- que el derecho de las personas a contar con garantías para su bienestar es universal y debería estar fuera de cualquier discusión.

LISTA DE CANCIONES

Kitchens of Distinction – ‘Mainly Mornings’
(del disco “Love is Hell” de 1989)

“Está la televisión, la radio, el teléfono / Todo ayuda / Está el auto, el sexo, el amor, el alcohol / Todo ayuda, todo ayuda”, dice el brillante Patrick Fitzgerald en esta canción. Una historia sobre una pareja de hombres, como hace explícito la letra, que pierde su magia por culpa de la rutina, firmada por un trío inglés que nunca se escondió en el clóset. Es más, bajo el nombre de Toilets of Destruction, el grupo solía dar conciertos en los que tocaban -vestidos de drag queens- covers de ABBA y Bowie, entre otros.

Ma Rainey – ‘Prove It On Me’
(1928)

80 años antes de que Katy Perry se hiciera famosa con la inocua ‘I Kissed a Girl’, la bluesera Ma Rainey se aprovechaba de que la industria del disco sufría su primera crisis (por culpa de la radio y las películas con sonido) y necesitaba algo llamativo, para promocionar con bombos y platillos su gusto por las mujeres. Y al contrario de la actual diva pop, las letras de Rainey hablaban desde la verdad y cimentaron el camino de otras cantantes lesbianas, como Alberta Hunter y Gladys Bentley.

Bessie Smith – ‘After You’ve Gone’
(1928)

Tan en serio era el lesbianismo de Ma Rainey, que cuando se fue presa en 1925 -luego de ser encontrada desnuda junto a otras mujeres-, su amiga y amante Bessie Smith pagó la fianza. En 1972, la biografía de Smith escrita por Chris Albertson dedicó un capítulo completo a la bisexualidad de la cantante y a los problemas que le trajo en su matrimonio con Jack Gee, un guardia de seguridad que nunca pudo aceptar que su esposa no sólo estaba interesada en los hombres.

Grizzly Bear – ‘Don’t Ask (Final Fantasy remix)’
(del disco “Horn of Plenty (The Remixes)” de 2005)

La alianza entre un par de iluminados: el guitarrista y cantante Ed Droste (fundador y líder de Grizzly Bear) y el violinista Owen Pallett (ex Final Fantasy, colaborador de Arcade Fire y Beirut, entre otros). Dos de los músicos homosexuales más talentosos de su generación, en una remezcla sobrecogedora que amalgama lo mejor de ambos.

Deerhunter – ‘Revival’
(del disco “Halcyon Digest’ de 2010)

Desde su música hasta su aspecto (producto del Síndrome de Marfan, la misma enfermedad que tenía Joey Ramone), Bradford Cox es uno de esos tipos condenados a ser vistos como algo especial. El líder de Deerhunter y solista bajo el alias Atlas Sound se declara un gay no practicante y virgen y dice que una de sus principales influencias homosexuales es Nirvana, especialmente los vestidos de Cobain y los besos entre sus integrantes (ver 1 y 2).

Mark Eitzel – ‘Ronald Koal Was A Rockstar’
(del disco “Klamath” de 2009)

“Ahora mismo estoy atravesando una crisis con el hip hop. Por un lado hay cosas que me gustan más que nunca: sobre todo el giro que dio Kanye West al género con sus tres primeros álbumes. Por otro lado están los raperos duros. Hay uno joven que creo que se llama Extreme Information o algo así (lo mismo tiene alguna k o una x en medio: ni me acuerdo ni quiero hacerle publicidad). Es un chico de Oakland, un letrista del nivel de Dylan, pero a cada rato tiene que soltar su “que se jodan los homos” y “que se jodan las putas”. Pues no: me da igual que hayas nacido en el gueto, vuelve al gueto y púdrete allí porque yo soy gay y estoy orgulloso”. (Entrevista para Rockdelux, febrero 2009).

Mirah – ‘Promise To Me’
(del disco “C’mon Miracle” de 2004)

Aunque ha optado por enviar mensajes universales en sus composiciones, esta solista de origen judío nunca ha tenido tapujos en reconocer abiertamente su lesbianismo y hacerlo parte de su femineidad. Este año, además, editó una colaboración de ensueño con otras dos mujeres de intachable hoja de vida: “Thao + Mirah”, un álbum firmado junto a Thao Nguyen (la líder de Thao with the Get Down Stay Down), producido por Merrill Garbus de Tune-Yards.

Sophie B. Hawkins – ‘Sweetsexywoman’
(del disco “Wilderness” de 2004)

Esta cantante neoyorquina se hizo célebre a comienzos de los ’90 con ‘Damn I Wish I Was Your Lover’, un single que tenía en su letra la frase “mientras le hago el amor a ella”, que le valió ser reproducido en radios y TV sólo en horario para mayores. La canción también apareció en la serie “Beverly Hills 90210” y fue versionada el año pasado por Black Kids. Al día de hoy, B. Hawkins se autodefine como una mujer omnisexual. Según ella, “mi sexualidad es espiritual. Es creativa. Puedo enamorarme de hombres y mujeres si me gustan su mente, corazón y alma”.

Nöel Coward – ‘Poor Little Rich Girl’
(1925)

Durante su vida, Noel Cöward escondió su homosexualidad, aunque siempre fue un secreto a voces y nunca le impidió transformarse en un personaje connotado. En términos muy breves: fue famoso como actor y compositor, Sir de la Corona Británica, amigo personal de Winston Churchill y ganador del Oscar. En 1998, conmemorando los 25 años de su muerte, fue lanzado un disco tributo a sus canciones con nombres del calibre de Suede, Pet Shop Boys, Damon Albarn y Paul McCartney.

Sal Mineo – ‘Party Time’
(1957)

Mineo se hizo famoso en la película “Rebelde Sin Causa” (1955), protagonizada por James Dean, en la que sus personajes entablaban una relación idealizada, platónica. De hecho, Platón era el nombre del joven interpretado por este actor homosexual que tuvo otros roles gay (llámese “adolescente perturbado y sensible” en la época) y de paso, grabó algunos singles -como ‘Party Time’- en 1957 y un elepé (“Sal”) al año siguiente.

El ex Mecánica Popular nos acompaña en esta octava edición de Sala POTQ en la que, a diferencia de otros capítulos, contamos con la presencia de unos pocos afortunados que pudieron asistir a esta sesión especial.

García, uno de los cantautores contemporáneos más elogiados por la prensa y el público nacional, revisa dos de sus tres producciones, interpretando ‘Hablar de Ti’ (original de Mecánica Popular y reversionada en el debut solista, “Pánico”), ‘Queda Lo Que Quema’ y ‘El Reproche’ (ambas del disco “S/T”).