Domingo 13 de mayo, Teatro Caupolicán
Fotos por Felipe Fontecilla

La nueva visita de Noel Gallagher a suelo chileno, ahora en formato solista, fue sin duda una declaración de principios. A diferencia de lo vivido en el show de Beady Eye, el mayor de los Gallagher y sus High Flying Birds dejaron que las canciones hablaran, con una intimidad que no fue obstáculo para llenar un Teatro Caupolicán que cantó a tope.

El mancuniano entró puntual a las 21 hrs., después de que en los parlantes sonara el remix de Amorphous Androgynous a ‘If I Had a Gun…’ (rebautizada como ‘Shoot a Hole into the Sun’), y con gran sonido dio rienda suelta al show que lo devolvió a los escenarios. Hay quienes creen que todo es una demostración, una prueba, un cachetazo a su hermano, pero definitivamente lo de Noel es otra cosa. Algo interno, subterráneo y emocional, y la característica melodía de su voz es un detalle que todo seguidor de su antiguo proyecto sabe apreciar.

El tracklist fue el mismo con el que ha girado por todo el mundo, mezclando su debut solista con lados B y canciones inolvidables de su banda madre. Comenzó tranquilo con ‘(It’s Good) To Be Free, y luego siguió con la potente ‘Mucky Fingers’, ambos temas de Oasis. Luego el protagonista fue el disco homónimo de los High Flying Birds, con músicos preocupados de los arreglos y cuidadosos de los momentos (a pesar de que Jeremy Stacey, el baterista, ahoga un poco el sonido), con Noel como director de orquesta. Los teclados del rescatado Mike Rowe son un plus de su presentación en vivo, y toman un protagonismo que nunca tuvieron en aquel grupo de Manchester.

Pero más adelante, su interpretación de ‘Supersonic’ casi solo en el escenario fue un gran guiño a la gira “Stop the Clocks”, donde repasaba la historia de Oasis en plan semiacústico. Algo que hizo resaltar más la genialidad de Noel Gallagher dentro de un nuevo formato que lo muestra tenso, aunque nunca se ha esperado algo distinto de la arrogancia mancuniana.

Pese a ello, el concierto de anoche tuvo muchos y grandes momentos: ‘Everybody’s on the Run’, ‘Dream On’, ‘If I Had a Gun…’, ‘AKA… What a Life!’ (dedicada a los fans del Manchester City), ‘Talk Tonight’ y ‘Half the World Away’. Mención aparte merece el impresionante cierre con la rescatada ‘Little by Little’ y ‘Don’t Look Back in Anger’, con un Teatro Caupolicán ya completamente entregado. La tarea de encantar al público fue ardua para Gallagher, pero lo logró y salió con honores. Esta nueva aventura, aunque se predice corta, lo ha volcado a una situación que le es incómoda, pero al mismo tiempo gratificante. No es un rockero, pero dejó que las canciones hablaran sin artilugios y conectó con el público sin arrugarse. Salud por The Chief.

SETLIST

1. ‘(It’s Good) To Be Free’ (Oasis cover)
2. ‘Mucky Fingers’ (Oasis cover)
3. ‘Everybody’s on the Run’
4. ‘Dream On’
5. ‘If I Had a Gun…’
6. ‘The Good Rebel’
7. ‘The Death of You and Me’
8. ‘Freaky Teeth’
9. ‘Supersonic’ (Oasis cover)
10. ‘(I Wanna Live in a Dream in My) Record Machine’
11. ‘AKA… What a Life!’
12. ‘Talk Tonight’ (Oasis cover)
13. ‘Soldier Boys and Jesus Freaks’
14. ‘AKA… Broken Arrow’
15. ‘Half the World Away’ (Oasis cover)
16. ‘(Stranded On) The Wrong Beach’

Encore
17. ‘Let the Lord Shine a Light on Me’
18. ‘Whatever’ (Oasis cover)
19. ‘Little by Little’ (Oasis cover)
20. ‘Don’t Look Back in Anger’ (Oasis cover)

Jueves 3 de mayo, Teatro Caupolicán
Fotos por Felipe Fontecilla

Lo que el show de anoche en el Teatro Caupolicán prometía de antemano era simple, pero interesante: dos dúos europeos, dos formas de hacer beats, dos actitudes, dos sonidos diferentes pero que comparten el sagrado lenguaje del baile. Eso es lo que la dupla francesa Justice y el binomio germano Modeselektor vinieron a hacer a Chile: ni más ni menos que hacer bailar. Con toda la simpleza, clichés y mística que eso implica.

La muchedumbre que colmó el recinto llegó atraída sobre todo por la marca ultra probada de los galos, quienes arribaban -por segunda vez- a Chile con un live act y promocionando su último disco, “Audio, Video, Disco”. Al mismo tiempo, una ilustre minoría estaba ahí para presenciar a los oriundos de Berlín, uno de los actos electrónicos más versátiles y cojonudos del último tiempo, lejos de las luces y la exposición, pero creadores de un álbum perfecto como “Monkeytown”, editado a mediados de 2011.

Precisamente ellos abrieron los fuegos. Una hora y media tuvieron Gernot Bronsert y Sebastian Szary para desplegar un show que desbordó groove, bajos gordos, beats asesinos y un combo nutritivo de diversos sonidos actuales. Y es que lo de Modeselektor suena bien porque es contemporáneo, inteligente y entretenido. Acompañados de las notables visuales -y del mismo VJ- que usaron en Coachella 2012, los teutones se instalaron con una actitud y un look de bigotes y sombreros caricaturescos transmitiendo algo grotesco e indecente, pero demasiado bien hecho como para no comprarlo. Dubstep, hip-hop y electro son sólo algunos códigos que el dueto manejó a la hora de plantarse frente a las masas danzantes, mientras se dieron tiempo para sacar fotografías, descorchar una botella de champaña y, en medio del frenesí de beats, rociarlo como lluvia desenfrenada sobre los cuerpos extasiados de la audiencia.

Sonaron algunos cortes de “Monkeytown” (‘German Clap’, ‘Evil Twin’, ‘Berlin’), más algo de sus discos anteriores (‘Let your Love Grow’). Y mientras el tiempo en la pista de baile se consumió demasiado rápido, fue posible notar que ningún track era igual al anterior, ningún beat se oía igual al siguiente y el sonido de estos peces gordos era exquisito en su variedad de sampleos, voces y ritmos capaces de mantener arriba a la audiencia todo el tiempo. Sin ser facilistas ni gratuitos en su ofrenda, sino todo lo contrario: derrochando calidad y estilo. Disfrazaron el rap con acidez rave, camuflaron el techno violento con rítmicas tribales y primitivas, se pasearon por tendencias con una soltura y habilidad irresistibles y, cuando todo estaba en su mejor momento, ya era hora de partir. Su show pareció durar 15 minutos. Ese eclectisismo desgringado, sarcástico y desafiante que siempre ha tenido Alemania en su música, se personificó con excelencia en Modeselektor: los nuevos y putos amos de la fiesta.

Lo de Gaspard Auge y Xavier De Rosnay comenzó varios minutos más tarde, luego de intercambiar aparatosas e imponentes escenografías. Algo cargado de fetichismo y morbo, pero carente de mayor sorpresa. Todos (fanáticos y escépticos por igual) querían ver esa cruz enorme y brillante, entronada como un nuevo ícono eclesiástico en la iglesia de las masas actuales: la disco. Y quizás en eso radicaba la potencia y simbolismo de ver a Justice en vivo. En su propuesta, su maquillaje, su concepto y todo lo que rodea a la música.

Esta vez tocando en vivo e intercalando sencillos de su disco debut (‘D.A.N.C.E.’, ‘Genesis’, ‘Phantom’), en esa clave más sucia y agresiva de sus primeros años, con el electro pop light y el glam sintetizado de su última placa (‘Civilization’, ‘Audio, Video, Disco’), los parisinos hicieron el trabajo fácil y efectivo que tanto manejan. Los fans alzaron sus brazos y cámaras digitales en el atochamiento masivo de la pista, mientras los ritmos incesantes vomitaban tintes discos, guitarras hair metal, sintetizadores añejos y beats de millones de dólares, logrando su noble y claro cometido. Y luego de una tensa pausa de tres minutos en que los tipos quedaron congelados con sus puños en alto, pausados por un control remoto invisible y luego liberados en un sorpresivo beat robótico, algo quedó claro. Tras bailar frente a un símbolo religioso universal que brillaba como un holograma, frente a decenas de pantallas que asemejaban pequeños televisores hipnóticos, era posible entender el fenómeno.

Lo de Justice es un ejemplo de los tiempos modernos en la música: el culto a la imagen, la devoción por lo visual, la artificialidad, lo directo y lo sencillo. La universalidad en su máxima expresión. Algo que todos pueden apreciar, algo con lo que todos pueden identificarse. Basta detenerse en los nombres de sus canciones, en aquella cruz, en el mismo concepto que le da nombre al dúo. Son todos símbolos y bastiones de lo global. Ver a los galos a ratos era como ver TV o ir al cine: una experiencia de sobreproducción, un show que intenta chuparte los sentidos para que sólo bailes y no pienses en nada. Algo predecible, pero no por eso menos efectivo. Sus melodías tienen mucho que ver con los tiempos actuales y, en vivo, adquieren mayor significado. Una experiencia intensa y encandilante de baile fácil de artificio, algo tan sencillo que, después de vivirlo y pensarlo, se vuelve mucho más complejo de lo que parece.

Sábado 28 de abril, Teatro Teletón
Foto por Felipe Fontecilla

Este sábado en la noche, cuando faltaban diez minutos para las 22 horas, Jules De Martino y Katie White iniciaron su primer concierto en Chile con ‘Silence’, track que abre “Sounds from Nowheresville” (2012), su segundo disco. Luego de comenzar el show, la cantante se dirigió al público leyendo un papel que decía: “Mi español es una mierda, así que la voy a hacer corta. Vamos a bailar”. Y puede ser que esta afirmación haya sido la tónica de la hora de concierto de The Ting Tings en el Teatro Teletón. Para bien y para mal.

Punteos de guitarra envasados mientras White tocaba un solo riff o una batería que nunca logró ensamblarse con las bases que usa el dúo son sólo algunos de los detalles que desinflaron cualquier ápice de éxito. Sobre el escenario quedó en evidencia la falta de capacidad instrumental de la vocalista, aunque le sobraban ganas de impulsar el show en todo momento. Por su parte, en ‘We Walk’ De Martino dejó bastante claro que Jack White hay uno solo, y que requiere de más horas de vuelo para poder llevar con maestría voz, guitarra y batería en una canción.

Cuando llegó la hora de oír ‘Shut Up and Let Me Go’, esa línea de bajo pegajosa que se puede escuchar en el álbum brilló por su ausencia, en vivo y en el acompañamiento envasado. En medio del tema, Jules le preguntó al público si querían escuchar a Katie tocando el bombo, a lo que las tres primeras filas respondieron entusiastas. Y mientras la cantante hizo lo suyo con el instrumento, por los parlantes se escuchaban las pulsaciones pregrabadas cuando ella no golpeaba.

La promesa de baile seguía en pie, y para conseguirlo los británicos recurrieron a una versión de ‘Hands’ que transportó al teatro y a sus asistentes a Sensation White, con sonidos reventados y sobrepuestos al punto de lo grotesco, invocando el peor lado de David Guetta. Eso terminó el bloque principal del espectáculo, que fue seguido con un encore de dos canciones: ‘Keep Your Head’ y ‘That’s Not My Name’. Un caballo de batalla con el que podrían haber compensado todos sus fallos en la memoria del público, pero que no dio la talla y resultó deslavado y plano.

Quizás, si The Ting Tings hubiesen cruzado la cordillera cuando se presentaron en Argentina en noviembre del 2009, otro hubiese sido el panorama. Un lugar distinto, más público. Incluso todos aquellos que ahora reniegan de haber pinchado los singles de “We Started Nothing” (2008) en sus fiestas habrían dicho presente. Quizás, hace más de dos años, este espectáculo hubiera tenido el fulgor y el brillo de una verdadera fiesta. Pero en esta oportunidad no hubo adornos que pudieran ocultar las deficiencias de una banda que prometió un ambiente festivo que, al final, sólo sintieron las primeras tres corridas de fanáticos.

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Miércoles 18 de abril, Teatro Caupolicán
Foto por Nicol Vásquez

Era la segunda noche para Steven Wilson en nuestro país. Los comentarios de un show perfecto y emocionante habían llegado a oídos de muchos. No se equivocaban. Lo que se logró sentir y vivir ayer en el recinto de San Diego fue parecido a poder viajar entre las fibras de una tela muy fina, dejarse llevar y entender claramente cada uno de los nexos que unen la amalgama de sonidos, cada una de formas que la componen.

Es lo que logra el fundador de Porcupine Tree. Con toques elegantes de genialidad ha conseguido que su trabajo como solista, con las placas “Insurgentes” y “Grace for Drowning” lo lleven al punto más alto de su arte, considerando la gran cantidad de excelentes proyectos en los que ha participado. Esta mirada en solitario tiene una introspección especial. Es él, descalzo sobre el escenario, tal como en su infancia, como siempre. Pero proyectando lo que él desea, dirigiendo a cada uno de sus músicos con un desplante y puesta en escena interesantísimos.

La mística fue evocada desde el primer minuto con un telón semitransparente que proyectaba visuales sobre la banda, dejando entrever que lo más importantes no son ellos, sino la furia y distinción con la que logran emitir melodías. Y esto se consiguió gracias a un grupo excepcional de intérpretes. Como el mismo Wilson declaró terminado su show, “son tan buenos como alguna vez hubiese querido ser yo”. Una posibilidad abierta, pero que no negaba la genialidad de un tipo que desde pequeño logró consumir al mismo tiempo “The Dark Side of the Moon” de Pink Floyd y “Love To Love You Baby” de Donna Summer.

Fue recién en el cuarto tema de la tanda, con la espectacular densidad de ‘Sectarian’, cuando el telón cayó, creando conexión al fin entre banda y audiencia. Todo para que Wilson se encontrara con un público demasiado entusiasta, más de lo que parecía estar acostumbrado. Los gritos que no lo dejaban hablar y las comparaciones de los vítores locales con fútbol no se dejaron esperar por parte del inglés.

Así fueron cayendo ‘Remainder the Black Dog’, llena de quiebres y cambios espectaculares; la tremenda ‘Harmony Korine’ y, ya casi terminando (gracias al esfuerzo del vocalista por silenciar a los fanáticos), la extensa ‘Raider II’, un viaje épico de poco más de 20 minutos que dejó a todos boquiabiertos por convertirse en una montaña rusa de rock progresivo.

Pasado esto llegó el ocaso de la jornada, que trajo máscaras incluidas y ‘Get All You Deserve’, un tema increíble, pero que serviría sólo como entrada para lo que todos esperaban. Los asistentes ya estaban informados: al final del concierto podrían escuchar a Wilson invocar a su banda de origen. Así llegaron ‘Lazarus’ y ‘Trains’, los regalos correspondientes que llenaron el corazón de los seguidores de Porcupine Tree. Era el vocalista, el músico arriba del escenario con su guitarra, entregando a través de dos de sus creaciones más simples una muestra que para ser genio se deben manejar al mismo tiempo las artes de la mente y las del corazón.

SETLIST

1. No Twilight Within the Courts of the Sun
2. Index
3. Deform to Form a Star
4. Sectarian
5. Postcard
6. Remainder the Black Dog
7. Harmony Korine
8. Abandoner
9. Veneno para las Hadas
10. Luminol
11. No Part of Me
12. Raider II

Encore
13. Get All You Deserve

Encore 2
14. Lazarus (original de Porcupine Tree)
15. Trains (original de Porcupine Tree)

Kurt Vile & The Violators y Thurston Moore

Aparte de temas propios, Kurt Vile toca ‘Downbound Train’ de Bruce Springsteen en su set junto a The Violators, la banda que lo acompaña en vivo y cuyo nombre parece un tributo a viejos estandartes punk como The Vibrators o The Dictators. Tras el aplaudido show del melenudo de Filadelfia, los técnicos montan el aparataje para el plato fuerte de la noche: Thurston Moore. Cuando el (¿ex?) guitarrista de Sonic Youth ya está en lo suyo, Vile aparece nuevamente, ahora como parte de la audiencia; mira embelesado a uno de sus mentores, y ante la escasez de sillas (el Teatro Oriente se llenó), no tiene problema en sentarse en el pasillo.

Moore cuenta que está resfriado, pero nadie podría adivinarlo (excepto cuando, avanzado el concierto y en un gesto que lo acerca al resto de los mortales, busca un pañuelo en su chaqueta para sonarse la nariz). El tipo es de otro mundo. Cualquiera que escuche el muy acústico “Demolished Thoughts”, su último disco solista, podría haber pensado que cargar con 53 años le bajó las revoluciones y el show sería show quitado de bulla. Error. La tentación de hacer ruido es demasiado para él. Y así es como desenvaina un cover ‘It’s Only Rock ‘n Roll (But I Like It)’ de los Stones, desciende al público a gritarles en la cara que le gusta el rocanrol y después termina tumbado en la tarima, mientras los más entusiasmados se acercan, lo fotografían e incluso se animan a tocar su guitarra. Hermoso.

En uno de los tiempos muertos entre tema y tema, el estadounidense le dedica ‘Fri/End’ a Felipe Orrego, uno de los primeros miembros del mítico grupo nacional Los Blops, y revive la historia de la banda que el ex músico (y actual productor televisivo) armó con Kim Gordon antes de Sonic Youth (más info al respecto acá). Para el bronce, la mejor frase de la noche: “Hay que reescribir los libros, Sonic Youth es una extensión de la música sicodélica chilena”. Un homenaje al legado criollo, pero también un llamado a escarbar en el catálogo patrio de los 60 y 70, material esquivo que hasta ahora sólo es valorado como corresponde por coleccionistas como el propio Moore (que también habló sobre comprar discos antes de ‘Never Day’).

Ningún tributo, eso sí, fue más dignificante que lo mostrado por el aprendiz y el discípulo, en sus respectivos turnos, a la hora de defender en vivo las canciones de su autoría. El primero, Kurt Vile, justificó en ‘On Tour’, ‘Freak Train’ y ‘Peeping Tomboy’ (interpretada en solitario, con luz tenue y varios murmurando la letra) por qué cuenta con la simpatía de Pitchfork y todos los que vienen a la cola; además de manejar a placer las seis cuerdas, transmite una calidez excepcional escondido detrás de su pelo y remite sonoramente a leyendas desde Townes Van Zandt hasta Lou Reed. En tanto, Thurston Moore apostó por inquietar, proponer y sacudirse de encima cualquier posible halo de figura nostálgica o acomodadiza. Los únicos que se amoldaron a la situación fueron los miembros de ambas bandas de apoyo, diestras las dos en pasar -a veces en cosa de segundos- de lo extático a lo contemplativo según hiciera falta. En ningún caso, la función doble de Vile y Moore se trató de una cumbre entre el pasado y el futuro. Todo ocurrió en el mejor de los presentes: ése que se vive como si no hubiera mañana.

Ana Tijoux en vivo, Matucana 100, jueves 12 de abril
Foto cortesía de Evolución Producciones

“Desde el principio hasta acá sólo he pensao’ una cosa: hacerlo bien”, rapeaba con acento español Frank-T a comienzos de la década pasada. La ciencia musical de Ana Tijoux comparte dogma con su colega MC. Si en “Vida Salvaje”, ese caset que le anunció al mundo la existencia de Makiza, era la que descollaba por su voz y su forma de rimar, 14 años después la nacida en Francia sigue con ventaja sobre el resto de sus pares. Como solista, está encaramada en una categoría propia, la de reina madre del rap chileno y, hasta donde tenemos noticia, latinoamericano.

Matucana 100 se llenó con un público heterogéneo, que tradujo en asistencia la llegada transversal de Tijoux y sus canciones. Un catálogo que, en vivo, cobró forma de delicatessen sazonada de soul. No sólo los temas del reciente “La Bala”, el disco que convocó la velada, fueron montados con banda completa (incluyendo cuerdas y vientos), sino que también el boom bap de “1977” se vistió con los mismos ropajes, al punto de que la otrora inquietante ‘Crisis de un MC’ quedó convertida en una pieza tropical que cita versos de Solo Di Medina. Por extraña que parezca semejante idea sobre el papel, ese nuevo arreglo no falló, y la misma suerte corrió el resto de las versiones remozadas.

Justicia se le hizo a la ambiciosa producción de “La Bala”, cuyo responsable (Andrés Celis) actuó como teclista, gracias a una banda en la que merece comentario aparte el batero Maximiliano Reyes, lo más parecido que se ha visto en Chile a Questlove de The Roots. ‘Sacar la voz’, ‘Quizás’ y ‘Shock’ complementaron un setlist que brilló especialmente cuando las verdades salieron a relucir: ‘Las cosas por su nombre’ (un dardo con cerbatana apuntado al Ministerio de Cultura y su falta de visión), ‘En paro’ (el certero single de Makiza) y ‘Desclasificado’ (“la plaga no son los flaites, son los cuicos”, dijo la solista al presentarla). Urge que grupos que hacen hip hop político y descuidan la musicalidad –es decir, la mayoría- aprendan de Ana Tijoux, una observadora social que le saca filo a su lengua, pero jamás descuida la belleza de las formas sonoras. Después de este concierto, cuesta creer que durante tantos años usáramos un diminutivo para referirnos a ella.

Domingo, 20:30. Claro/LG Stage

Uno de los puntos altos del primer día de Lollapalooza fue la impecable calidad del sonido en todos sus escenarios. Sin embargo, el viejo vicio de los problemas de audio en eventos de convocatoria masiva encontró la forma de volver en gloria y majestad, nada menos que con el último cabeza de cartel del festival. Al final, la experiencia de ver en vivo a Foo Fighters fue de dulce o de agraz dependiendo en buena parte de la ubicación en que se encontraba el espectador.

De las cerca de 50 mil almas que se quedaron hasta el final de la jornada del domingo, la mitad que estaba más lejos del escenario se tuvo que conformar por largos pasajes con un volumen insuficiente y saturaciones surtidas. Y, en simultáneo, aquellos que estaban más cerca vivieron una fiesta de principio a fin, logrando una compenetración raras veces vista entre público y artista en nuestro país. Fueron ellos, sus saltos constantes, sus gritos incesantes (e inéditos, en un par de ocasiones) los que llevaron a Dave Grohl y el resto de la banda a mostrar genuina sorpresa y agradecimiento, en una primera impresión que superó cualquier expectativa que trajeran.

Pero, más allá de un setlist que no dejó disco sin tocar e incluyó tributos a Pink Floyd, The Who y Joan Jett (más una mención a Queens of the Stone Age), es inevitable comparar percepciones y ver cómo este concierto de más de dos horas y media dejó recuerdos duales. Para aquellos que estuvieron ahí, en medio de esa masa que nunca dio tregua a su entusiasmo, fue una experiencia inolvidable. El problema es que esa experiencia debía ser compartida, generalizada. No fue así, y muchos se fueron decepcionados. El debut de Foo Fighters en Chile podría haber sido glorioso. En cambio, está condenado a generar opiniones divididas en los meses y años por venir.

Domingo, 19:30, Perry’s Stage
Foto por Felipe Fontecilla

Desentendiéndose de la enfermiza puntualidad de todos los shows, y faltando 7 minutos para la hora de inicio pactada, los habitantes del Movistar Arena empezaron a pifiar nerviosamente. Mucha ansiedad y expectación se generó en torno a la presentación del norteamericano, quien aún no logra descartar del todo la chapa de fenómeno mediático, en contraposición a los que afirman en el estilo que cultiva la renovación más profunda producida en la música de baile durante los últimos años.

En realidad no existen aún después del show mayores antecedentes como para afirmar lo uno o descartar lo otro; lo que si resulta innegable es la potencia del set de Skrillex y su capacidad gutural de organizar el ruido y disponerlo de manera punzante hacia el oyente, deconstruyendo y metalizando piezas originales por medio del perilleo inmoderado, maquinal e intrusivo. Claro, el fin último es bailar, pero nadie nunca dijo que sería algo agradable.

Domingo, 19:30, Huntcha Stage
Foto por Ignacio Orrego para Fotorock

Lo pequeño del Huntcha Stage esta vez jugaba a favor: la intimidad le viene bien a la música de Jiminelson. La banda, que en escena presentó trompetas y un par de guitarras más a su ya tradicional formación, tocó para un público que, dadas las circunstancias, no era muy numeroso, pero sí fiel.

Con temas de sus discos editados a la fecha, más algunos del venidero “Supreme”, los liderados por Gustavo León supieron sacar adelante un show que tuvo como principal protagonista esa tan particular fusión que hacen del blues, soul y ritmos más duros. Todo complementado, además, por la actitud de los músicos, con esa arrogancia tan propia de las figuras del rock.

Pocas palabras y muchas canciones; Jiminelson logró hacer que a todos los que estaban en su show se les olvidará, aunque fuese por un momento, lo que venía después.

Domingo, 19:15, Alternative Stage
Foto por María Virginia Parra

Peaches es un mundo de posibilidades. La performance de la canadiense combina el erotismo y la teatralidad en un pack que incluye vestimentas estrafalarias, jugarretas varias sobre la tornamesa, visuales que van de colores chillones a porno y dos bailarinas que la acompañan ocasionalmente.

¿Qué se puede pensar de todos estos elementos? ¿Son excesivos para un espacio tan pequeño como el Alternative Stage? Tal vez. Lo que no se pone en duda es que el espectáculo que brinda Peaches logra provocar a la audiencia con un derroche de carisma, donde cada acción de la cantante y su reducido staff confluye en un llamativo caos que fascina a sus devotos (los que saltaron pegados a la reja hasta el último momento) y que sorprende a quienes se enfrentan por primera vez a su frenética propuesta.

Domingo, 19:00, Coca Cola Stage
Foto por Darío Contreras

Lo que queda claro después de ver a MGMT es que la banda es amada por sus fans, pero un tanto incomprendida -o ignorada- por la masa en general. Tocando frente a una gran porción de los presentes en Lollapalooza, el pop sensible, sofisticado y lisérgico de los oriundos de Connecticut parecía estar, a ratos, en el contexto equivocado.

En un escenario a esas alturas acostumbrado a números intensos (Gogol Bordello) o masivos (Arctic Monkeys), la propuesta del recatado Andrew VanWyngarden y compañía fue más sosegada y compleja de lo que el público sediento de baile esperaba.

Con la notable excepción de hits efectistas como ‘Kids’ y ‘Time To Pretend’, las melodías experimentales y los ritmos poco convencionales parecían ser disfrutados sólo por los familiarizados con la banda, y sonaban apagados para los que esperaban una experiencia más activa.

Aunque no sea una banda para el escenario principal de un festival multitudinario, lo de MGMT fue una actuación fiel a su creativo y auténtico estilo. Mezclando singles pasivos y neo sicodélicos como ‘Congratulations’ y ‘Siberian Breaks’, junto a himnos indie como ‘Electric Feel’ y ‘The Youth’, lo de los norteamericanos fue una dosis extravagante de sonidos que no necesariamente se impregnan de inmediato ni tan fácilmente como sucede con otros grupos. Es por eso que los más felices luego de una hora y media de show, mientras la noche ya caía sobre el Parque O’Higgins, fueron sin duda los fans más fieles.

Domingo, 18:00, Huntcha Stage
Foto por Felipe Fontecilla

Fernando Milagros ofreció un show simplemente redondo, con un setlist que en gran parte recogió lo más selecto de “San Sebastián” (2011) y un manejo escénico sin mayores aspavientos, pero cálido y acogedor hacia los presentes.

El solista aportó uno de los momentos con más carga política de la jornada cuando aludió -indirectamente- al caso de Daniel Zamudio llamando a trocar el concepto de “tolerancia” (según él, un concepto “de fachos”) por el de “aceptación” a la diferencia. Con esas palabras, que se suman a lo que su música comunica por sí sola, Milagros hizo notar que sabía cómo aprovechar los 45 minutos que tenía asignados y pasó la prueba más que airoso, llevándose la ovación del público que repletó el Huntcha Stage y las cientos de voces que corearon ‘Reina Japonesa’ y ‘Carnaval’, por lejos las canciones más aclamadas de su repertorio.

Milagros supo aprovechar como pocos su presentación, logrando una especial comunión con los asistentes y una calidad interpretativa impecable, que nos viene a recordar una vez más que no estamos frente a un novato.

Domingo, 17:45, Kidzapalooza
Foto por Darío Contreras

La primera impresión lo decía todo: Kidzapalooza estaba lleno a más no poder con personas que, en su mayoría, fueron niños hace ya algunas décadas.

Es que el fenómeno provocado por la serie infantil 31 Minutos siempre fue llamativo, pero el culto que ha crecido con los años y la posibilidad de poder verlos en vivo hacían crecer las expectativas.

Tras los títeres, una banda compuesta por los hermanos Ilabaca (guitarra y bajo), Camilo Salinas (teclados) y Pedropiedra (batería), más Pedro Peirano y Álvaro Díaz en voces, daba vida a un puñado de las más recordadas canciones del programa, coreadas por todos los asistentes al ‘Tuliopalooza’.

Entre temas, los personajes iban desarrollando una entretenida historia que hacía reír a los más pequeños. Es que 31 Minutos en sí es eso; un verdadero festival en el que tanto grandes como chicos pueden disfrutar.

Domingo, 17:45, Claro/LG Stage

Una leyenda llegó a imponer rock a la tarde del Parque O’Higgins cuando Joan Jett subió a escena acompañada por The Blackhearts, ante la expectación generalizada de miles de personas. Los avezados, esperando ver qué recovecos de su discografía mostraría en vivo. Los fans casuales, ansiosos por los singles más conocidos. Aquellos que no la conocían (de nombre, al menos), curiosos por saber de qué iba el asunto. Y todos saltando al unísono con el comienzo de ‘Bad Reputation’.

Fue poco más de una hora de un show con altos y bajos. Tal vez no fue la mejor decisión mostrar tres temas nuevos en medio del set (‘T.M.I.’, ‘Hard To Grow Up’ y ‘Reality Mentality’) ante un público al que era necesario enganchar entre medio de los hits que más estaban esperando: ‘Cherry Bomb’, ‘I Hate Myself for Loving You’ y, por supuesto, ‘I Love Rock and Roll’. Falto de dinamismo a rato, pero siempre con actitud, lo de Jett y compañía fue una correcta exhibición de rocanrol a la que no le alcanzó para ser la clase magistral que algunos esperaban.

Domingo, 17:30, Alternative Stage

El escenario les quedó chico a los Illya Kuryaki and the Valderramas. La explanada del Parque O’Higgins era el lugar, merecían un tablado más grande. Consideremos la expectación generada tras el anuncio de reunión de la dupla Spinetta-Horvilleur y la explicación se da por sí sola. Para muchos se trató de la reconciliación con un repertorio que hizo mella en el público local hace un buen puñado de años, y que recién ahora tuvieron la oportunidad de presenciar. Por lo mismo, la propuesta no podía ser otra que la de un frontón de éxitos, a prueba de festivales, un despliegue de sus más nobles cartas reinterpretadas con soltura y precisión.

A excepción de ‘Abismo’ nadie acusó la falta de algo significante. El resto es puro funk, sudor y excesos de estilo (‘Coolo’, ‘Latin Geisha’, ‘Chaco’, ‘Jugo’). Un tanto deslavado resultó, eso sí, el final de la presentación a cargo de ‘Abarajame’ en la que el Cypress Hill Eric Bobo colaboró en percusiones. Faltó más furia shaolin y sobraron bongós, detalle menor en todo caso, al lado de todo lo visto.

Domingo, 16:30, Huntcha Stage

Con dos EPs en su historial, We Are The Grand llegaba a Lollapalooza como una de las bandas más jóvenes del cartel. Esto quedó de manifiesto, en primera instancia, al observar al público que los fue a ver, quienes, en su mayoría, no pasaban la mayoría de edad.

Pero algo de eso también hubo en la música: la banda que hoy vive entre Chile e Inglaterra montó un excelente show, con una potente base rítmica y un buen sonido en vivo. Sin embargo, algunos contratiempos –sobre todo en la sincronía de las percusiones- evidenciaron a un grupo que, si bien tiene un rumbo y una propuesta clara e interesante, aún le falta por acoplar.

Más allá de eso, la de We Are The Grand fue una presentación enérgica y contundente que llegó a coronar el crecimiento que ha experimentado la banda en el último tiempo. Un fruto en maduración que más temprano que tarde va a sorprender.

Domingo, 16:30, Coca Cola Stage
Foto por Felipe Fontecilla

Uno de los principales méritos de TV on the Radio está en su capacidad convocante. Los neoyorquinos no eran los más esperados y mucho menos los más conocidos del cartel de este Lollapalooza, pero su repertorio consiguió encantar y entretener tanto a fans como a quienes se acercaron al Coca Cola Stage a curiosear.

TV On The Radio es un buen ejemplo para demostrar que una banda no necesita tener un setlist archiconocido para ser bien recibida por la gente. Al parecer, así se explica la excelente recepción de la que gozaron los músicos, quienes con un grato desplante no escatimaron recursos sonoros para hacer un recorrido por su discografía. Los efectos electrónicos, bronces y las voces se erigen como los elementos más destacables de este show, que dejó a quienes lo vieron con la agradable sensación de haber hecho un importante hallazgo. Después de todo, en ningún lugar dice que hay que llegar a Lollapalooza sabiéndolo todo; también se trata de conocer y aprender.

Domingo, 15:30, Claro/LG Stage
Foto por Felipe Fontecilla

La buena reputación que precedía a Band of Horses se vio ampliamente confirmada en su exitoso paso por Lollapalooza. Fue un show categórico, limpio, sencillo en su plenitud: todo elemento en su lugar y nada fuera de borde. Un despliegue pornográfico de guitarras de diversos tipos y órdenes iba alternando el tinte de cada una de sus canciones.

‘The Great Salt Lake’ fue el primer tema en que el público demostró predilección. Siguieron ‘Weed Party’ e ‘Is There a Ghost’, altura en la cual la ligazón del quinteto hacía lucir todo dispuesto e infalible. Entre cada canción no hubo reparos en perder largos segundos en afinar sus instrumentos y conversar entre sí –toda una declaración de principios- haciendo entender que las verdaderas protagonistas del show eran las canciones, sin desmedidas ni floreos adicionales. De sobra está decir que al son de ‘The Funeral’ se construyó una de las postales más entrañables de este festival en su versión 2012. Calidad y calidez sureña al servicio de las masas de estadio.

Domingo, 14:30, Coca Cola Stage
Foto por Darío Contreras

A la hora de más calor en el Coca Cola Stage, los británicos Friendly Fires salieron a escena como una de las bandas de moda en el circuito del indie electrónico, y con la misión de prender el ambiente del domingo. La muchedumbre que se apostó para verlos pudo bailar y sonreír con la elegante, y a la vez energética, performance del grupo.

Los ritmos synth pop, la estética indie matizada de reminiscencias ochenteras, además de una ornamentación instrumental interesante, fueron una fórmula efectiva para entretener y brindar un espectáculo del gusto de la mayoría. Sonaron cortes de su celebrado álbum homónimo de 2008, como ‘Paris’ y ‘Jump in the Pool’, y otros de su último trabajo del año pasado, “Pala”. Friendly Fires terminó siendo una acertada apuesta para una tarde de verano con mucha gente con ganas de pasarlo bien.

Domingo, 13:30, Claro/LG Stage
Foto por Darío Contreras

El calor inmisericorde del primero de abril no fue obstáculo para que Foster the People debutara en Chile ante un sorpresivo marco de público dada la hora y el clima. Más de diez mil personas estaban con la vista fija en el escenario, no por curiosidad o coincidencia. Todo era a propósito. Su presencia, los colores chillones, la pintura fluorescente, las pelucas estruendosas. Sabían a lo que iban. Saltaron, cantaron, bailaron durante la hora entera que duró el show. Una audiencia impecable por sesenta minutos de corrido.

El problema estaba en los que tenían los instrumentos.

Los norteamericanos hicieron gala de su falta de oficio en escenarios grandes al entregar una serie de interpretaciones que se pasearon entre lo aceptable, lo mediocre y lo vergonzoso. “Torches”, presentado en su totalidad en vivo, tiene un puñado de muy buenos hits que sus autores se encargaron de destrozar sistemáticamente, con las honrosas excepciones de ‘Houdini’ y ‘Helena Beats’. No era un problema de actitud ni de ganas: era un asunto de aplicación. Tal vez la poca experiencia. Pero más allá de la onda y de una multitud danzante que casi se celebraba a sí misma, Foster the People fue, en lo estrictamente musical, una inmensa decepción.