Desde que comenzaron, han ganado una inmensa reputación como banda, tanto sus discos como en vivo. Eso no es fácil, y es en extremo admirable. ¿Cómo se sienten al respecto y también sobre el hecho de que, aún cuando no suelen ser cabezas de cartel, son una gran sensación y hay mucha gente esperando verlos?

Ben (Bridwell, voz y guitarra): Bueno, venir acá ya es un sueño hecho realidad. De hecho, a la mayor parte de los lugares a los que hemos ido nunca hubiéramos llegado sin Band of Horses. Cuando estaba friendo huevos y lavando platos, no tenía muchas posibilidades de ir a Australia o Sudamérica, así que estamos muy agradecidos y contentos con lo que hemos conseguido hasta ahora. Nunca hemos sido muy ambiciosos, nunca hemos pensado “ok, deberíamos pasar al siguiente nivel”. Hemos mantenido un paso constante, creo que sin darle muchas vueltas. ¡Quizás si lo hubiéramos hecho seríamos cabezas de cartel! Pero creo que estar satisfecho es un sentimiento inusual para mucha gente, y estoy feliz de tenerlo. Satisfacción.

Ésta es su primera vez en Chile. ¿Cuáles son sus expectativas?

Ben: Quiero que cuando salgamos se vea como cuando salía Queen, con un millón de manos en el aire (risas). O al menos quince manos. Serían siete personas y media aplaudiendo. Creo que nuestra percepción de los fanáticos de Sudamérica en general es gente alegre, públicos ansiosos por escuchar música y disfrutarla y pasarlo bien. Así que me parece que, mientras no lo arruinemos, será divertido.

Pensando en eso, ¿cómo planean el set? ¿Hay alguna diferencia con lo que preparan en cualquier show de, por así decirlo, el hemisferio norte?

Ben: No, el lugar “geográficamente” no nos importa, creo. Para nosotros, es el ambiente de festival… No quieres aburrir al público, no quieres caer en cosas que la gente puede encontrar aburridas o algo así. Si acaso, tratamos de asegurarnos de que el tempo esté alto y de darle a las personas un medio para pasarlo bien, si están aquí para eso. Pero si estuviera nublado o sombrío, quizás cambiaríamos el set e incluiríamos algo más melancólico sólo para encajar con la atmósfera. No hay una respuesta fija sobre lo que tocamos en un festival, o en cualquier show. Se trata de cómo se siente el día, y lo que parece que el público quiere de nosotros, en realidad.

Bill (Reynolds, bajo): Tenemos termómetros en nuestras guitarras, y cuando llegan a una cierta temperatura se tocan solas (risas). Es una locura.

Ustedes estuvieron en Lollapalooza 2009. ¿Cómo fue esa experiencia? Juan Ignacio Cornejo, de Rockaxis, nos contó que se toparon con el comienzo de Jane’s Addiction…

Ben: ¡Oh, sí! Es la primera vez que alguien lo menciona. Acabamos de ver a Perry y optamos por escondernos porque, sí, hubo una suerte de batalla sonora. Lou Reed tocaba antes de nosotros y se pasó en su tiempo. Así que nosotros estábamos haciendo nuestro set habitual, sin saber que topábamos con el comienzo de Jane’s Addiction. Tampoco me di cuenta de que eran ellos, los mismos que hacían el festival y nos habían invitado, y dije que subiéramos el volumen, sin pensar en la batalla que se iba a armar. Pero obviamente es agua bajo el puente, porque nos invitaron aquí hoy. ¡Y fue increíble! No teníamos idea hasta que nos bajamos del escenario que eran ellos a quienes estábamos, supongo, molestando. Pero fue divertido, ¿no?

Ryan (Monroe, teclados): Fue divertido hasta que los escuché tocar ‘Mountain Song’ y pensé “… Oh, diablos”.

¿Extrañan tocar en escenarios más pequeños, o para menos gente que en festivales para miles de personas?

Ben: Aún lo hacemos, ya sea en los clubs más pequeños, o shows previos a una gira, o cuando Kings of Leon cancela y te deja solo (risas). No nos hemos malacostumbrado a los festivales o a los grandes escenarios. Si acaso, cuando tocamos en arenas grandes solemos ser teloneros, así que aún no llega al punto en que nos sentimos estafados al tocar en un escenario más pequeño. Creo que estamos felices de estar en el momento que sea, porque realmente disfrutamos tocar juntos, sin importar dónde.

¿Están planeando nuevo material este año, algún nuevo disco?

Tyler (Ramsey, guitarrista): De hecho, estamos casi terminando el nuevo álbum. Hemos estado trabajando en el estudio durante el último mes y medio, y cuando volvamos a casa nos tomaremos un par de semanas y volveremos al estudio por algún tiempo para terminarlo.

¿Cómo trabajan las canciones? ¿Funcionan como un todo, o tienen tareas particulares?

Bill: Bueno, la mayoría de las canciones comienzan en casa y luego las llevamos al estudio. Ahí, como grupo, escogemos la afinación, qué cosas cambiar, el tempo, y se vuelve un esfuerzo colaborativo. Pero sí, usualmente todo comienza con semillas individuales.

¿Hay alguna chance de que estrenen algo de eso aquí, hoy?

Ben: No lo creo. Honestamente, acabamos de terminar con la parte principal de la grabación, estábamos haciendo algo así como una canción al día. No ensayamos para esto, así que no recuerdo cómo son la mayoría de los temas (risas), mucho menos pensaría en tocarlos por primera vez ahora. Pero esperamos que, si hacemos un buen trabajo hoy y el nuevo disco no es un asco, quizás ustedes quieran que volvamos y entonces sí lo tocaremos.

Su música tiene canciones de rock fuerte, pero también melodías introspectivas. ¿Cómo hacen que funcionen ambos extremos?

Ben: Bueno, creo que esa dicotomía, esas fuerzas en conflicto son una gran parte de lo que es Band of Horses. Es difícil decir si somos introspectivos y de baladas melancólicas, o agresivos con guitarras rabiosas, o músicos influenciados por el country. Todas estas contradicciones son parte de lo que nos hace una indefinible bola de rareza que esperamos usar para nuestro beneficio, y creo que el nuevo álbum representa todos esos aspectos de lo que hacemos, además.

Ustedes tienen una historia increíble que involucra una boda en Noruega. ¿Cómo pasó eso?

Ben: Fue divertido. Alguien le escribió a nuestros agentes o publicó en nuestras redes sociales o algo así… Íbamos a tocar al Círculo Ártico, en la zona más al norte de Noruega, a un pueblo muy pequeño. Creo que estaban sorprendidos de que fuéramos. Y había un par de fans que estaban devastados por perderse el show, porque coincidía con su boda. Así que tiraron la idea, nosotros teníamos algunas horas libres y dijimos, ¿por qué no? Parecía algo interesante que hacer y supongo que ahora vive para siempre, si tú me estás preguntando al respecto. Parece que hicimos lo correcto.

¿Hay algún lugar en el mundo en que les gustaría tocar y aún no hayan podido?

Ben: En ese sentido creo que éste ya es un sueño hecho realidad. Pero si tuviera que decir otro…

Bill: ¿Rusia?

Ben: Sí, Rusia fue el primer país en que pensé. Eso sería grandioso. China sería genial, también. En todas partes, realmente. No hay ningún lugar en que no tocaríamos. Excepto quizás por Siria, por el momento.

Ryan: Sería un poco peligroso.

¿Qué otros artistas quieren ver hoy (domingo 1 de abril)?

Creighton (Barrett, batería): Foo Fighters, MGMT, TV on the Radio… Realmente quiero ver a Skrillex, ver a la gente volverse loca. Es tan distinto a ver una banda en vivo cuando se trata de un DJ set y la gente está tan entusiasmada. Creo que es genial.

Ben: ¿Hay bandas chilenas tocando? Quizás, cuando hayamos terminado, podamos ver algunas.

Bill: Yo estoy con Creighton. Quiero ver a los Foo Fighters, pero probablemente vaya a ver a Joan Jett, porque es una leyenda y nunca la he visto en vivo.

Creighton: Sí, también me emociona verla. Está en la lista de cosas que tengo pendientes por hacer.

Ryan: ¡Yo quiero ir a todas partes! Quiero ver a MGMT y a Foo Fighters.

Tyler: A quien sea que podamos ver. Todo está bien.

Revisa nuestra reseña de Band of Horses en Lollapalooza acá.

Llegan a nuestro país en pocas horas y vienen con la moral alta. Desde el Aeropuerto Internacional de Tocumen, en Panamá, Astro nos cuentan cómo estuvo su periplo por México y Estados Unidos.

Monterrey, Texas y Ciudad de México. Las tres paradas de Astro durante su gira norteamericana, en la que dieron seis conciertos. El balance del tour lo resumió el cantante Andrés Nusser, sobre el escenario del Vive Latino: “En Chile nos quieren, pero acá nos quieren más”.

Sobre sus dichos, las diferencias entre el público mexicano y el chileno, la policía fronteriza y su nuevo single (‘Colombo’), entre otros temas, conversamos con el grupo que pronto editará su disco homónimo en México y Estados Unidos, vía Terrícolas Imbéciles y Nacional Records, respectivamente.

Ya vienen de vuelta. ¿Dónde están en este momento?

Justo ahora estamos haciendo una escala en el aeropuerto de Panamá. Salimos corriendo a las 2:30 AM de un lugar que se llama Caradura, donde tocamos anoche con los Dënver. El vuelo salió a las 5:30 AM.

¿Cuáles fueron sus actividades durante la gira?

Hicimos muchísimas cosas de prensa, desde revistas y blogs hasta radios y un poco de televisión. También hemos visto shows y compartimos mucho con bandas de otros países. Es increíble como los festivales te conectan con músicos y gente de industria de todas partes, donde siempre te toca conocer personajes muy especiales. Estuvimos en un festival de Monterrey que se llama Nrmal. Ahí lo pasamos increíble. Luego fuimos a Austin en Estados Unidos, al SXSW, y de ahí al Vive Latino en México D.F.

¿Con quiénes compartieron allá?

Con muchísima gente. Muchos que andaban de viaje como nosotros y muchos otros de los lugares donde estuvimos. Todo el mundo ha sido muy buena onda y nos vamos con una hermosa impresión de lo que es salir de gira a festivales grandes.

¿Qué feedback del público recibieron?

La verdad es que nos fue muy bien. El sábado pasado, en el Vive Latino, nos tocó el escenario repleto y la gente interactuó mucho con nuestro show. Amigos y gente del medio nos felicitaron por lo que logramos ese día. En Monterrey fue bastante parecido, nunca imaginamos que tanta gente se supiera la letra de las canciones. A todos los chilenos les fue muy bien.

¿Alguna anécdota rescatable?

La primera fue que todos los chilenos andábamos muy juntos. Parecía una gira de colegio cuando nos topábamos en algún lugar. Fue muy bonito ver que hay un lazo especial entre todos. Por ahí hay una foto donde sale casi todo el grupo en el Vive Latino. Otra anécdota fue el cruce por tierra a las 2AM por la aduana de México cuando regresábamos de Austin a Monterrey en una van. Íbamos los Astro y Alex Anwandter. Nos habían metido mucho miedo ya que esa es una zona narco fuerte y no es para nada recomendable cruzarla a esa hora (ya que los militares y policías andan en la misma onda). Los puntos de control los pasábamos a dos por hora y los uniformados nos miraban muy raro, seguro que era imaginación nuestra (risas), pero fue un momento memorable.

“PERO ACÁ NOS QUIEREN MÁS”

¿Es verdad que en México los quieren más? ¿En qué lo notan?

(Risas) No, eso sonó mal cuando lo dije, me expresé mal parece. Me refería a que lo que estábamos viviendo ahí era muy especial. Había mucha gente sonriéndonos y participando con nosotros. Sí nos parece que, por naturaleza, los mexicanos son más “fans” que los chilenos, en el sentido de que se guardan menos lo que sienten. Quizás es sólo que son muchas más personas.

¿Han pensado radicarse en el extranjero?

De pensarlo, sí, pero del dicho al hecho hay mucho trecho.

¿Sienten que afuera de Chile se valora más el nuevo pop chileno?

Hay una cosa muy especial pasando con Chile en el extranjero. A todos los músicos chilenos nos preguntaban sobre la nueva generación de músicos en el país y la destacaban como algo muy especial sucediendo en la música de habla hispana. No hubo entrevista en la que no nos preguntaran eso.

¿Los extranjeros tienen noción de que ustedes forman parte de una
generación de músicos chilenos?

Absolutamente. En España y México más que en otros lados. También la comunidad latina de EE.UU.

Cuéntenme sobre ‘Colombo’, su nuevo single, ¿por qué lo eligieron y cuándo lo lanzan?

No sé bien por qué escogimos ésa como segundo single. Es de las más pegotes del disco claramente. Competía con ‘Panda’ y ‘Coco’. Hay varios potenciales singles en este disco. Una de las cosas que influenció escoger ‘Colombo’ es que preguntamos por Facebook y fue la que más marcó puntos. Una mezcla de todo. El single saldrá a mediados de abril junto con el video de la canción, en el que trabajó un equipo muy buena onda. Dirigió un mexicano que se llama Carlos Rincones que andaba trabajando en Chile en la nueva película del Nicolás Lopez. La dirección de arte es del Nico Oyarce y actúa mucha gente buena onda. Aún no vemos un corte de edición, pero al parecer viene muy bueno.

¿Qué se viene para Astro en los próximos meses?

Vendrían muchos viajes. Nada muy confirmado aún, pero la banda se pegó un crecimiento grande en ese sentido y hay promotores de otros países bastante interesados en llevarnos. Nosotros también estamos trabajando para viajar este año por nuestra cuenta.

Desde sus imágenes analógicas en blanco y negro de bandas punk en los ’80 (Pinochet Boys, Parkinson), pasando por la década del ’90 con músicos emblemáticos (Los Tres, Tiro de Gracia, Lucybell), hasta llegar a la época digital con artistas como Portugal y Nano Stern, entre muchísimos otros, Donoso ha hecho de su lente un instrumento que intenta mostrar lo que la música no puede: la imagen de quienes escuchamos.

A lo largo de estas décadas, el archivo personal del retratista se ha incrementado al punto de constituir un documento histórico de la música nacional. Eso lo llevó a publicar en línea y gratuitamente su libro “Retratos de Músicos Chilenos 1986-2012″, un compendio interesantísimo de su carrera en el que se pueden apreciar sus más destacados trabajo, tomando un paseo por gran parte de lo que ha sido la música chilena en las últimas décadas. Hasta ahora, sólo existe una versión digital, pero Donoso tiene planes para editarlo en papel prontamente, a pesar de sus frustrados intentos por ganar un Fondart.

Hablamos con él de fotografía y de música, dos aspectos que, en su caso, se fusionan a la perfección y le han permitido contar una historia rica y necesaria en pos de un concepto que él considera fundamental: la memoria.

¿Cuando y cómo comenzaste a relacionarte en el ámbito musical como fotógrafo?

Inicialmente en los ’80, mediante registros personales o por encargo de algunos amigos cercanos muy autónomos en sus gestiones. Y luego para sellos discográficos y revistas como Rock & Pop y Rolling Stone. Actualmente sigo trabajando para los músicos que me llaman de manera independiente y para los sellos.

¿Cuales son las mayores diferencias de haber trabajado con músicos en la época de la fotografía analógica con respecto a la era digital?

Disparar con rollos de 36 exposiciones versus una tarjeta donde caben 500 archivos es distinto como método, sobretodo cuando tienes frente al lente personas que cambian a cada segundo. Antes yo mismo trabajaba en el laboratorio blanco y negro. Ahí, en el cuarto oscuro, aparecían los resultados mágicamente, gracias a la alquimia. En digital puedes usar la cámara como una Polaroid para ir probando la luz hasta dar con el punto que mejor te parece. A nivel de cualidades, creo que la película ofrece una calidad y durabilidad que quisieran conseguir las cámaras digitales: tonos, texturas y profundidades. Pero la rapidez en la visualización y los bajos costos son una de las ventajas de la tecnología actual. Además de las múltiples posibilidades de manipulación en post-producción.

¿Cómo nace la idea de lanzar digitalmente “Retratos de Músicos Chilenos 1986-2012″ y qué buscas con el libro?

Es una compilación de mi archivo fotográfico personal que quise editar en papel. Postulé dos veces al Fondart y me dijeron que era un proyecto muy incoherente y que existía demasiada literatura al respecto. Cansado de estos argumentos arbitrarios e irreales y de hacer proyectos largos, decidí hacerlo por mi cuenta en formato digital. Lo que busco es difundir parte de mi trabajo de mas de dos décadas para que de esta manera sea mas fácil conseguir financiamiento para imprimirlo en papel en una edición actualizada y con nuevo diseño. Mas allá del soporte, lo que me interesaba era ordenar y mostrar la compilación cronológicamente. Me interesa la idea de que abarca un período lleno de cambios sociales, culturales y tecnológicos, que se ven reflejados tanto en la música como en la fotografía.

A pesar de que trabajas en el rubro musical, no te caracterizas por hacer fotografía de conciertos o música en vivo. ¿Qué es lo que te atrae particularmente del retrato como especialidad fotográfica aplicada a los músicos?

Me gusta ir a los conciertos como público, sentir la música, tomarme un trago o bailar si el ritmo lo amerita. Aunque la fotografía de espectáculos es una especialidad, todo el mundo puede tomar fotos en un concierto con bonitas luces. Pero lo que a mí me gusta son los retratos, la intimidad que se establece en una sesión donde tienes la mirada del fotografiado puesta en el lente, sumada a la dirección del fotógrafo. Eso otorga una dinámica que involucra a los músicos y al fotógrafo, donde vas descubriendo y capturando las personalidades de cada cual. Esa dinámica interpersonal me parece atractiva e irrepetible.

¿Que papel piensas que juega la imagen, la fotografía, en el contexto de la historia musical del país?

Claramente, la fotografía contribuye a promocionar la imagen de los músicos tanto dentro como fuera del país. A través de ella, obtenemos información sobre cómo son los personajes que escuchamos. Al público le sirve para sintonizar con los movimientos culturales o, incluso, a veces verse reflejados en algún estilo. También puede servir como material de investigación para el mundo académico. Pero el otro papel muy importante es la memoria: la fotografía como documento de lo que ha ocurrido.

¿Que tan importante es el tema de la producción (vestuario, locación, etc) en tus sesiones y como defines qué elementos ocupar para cada músico?

Algo bueno es que los propios músicos, generalmente, saben lo que quieren. El vestuario lo definen ellos. Y las locaciones las definimos en conjunto de acuerdo al estilo de la banda y a la onda de cada disco. A mí me entretiene encontrar locaciones.

Depende de cada caso, pero en general, ¿qué crees que busca transmitir un músico o una banda al tomarse una fotografía

Hay casos muy variados. Además de verse bien para que la foto tenga múltiples usos, quieren aparecer sólidos y coherentes con su estilo. Unos buscan transmitir alegre rebeldía; otros, pulcritud, y otros prefieren no encarnar ningún personaje, sólo ser ellos mismos. Otros quieren aparecer con un instrumento como una compañía cotidiana…

A lo largo de estos años, ¿Hay algún músico o banda con quien te haya parecido particularmente interesante trabajar y por qué?

Todos tienen alguna particularidad que me puede interesar. Habitualmente, que sean simpáticos y relajados es una característica común a los distintos músicos independientemente de su estilo. Que los músicos tengan carácter y humor me perece vital. Los más performáticos suelen ser los mejores. Y sin duda el look también es un punto a favor.

Si pudieras retratar a un músico chileno o extranjero que no hayas tenido la oportunidad de hacerlo, ¿quién sería?

Todas las bandas que sean de mi gusto y que quieran trabajar conmigo serán bienvenidas. ¡Que nada los detenga!

Mira gratis ”Retratos Músicos Chilenos 1986-2012″

No es fácil ni recomendable ignorar la energía de Valina, cuyas descargas eléctricas llegan hasta nuestro país el último fin de semana de marzo para remecer escenarios en Valparaíso y Santiago. Una imperdible oportunidad para tomar pulso a las épicas musicales ancladas en la precisión y las progresiones instrumentales heredadas del hardcore más versátil.

Por Cristóbal Cornejo de El Ciudadano

Dentro del enorme espectro de mixturas e intensidades ligadas a lo que vino después del hardcore punk y al post rock, la firma de Steve Albini ha dado forma a decenas de bandas de diversas partes del mundo que se acercan al ex Big Black como buscando el maestro zen que les resuelva el koan. Es el caso de Valina, trío furioso que lleva el último mes girando por Brasil y Argentina.

Anatol Bogendorfer, vocalista y guitarrista, quien junto a Florian Husbert Huber y Anselm Dürrschmid da vida a la banda, contesta algunas preguntas antes de debutar en Buenos Aires, luego de su intenso viaje por tierras cariocas.

“Estar en Brasil por primera vez y empezar nuestra gira sudamericana en una ciudad única como Río de Janeiro fue, por cierto, una gran experiencia. Irnos de gira por países extranjeros, para nosotros no sólo significa “hacer conciertos”, sino además estar interesados en la cultura local, la arquitectura, la música, la comida, los tragos”, comenta.

Valina nació en Linz, Austria, hace más de diez años. En esta década, giró por casi toda Europa, Estados Unidos, Rusia, Turquía, Israel y México. “Vagabond” (2003) y “A Tempo! A Tempo! (2009), fueron grabados por Steve Albini, quien –como suele hacerlo- sacó aún más filo al sonido del trío en su estudio en Chicago. Por lo mismo, no es difícil emparentarlos con Shellac, Fugazi o Don Caballero, aunque también hay guiños contemporáneos más cercanos al indie rock.

Más de 400 conciertos en el cuerpo, por diversos continentes, y esta gira sudamericana antes de volver al estudio de Albini en Chicago. ¿Cómo es posible tanto nomadismo?

Una gira como esta no podría estar financiada sólo por los shows. Requerimos de dinero público para costear los gastos de pasajes y algo de ayuda de la embajada austriaca. Podemos cubrir el resto de los gastos por medio de los ahorros de la banda y las ganancias. Por lo general, no querríamos ser patrocinados por ninguna empresa privada. Pero el dinero público debería ser usado también para patrocinar diferentes tipos de arte; especialmente aquel que de otra forma no se sustentaría por las condiciones del llamado “libre” mercado. Por esa razón, creo que es muy importante que la sociedad fomente el soporte a la música (y al arte en general).

¿Por qué grabaron con Steve Albini y cómo fue esa experiencia?

Dos razones: Siempre nos gustó Steve por su simple, pero eficiente medio de grabación. Además es una persona de una gran integridad cultural y política. Ambas sesiones con él fueron fantásticas. El trabajo en sí fue muy sencillo. La banda hizo su trabajo, Steve hizo el suyo, y todos estábamos enfocados en hacer un buen registro. Entre sesiones tuvimos suficiente tiempo para disfrutar la socialización, el hablar de música, política, comida, inodoros, gatos, etc.

¿Cuáles reconocen como sus principales influencias musicales y extra musicales?

Bueno, supongo que fuimos influenciados por muchas bandas de rock under norteamericanas de los ochentas y noventas, de cuando éramos adolescentes. Hoy en día, no sé. Sigo buscando nueva música y escuchando mucha música diferente, pero dudo que influencie nuestra música directamente. ¿Además de la música? Buena pregunta. No lo sé. Quizás todos los show de TV buenos y las películas que he visto últimamente…

¿Y qué piensas sobre el post-hardcore y el math-rock, estilos con las cuales a menudo se les relaciona?

Ah, mierda. Realmente no me interesan ni por un segundo todos esos sub-géneros. Entiendo que alguna gente los necesita, como los periodistas para categorizar música, algunos fans para hablar de música con sus amigos, pero las bandas o músicos difícilmente necesitan hablar de estas cosas. ¿Describir la música? Es música rock fuerte bajo el control de tres personas, a quienes les disgustan un montón de clichés musicales y (para ellos mismos) puede distinguirse perfectamente entre “buena música” y “música de mierda.

Valina debuta en Chile el próximo jueves junto a Dizzlecciko, quienes presentan su disco “I”. El viernes lo hará en Valparaíso con Fatiga de Material, y el sábado vuelven a Santiago para acompañar el lanzamiento del disco de Los Modestos, banda del ex Familea Miranda, Rodrigo Laiseca, junto a un ex Innombrable y un ex Neurotransmisor.

Compartirán escenario con Fatiga de Material, Dizzlecciko y Los Modestos, ¿conocen algo de música chilena?

Sigo considerando a nuestros amigos de Familea Miranda como una banda chilena, pese a que hoy viven en Barcelona. Además de ellos (y, por supuesto, Violeta Parra y Víctor Jara), honestamente no conocía ninguna otra música chilena hasta que averigüé acerca de las bandas con las que tocaremos en esta gira. Así que estoy esperando escuchar esas bandas en vivo y llegar a conocerlos personalmente.

¿Qué nos podrías contar del circuito independiente de Austria?

Las ciudades de Linz, Viena e Innsbruck tienen una gran tradición de cultura de música independiente. Por supuesto cambia todo el tiempo. Algunas bandas nuevas aparecen, otras viejas desaparecen. Algunas para mejor, otras no, como en cualquier otro lado. Lo especial de la escena en nuestra ciudad (Linz) es que difícilmente existen fronteras entre los protagonistas de los géneros musicales. La ciudad es lo suficientemente pequeña como para compartir los mismos lugares e infraestructura (bares, clubs, lugares…). Tipos diferentes de música no separan la escena de Linz, porque la gente comparte cosas más importantes como visiones políticas o ideas de contracultura. Innsbruck es similar. Viena es otra gran ciudad de mierda, donde puedes encontrar buenas bandas, pero un montón de mierda hipster. Si alguna vez vienes a Linz, ve a un lugar llamado KAPU. Ese es el lugar en Linz, donde la cultura musical underground internacional ocurre desde hace más de 20 años.

¿Sabes algo acerca de la situación social y política de nuestro país?

No particularmente acerca de la situación del actual Gobierno. Por supuesto tengo mis lecciones acerca de la época de dictadura. He leído libros acerca de ello, y he visto documentales también. Pero no puedo decir que conozco mucho acerca de la situación social de Chile en general. Aunque usualmente leo muchos periódicos durante la semana, no estoy actualizado con la situación política. Debo admitirlo. Por ello me gustaría culpar un poco a los medios europeos también: No escriben nada acerca de política en Sudamérica, o lo hacen con un punto de vista muy eurocentrista, además de arrogante y vagamente informado. A propósito de las dictaduras: El año pasado en el festival BAFICI de Buenos Aires vi una gran película llamada “Abuelos”. Trata parcialmente la dictadura en Chile también. Por favor ve esta película, está muy bien hecha.

Valina toca este jueves 29 en Bar Loreto, el viernes 30 de marzo en Bar La Cantera de Valparaíso y el sábado 31 en Onaciu (detalles acá).

Fármacos, una de las bandas locales por las que apostamos todas nuestras fichas, en conversación con Levi’s Music.

La cosecha 2011 no hizo más que confirmar lo que 2010 anunció con bombos y platillos: en Chile, la música está en plena ebullición. Decenas de buenos discos aparecieron, algunos con mejor suerte mediática que otros, para abrirle paso a una nueva temporada de lanzamientos que se avecina todavía más generosa en calidad y cantidad. Entre lo que dejó el año pasado, un material digno de rescate es el EP “Abril” del grupo Fármacos. Melódico, bien ambientado y con un lúcido sentido del formato canción, la placa sirvió para que la blogósfera chilena comenzara a tomar en cuenta la propuesta de este proyecto, encabezado por el multiinstrumentista Diego Ridolfi.

Los inicios de Fármacos se remontan al 2008, cuando Ridolfi estaba alucinando con Sigur Rós, Mogwai, Brian Eno y el sonido ambient. Sin una red de contactos para comenzar su propia banda, el músico buscó otras manos para grabar su primer EP. “Ahí conocí a Sebastián Rehbein. Él tenía un pequeño estudio y le pedí que me ayudara con la grabación y la producción del disco. Ese proceso fue bastante largo porque no fue muy continuo, yo me desmotivé un poco con el tiempo, me daba lata hacer un disco sin banda y que al final sólo quedara el registro y nada más”, cuenta el artífice del empalme, sobre la época en que todavía estaba solo.

De esa colaboración nació el primer EP de Fármacos, fruto de las influencias de Ridolfi y de su trabajo en música incidental. “Me pasaba todo el día pegado escuchando música pegada y haciendo música pegada”, cuenta el multiinstrumentista, “el nombre Fármacos siempre me estuvo dando vueltas como para llamar así a un proyecto. Cuando me hice el MySpace, fue el primer nombre que puse y estaba libre así que lo ocupé. Me hace mucho sentido por largos periodos en que los tuve que consumir, como solución ante problemas siquiátricos, prácticamente dependía de ellos”.

Poca actividad tuvo el novel conjunto en esa etapa primigenia. Una tocata en un restorán fue su debut en vivo, ante unas 20 personas, según recuerdan ellos mismos. “Fue de culto”, aseguran. Un año completo pasó para que Ridolfi volviera a pensar en el grupo, esta vez más en serio, con miras a retomar el trabajo que dejó inconcluso luego su debut, un material que sigue en su perfil de Soundcloud como fiel testimonio de esa época en que sus influencias eran sonidos incidentales. Nombres como Joy Division, Talk Talk, Boards of Canada, Charly García, Astor Piazzolla y Víctor Jara se hicieron parte de su espectro, justo antes de que Fármacos reiniciara sus labores.

De vuelta junto al bajista Ignacio Wong y el guitarrista Rodrigo de la Rivera, el ensamblaje comenzó a completarse con la llegada de Carlos Doerr (para reforzar en las seis cuerdas, sintetizadores y segundas voces) y de Octavio Cavieres (también parte de los exitosos Astro) al sillín de baterista. Con esa formación, que lo primero que hizo fue juntarse a compartir cerveza para conocerse y después largarse a ensayar, Fármacos registró su EP “Abril”. En palabras del grupo: “Creo que nombramos así este EP porque tratamos de pensar mucho en algún nombre y sólo salían ideas que a nadie le gustaban. Abril es el nombre de la canción que abre, la que representa mas el resultado musical que estábamos buscando. Es simple, una palabra, cierra bien lo que significa el disco y aparte es algo emotivo porque es el mes donde realmente Fármacos se formó como banda”.

“Quería lograr una nueva búsqueda, prácticamente hacer como si el EP anterior no existiera, partir un grupo desde cero y que realmente fuera un grupo, que por más que yo haga las canciones, a la hora de ensayar y arreglarlas todos aportemos ideas y cada uno busque como aportar e interpretar cada composición. Me deja mas tranquilo, era un paso que quería dar, que fuera algo un poco más colectivo y no tan egoísta. Las ideas con las que llego se transforman y toman otro rumbo ya que cuatro personas más están trabajando sobre ella. Quise tratar de despegarme un poco, al menos que ya la música no fuera tan depresiva y pudiera viajar por otros estados”, asegura Ridolfi sobre su decisión de encarar el trabajo de manera colectiva, en vez de centrarlo en su propia capacidad de introspección.

Entre “Fármacos” y “Abril” hay un mundo de diferencia, años luz de distancia y un salto cualitativo bastante notorio. Desde aspectos técnicos, como la calidad de la grabación, hasta el anhelo de hacer canciones que tiene el segundo (pero no el primero), el quinteto pasó la prueba sin repetir ni equivocarse. Es el mismo empalme el que nota sus mejoras, y por eso pretende hacer un par de videoclips para los temas de “Abril”, antes de cerrar su ciclo de vida. Eso sí, la vista de Fármacos ya está puesta en el futuro: “Dejamos ahora de ensayar por un rato para concentrarnos en componer y en marzo comenzar a hacer un nuevo disco. Queremos hacer un LP, luego difundir y tocar todo ese material en vivo. No sabemos qué saldrá de eso aún porque yo (Diego) estoy comenzando a componer y aún no vemos las ideas entre todos. Así que se viene entretenido porque puede resultar algo interesante. Sentimos que todavía no tenemos una identidad clara y eso, de alguna forma, nos favorece porque recién nos estamos dando a conocer”.

Fotos por Nicol Vásquez

Si bien Guillermo Alonso (alias Coiffeur) es el entrevistado, la primera pregunta de esta conversación viene de él. “¿De quién es este diario?”, interroga refiriéndose a la línea editorial de La Tercera, que estuvo leyendo mientras esperaba en el lobby del hotel donde se aloja. El argentino, que viene llegando a Chile para tocar en el Festival Neutral, muestra curiosidad por las novedades de nuestro país: los estudiantes expulsados de los liceos emblemáticos de Providencia, las reivindicaciones en Aysén y el Día de la Mujer son los temas que se ponen sobre el tapete mientras subimos al taxi con su mochila y su guitarra, y nos dirigimos a una librería de San Diego, donde el cantautor grabará versiones acústicas de sus temas para el sitio La Vitrola.

Pero también hablamos de su música y del material que sucederá a “El Tonel de las Danaides” (2009). “Ahora estoy terminando un EP, un disco cortito con cuatro canciones, y al mismo tiempo estoy haciendo más canciones que van a ir para un disco un poco más largo”, cuenta sin querer adelantar el nombre de ninguna de estas producciones, que aún no tienen definida una fecha de publicación. A lo que sí se refiere es a la evolución sonora que está emprendiendo: “Estoy haciendo un cambio de formato y de soporte. Las canciones que vienen ahora casi no tienen guitarra, tienen más teclados y programaciones, y como que me costó mucho esa transición”, confiesa.

“Había intentado hacer canciones y lo que hacía me parecía aburrido. Me parecía que tenía que buscar por otros lados tanto en lo lírico como en lo musical”, dice Coiffeur sobre su necesidad de cambiar de sonido, que ya se constata en “El Tonel de las Danaides” y que al parecer, dará un salto importante con sus nuevas composiciones, en las que el trasandino dejará de lado lo contemplativo y explorará ritmos más bailables. “Pero tampoco es para que lo toquen en los boliches”, aclara entre risas. “Con ‘bailable’ me refiero a usar el cuerpo, que haya bases rítmicas. El formato de la guitarra se presta más para estar sentado tranquilo, y me parece que lo nuevo se va a llevar mejor con estar parado, con moverse un poco”, añade.

Hasta el momento, el cantautor tiene un total de 12 canciones compuestas y planea hacer otras tantas. Sin embargo, esto no significa que todas se incluirán en su nueva placa, la cual lo hace remontarse a su álbum debut (“Primer Corte”, 2005). “Me gustaría que el LP tenga pocos temas o que dure media hora o 40 minutos y que sea algo más bien compacto. Ese es el concepto del primer disco, que es muy directo”, explica con calma, tomándose el tiempo necesario para hilar y exponer sus ideas, aun cuando eso implique retroceder, corregirse y volver a empezar la frase que dejó inconclusa.

Coiffeur reconoce la influencia del recientemente fallecido Luis Alberto Spinetta en su forma de ser y de trabajar: “Hace un tiempo atrás empecé a escuchar unos discos suyos viejos, de los ’70, y la conclusión a la que llegué es que tenía una personalidad muy fuerte y era una persona muy intuitiva. Lo que me llegó de él es dejarse llevar por la intuición y animarse a buscar un lenguaje personal. No es una influencia concreta con respecto a una melodía, a una nota musical o a un arreglo determinado, sino a una cosa más conceptual. Eso me acompañó desde ‘El Tonel’ en adelante, y creo que es algo que sigo digiriendo”.

Como él mismo lo dice, esta búsqueda de un lenguaje propio viene desde “El Tonel de las Danaides”, disco de cuyo título dudó por temor a verse demasiado intelectual. “Lo importante es hacer algo creativo y humano con un conocimiento, no con la chapa de intelectual”, sostiene a propósito de ese álbum. “Me interesaba dar cuenta de una sensación más que del mito de tal cosa. Lo valioso es hasta qué lugar te transporta ese beat, que sea una mezcla entre lo que se cuenta de eso y lo que te transmite. Me parece más interesante todo lo que se desprende de eso, que no tiene que ver con lo teórico sino con lo emocional”.

Las canciones de Coiffeur son una invitación a descifrar sus mensajes adentrándose en un mundo lingüístico y sonoro en constante cambio. “Son una pregunta, una búsqueda que quizás se aproxima a algo, pero que no termina en una respuesta definitiva. Hay temas que pueden ser un poco mas literales que otros, pero en el fondo siguen siendo eso”, dice el cantautor, para quien esta exploración tiene que ver con hallar un placer primario, un bienestar que aparece cuando cierta melodía viene a tocar la fibra precisa. “Cuando uno escucha algo que le gusta mucho se produce este episodio de evocar algo que en un momento sentiste, y que esa canción te lleva a ese lugar. Me parece que la creación y la escucha tienen ese punto en común, que te conectan con una situación antigua”.

Así piensa y también vive Coiffeur: con un pie en las evocaciones que menciona y con otro en las nuevas experiencias donde lo llevan sus corazonadas. Sabe que es él quien lleva las riendas de su carrera, de ese viaje personal que persigue las respuestas, que suelen ser tan esquivas. Pero ese no es motivo para desanimarse. Él sigue avanzando.

Fotos por Jorge Severino

“Me encanta. Creo que se produce un cruce de generaciones y me parece que eso es importante, el diálogo permanente. No sé, yo creo que las diferencias generacionales en Chile tienden a ser segmentos separados, como feudos, ¿cachai? La música de los viejos, la música de los más jóvenes. Aquí no: aquí hay una sola música que viene desde la Violeta (Parra), desde Víctor (Jara), pasa por Congreso, por Julio Zegers, por Los Jaivas, llega a Los Tres, a Los Prisioneros, a nosotros. Es música”.

Mauricio Redolés, refiriéndose a la Noche en los Balcones de este año.

Por las razones que sean, Rockódromo no es visto como el tremendo evento que es. Como un festival de música chilena que mezcla géneros a través de sus diferentes instancias. Que -más allá del nombre- abre su espectro y no se limita a bandas de riffs, sino que intenta abarcar cuanto se pueda, en su afán de mostrar la producción sonora de estas latitudes, y lo presenta de forma gratuita.

Aún así, hay muchos que ni siquiera saben que existe o de qué se trata.

No obstante, las Escuelas de Rock (quienes están detrás de esta cita anual) continúan trabajando y mejorando, aprendiendo de la experiencia. Y eso se notó en varios pequeños detalles este domingo 5 de febrero, cuando comenzó la octava edición de esta cita de la mano de una de sus instancias más únicas: la Noche en los Balcones, en la Plaza Aníbal Pinto de Valparaíso, con dos consagrados y un joven talento sureño.

Para quienes nunca lo hayan presenciado (ya sea en vivo o via streaming), la Noche en los Balcones consiste en tres músicos presentándose en simultáneo, cada uno en un balcón de uno de los edificios de la Plaza. Una canción por turno, sus melodías van rotando y se van mezclando en un cóctel sonoro que en esta ocasión fue heterogéneo de principio a fin. Florcita Motuda y Mauricio Redolés, ambos profesores de las Escuelas de Rock, compartieron escenario (por así decirlo) con Camilo Eque, uno de sus alumnos.

“¡Es como que entren amiguitos nuevos al juego, poh! Siempre hemos jugado, y cuando somos gente muy conocida ya nos sabemos los juegos. Pero cuando llegan amistades nuevas, es interesante. Así integramos a Camilo”

Florcita Motuda

Cada uno con su propio lenguaje sonoro, desde eso de las 20:45 hrs. dieron comienzo a la cita. En la plaza, en la vereda del frente y en la calle se fue ubicando la gente que en un comienzo superó las mil personas y con el paso de las canciones se cuadruplicó rápidamente. Sin dudas Eque, ubicado en el balcón central, fue quien tuvo la misión más difícil de la noche: el asunto no era sólo tocar con dos tremendos compositores, sino que estar a la altura de que lo que ambos presentaron.

A su izquierda, Redolés abrió con ‘Blues de Santiago’ y armó, turno por turno, un repertorio que casi calificó como Grandes Éxitos (‘El Espejo’, ‘Eh Rica’, ‘Química’, ‘¿Quién Mató a Gaete?’). Y a su derecha, Florcita Motuda le hizo honor a su reputación de genio poco ortodoxo. “Haciendo trampa” con Lucas Saavedra en saxofón y Lucas Merlin, su hijo, en bajo, integró al público en sus coros, estrenó un tema inédito (‘El Encantador de Perras’) y entregó otro set notable.

Entre cada canción de ellos era el turno del valdiviano, y lo cierto es que lo suyo merece párrafo aparte. Porque, sin disco publicado aún (se espera que salga en abril) ni mayor reputación o nombre del que le han dado sus presentaciones en vivo y su campaña de Disco en Verde, se despachó un puñado de melodías intensas y letras urgentes, demostrando a cabalidad por qué estaba ahí. No sólo se llevó la ovación de los presentes, sino que también se aseguró a más de un nuevo fan de su música en el proceso.

“Hace poco me di cuenta que los Balcones es una intervención cultural, a mi parecer, muy importante. En cualquier lugar del mundo que se haga. Porque siempre la intervención es donde podemos llegar más al hueso en la carne del humano, donde tú vas caminando y te pillas con el arte, y el arte sólo sucede. Esto genera un poco de aquello y me doy cuenta de que es una instancia preciosa y, a la vez, súper relevante”.

Camilo Eque

Tras algo más de setenta minutos y dieciocho canciones, la exhibición del cortometraje “Los Tres Pescadores” del realizador Matías Lara cerró la edición 2012 de la Noche en los Balcones. Casi todos (salvo un par de ebrios aislados) hicieron su parte para hacer de lo de este domingo algo especial: público, músicos y producción, todos se confabularon y, como resultado natural, el inicio de este festival de música chilena fue memorable.

Rockódromo 2012 continúa con la Gira por los Cerros, con Claudio Narea y La Chinganera, entre el martes 7 y el jueves 9 de enero, y luego cierra en grande el viernes 10 y sábado 11 con Música Frente al Mar, dos días en el Muelle Barón que POTQ también estará cubriendo. Todas estas son actividades gratuitas cuyo detalle puedes revisar en la programación oficial.

Por Felipe Mardones | Fotos por Eduardo Pavéz Goye

Con un pie en Chile y otro en Alemania, el músico local Mowat editó el año recién pasado “Anglia”, su primer largaduración después de “EP#1” de 2008. En la antesala del lanzamiento oficial de su nueva placa, Fernando Mujica –nombre original del cantante y productor- cuenta en esta entrevista las motivaciones políticas, personales y artísticas que lo llevaron a grabar un trabajo de pop denso que define como el folclor chileno del futuro.

Estudió música en Alemania, pero nació y vivió en Santiago. Desde el año 2005 que viene colaborando con músicos como Javier Barría, Felipe Cadenasso, Leo Quinteros o Chinoy. De hecho, trabajó como productor en “Los accidentes del futuro” de Quinteros y se encargó de los arreglos del comentado debut del sanantonino. Sin embargo, Mowat (alias de Fernando Mujica) ha mantenido una carrera como solista que se puede rastrear en su debut “EP#1” (2008), un disco breve y sencillo que precedió a “Anglia” (2011), su reciente producción.

Promocionado con el single ‘Librando a la mañana’ –canción que cuenta con video grabado entre las protestas ambientalistas contra HidroAysén y las marchas estudiantiles-, el nuevo disco de Mowat es un trabajo de pop oscuro, marcado por arreglos de cuerdas y en donde se fusionan programaciones, trompeta, piano, flauta, y otros instrumentos grabados en su mayoría por el chileno.

- Tocaste y grabaste la mayoría de los instrumentos que aparecen en el disco. ¿Cómo es trabajar en un disco estando a cargo de casi todo?

- Para mí es natural, porque empecé como músico siendo productor, con Leo Quinteros. La escuela de él es a lo John Lennon: grabar todo tú, hasta lo que podai. Es complicado ciertas veces, porque no sabes cómo seguir y no tienes una segunda opinión. A veces lo que grabas te gusta y en otros momentos no te convence nada. Es difícil, pero estoy acostumbrado.

- A diferencia de tu primer disco, acá se notan muchos instrumentos. ¿Por qué decidiste pasar de lo sencillo a lo orquestado?

- Tuvo que ver con algo natural. Creo que se dio porque cierta escena, o grupo de gente más cercana, como Chinoy, Manuel García o Gepe en un principio, estaban bien interesados en ir a lo mínimo y eso cansa. En mi caso soy muy musical, muy de instrumentos, de expresar ideas a través de la música y no sólo con las letras.

- En cierto sentido, “Anglia” es muy oscuro. ¿Qué cosas estaban pasando en tu cabeza o qué querías transmitir con un disco tan denso?

- En mi caso, el año en que hice el disco, el 2010, fue un período bien complicado, personalmente pasaron hartas cosas en mi familia. No sé si el disco es oscuro, quizás es mucho decir, pero tenía bastante sentimientos de angustia, que a la par tenían que ver con cosas más externas, como pensar la relación con el Gobierno, que es muy cliché, pero que es algo que está en el aire…Traté de expresar todo eso en canciones sutiles, de forma más indirecta, sin recurrir a mostrar todo tan abiertamente.

- Pese a que ahora estás viviendo en Alemania, el disco lo terminaste en Chile. ¿Qué cosas hay de tu regreso a Chile en el disco?

- El disco es súper chileno. Hablo completamente de cómo me siento yo en tanto chileno y cómo fue volver a Chile, que volví a San Bernardo a la casa donde me crié. Eso fue un flash en muchos sentidos, entonces de ahí salieron un montón de cosas. También Piñera había sido elegido como Presidente… Creo que por eso es un disco muy chileno. Es folclor de hoy, del día a día, que es lo que va a ser folclor en cincuenta años más. Un folclor que no es una mezcla de instrumentos como la de Gepe, que la respeto mucho, sino otra, que es más el espíritu chileno, de lo que somos actualmente.

- ¿Qué cosas te chocaron de Chile al volver de Berlín?

- Lo primero: allá no te sientes amenazado, ¿cachai? Andai en la calle y no pensai que te van a asaltar. En San Bernando uno vive pensando que lo van a colgar y uno se acostumbra a eso. Después llegai a Alemania y te acostumbras a otra cosa, que la gente vive más relajada. Esa es la forma de vida que todos deberíamos tener. Y cuando vuelves a Chile te da pena, porque es tu gente y te das cuenta que las cosas están mal. A mí me dio rabia, pero también un poco de miedo. Y a eso súmale que era el primer año de Piñera como Presidente…Todo es chocante. Mira por ejemplo la relación que tiene la derecha con la dictadura, mira a Labbé o mira en YouTube cómo Piñera apoya a Pinochet. Todo da susto, pero también dan ganas de trabajar para que la cosa mejore.

- “Librando a la mañana” es el primer promocional de “Anglia”. ¿Por qué elegiste esa canción para adelantar el disco?

- De las canciones que salieron al principio, “Librando la mañana” era de la que más me gustaba, pero también fue una cosa como de focus group, muchos amigos me la mencionaban como la que podía ser la más asequible, la que mostraba muchas cosas del disco en una sola canción.

- ¿De dónde viene el juego de palabras entre celda y propiedad que se escucha en la mitad de la canción?

- Esa letra salió como un pequeño poema que lo anexé a la canción. Tiene que ver con lo político que te nombraba antes, que es bien general, pero que se puede aplicar mucho. Quería que se entendiera de forma más poética y no cantado, y no quería salir recitándolo yo. Después salió la idea de computarizarlo, pero es un poema que nació de toda la crisis personal y que al mismo tiempo me hizo sentido con lo que estaba pasando en Chile. Ahora, con el tiempo, me hace sentido en todas partes.

- ¿Y el video? Tú no estás en el video, pero estás a través de los textos que aparecen. ¿Cuál es tu opinión sobre el formato visual que tomó la canción?

- No salgo en el video porque no quería aparecer, como tampoco quería aparecer en el arte del disco. Eso de aparecer es algo extramusical que no me interesa, así que cuando hablamos con Eduardo (Pavéz Goye, director del video), que es un seco, un dramaturgo groso muy amigo, siempre quisimos hacer algo con las protestas de HidroAysén, porque estábamos súper enojados con eso. Justo yo me tuve que venir a Alemania en 2011, y ahí le dije que usara la canción por la causa. Después surgió la idea de grabar a personas que estuvieran en la calle y justo cuando se empezó a rodar el video comenzaron las movilizaciones grandes de los estudiantes. A nosotros nos sorprendió mucho y salió así y me encanta.

- Entiendo la intención, entiendo que no fue buscado, pero coincidió con que otros artistas comenzaron a sacar canciones o videos con las marchas o los estudiantes. El último más popular fue ‘Shock’ de Ana Tijoux. ¿Qué te parece que justo ahora, un sector de la música chilena se comenzara a vincular con lo que estaba pasando en las calles?

- Es raro, sin duda, porque hay un par de personas del hip-hop, por ejemplo, que siempre han hecho cosas más sociales como la Ana Tijoux, pero no deja de parecerme raro que las personas que yo esperaba que estuvieran más arriba de la pelota con este tema no estaban. Muchos de ellos son amigos, cantautores importantes que eran bien banderas de protesta, pero que no estaban. Entonces uno nota cierto…no sé, no sé si llamarlo oportunismo, pero ojalá la misma actitud siga no sólo con videos, sino en tocar con la gente, comprometerse como lo han hecho muchos de ir a tocar a las tomas. Porque esta cuestión no se va a acabar nunca, no basta sólo con arreglar la educación.

- Considerando que estuviste todo el 2011 en Berlín, ¿cuál es tu opinión sobre lo que esta pasando acá en Chile, con el imaginado “paraíso del pop”?

- Es difícil opinar de eso. No sé…me parece que está súper inflado. Personalmente, por ejemplo, me encantó Odisea de Alex Anwandter, que lo escuché y pensé que se había demorado siete años en hacerlo…Pero no sé, lo que hace Javiera Mena no es música que me gusta escuchar. Siempre es choro hablar de alguien que es una revelación, pero cuando leo críticas de Club Fonograma, me pregunto dónde está ese valor de “lo impecable”, me gustaría saber en qué cara se basan. Musicalmente yo no lo veo, no hay riesgo

- ¿Hay una gran falta de riesgo en las cosas que se hacen ahora en Chile?

- Sí y eso que estamos hablando de un sector indie del pop, no de lo que se vende en la televisión. Quizás ellos quieren lograr otras cosas, y las logran, como salir, tocar afuera, y hacen prensa y tienen seguidores, y todo bacán, pero para mí son aburridos. Tampoco se trata de pensar que la música tiene que ser complicada, en otras métricas o algo así, pero sí me parece que la música tiene que cuestionarse.

- También estuviste en la otra cara, en el laboratorio, trabajando como productor. Por eso no puedo dejar de preguntarte: ¿Para ti Chile es el paraíso del pop?

- No, estás loco –sonrie. No, ni loco, eso fue un peo que se tiró un español para hacer la nota más hype. Lo que pasa es que acá en Europa andan buscando lo que no está establecido y miran a Sudamérica porque hablan el mismo idioma y como ya no se puede hablar de Buenos Aires porque se sabe hace mucho tiempo que es cool, quedaba Chile. De ahí sale esa idea del paraíso, porque salen un par de discos que suenan súper europeos, súper al nivel, pero nada más… Para hablar de un paraíso del pop tienen que venir diez años más de discos así. Todo tiene que crecer, no se puede hablar de algo así con dos discos llamativos. A mí me parece que hay un paraíso de otra cosa en Chile, que aunque suene cliché, tiene que ver con Chinoy, Kaskivano, Demian Rodríguez, Lautaro Rodríguez. Ellos son músicos que no están ni ahí con nadie y hablan de lo que está mal. Ellos sí que tienen un grupo de gente súper masivo que los sigue y que no tienen que enterarse de los conciertos de Chinoy por la tele. Esa escena me parece más representativa de Chile.

Escucha “Anglia” de Mowat acá:

Mowat – Anglia (2011) by mowatmusic

Le preguntamos a decenas de músicos chilenos cuáles eran sus discos favoritos del año y por qué. Algunas conclusiones: Javiera Mena y Fakuta coinciden con la última placa de Lykke Li, “San Sebastián” de Fernando Milagros fue el álbum nacional más nombrado, Sam Maquieira de The Ganjas es una enciclopedia rockera y Camila Moreno no sólo comparte nombre con el grupo Moreno, sino también el gusto por Tune Yards. A continuación, dejamos que ellos mismos te cuenten lo que escucharon este 2011. 

JAVIER BARRÍA
“Strange Mercy” de St. Vincent

Porque soy nostálgico del rock progresivo de los 70, y este disco siento que toma algo de ese sonido llegando a un resultado asombrosamente atemporal y único, sin un afán de modernidad. Y porque las canciones están muy buenas, todas.

FERNANDO MILAGROS
“James Blake” de James Blake

Porque soy un nostálgico del trip hop (broma). No, en realidad es un disco verdaderamente adictivo. ¿Quién dijo que para romperla había que hacer canciones bailables? ¿Quién dijo que para romperla había que hacer canciones pop? El minimalismo soul de Blake rompe todos los esquemas de los bloggers. En otras palabras, le vendió pan a los panaderos.

MORENO (elegidos por Giancarlo Landini)
Internacional: “Whokill” de Tune Yards

Dentro de toda la oferta musical que existe hoy en día, me parece que es una de las propuestas mas frescas e interesantes que he escuchado.

Chileno: “Engaña” de The End Of Samsara

Siempre me gustó Griz, pero me gusta mucho más lo nuevo que esta experimentando musicalmente mi amigo Roberto Oyarzún (ex guitarra de Griz).

GEN
Internacional: “House of Balloons” de The Weeknd

Porque es un álbum en primer lugar de libre descarga, con espíritu independiente y el supuesto R&B mutante que explora suena fresco pese a que recurre a tópicos de la música negra ya conocidos. Géneros aparte, las canciones tóxicas, románticas y melancólicas del disco son lo más adictivo que escuché este año. ‘The morning’ te mata de entrada.

Chileno: “Al Vuelo” de Fakuta

También por su sentido independiente, además es de lo más honesto y creativamente producido que escuché este año, se agradece entre tanto pop a veces un poco sobreproducido.

GEPE
“Astro” de Astro

Hizo que me gustara el rock un poco más. Ver que tiene posibilidades y puede abrirse hacia otros espacios.

MATÍAS CENA & LOS FICTIONS (elegidos por Matías Cena)
Chilenos: “San Sebastián” de Fernando Milagros y “La Bestia” de La Big Rabia

Ambos muy distintos, pero responden a estilos que me gustan mucho.

Internacional: “Ashes and Fire” de Ryan Adams

Es el renacer de Ryan Adams, y lo hace de manera gloriosa. Con temas muy bien compuestos, letras muy sencillas y se nota que muy honestas. ‘Lucky Now’, de hecho, es una canción dedicada a la muerte del antiguo bajista de The Cardinals, Chris Feinstein. ¿De qué forma te gustaría volver a los escenarios? Con un disco que te valorice como compositor. En eso Ryan Adams gana, es muy influyente e inspirador.

PERROSKY
Chileno: “La Bestia” de La Big Rabia (elegido por Alejandro Gómez)

Creo que es una propuesta fresca hecha por grandes músicos, muy buenas canciones por lo demás y creo que se logra transmitir perfectamente su esencia y energía.
A pesar de ser un disco corto, me da para pensar que los tendremos un buen rato haciendo de las suyas.

Internacional: “Bad As Me” de Tom Waits (elegido por Alejandro Gómez)

Para mí, Tom Waits es un artista que constantemente está en movimiento, dándole una vuelta de tuerca a la música de raíz gringa, siempre se destacan las sonoridades de los instrumentos y la oscuridad o melancolía con que pueden sonar, nada que decir, como todos bien sabemos es un grande, pero él demuestra en cada disco que hace.

PORTUGAL
Chileno: “San Sebastián” de Fernando Milagros (elegido por Rodrigo Saez)

Es un disco profundo, distinto y de buen gusto de principio a fin. Me gusta esa combinación que hay de los planos gigantes de percusiones, de los instrumentos acústicos y la guitarra eléctrica que juega un papel increíble en el disco y siento que te transporta a la temática de los temas. Escucharlo con audífonos es recomendable, pero lejos lo mejor fue escucharlo en vivo en el GAM.

Internacional: “James Blake” de James Blake (elegido por Mariano Hernández)

Generalmente me gusta una cancion, un disco o una banda porque me sorprende, en el sentido de que pienso que jamas se me habria ocurrido hacer algo así. Entonces siento la urgencia de mostrárselo a alguien importante para mí, para que pueda sentir eso mismo que me está pasando. Eso me pasó con este disco. No fue instantáneo, lo reconozco, pero ahora no sale hace un buen rato de los discos en mi iPod.

TUNACOLA
“Astro” de Astro (elegido por Paz Court)

Por su sonido fresco, espacial, las melodías saltonas, voz aguda, ricos sintes, letras psicodélicas y las ganas de primavera, verano, campo, playa, montaña y salir y correr y jugar que dan. Les amo.

PASTO
“San Sebastián” de Fernando Milagros (elegido por Eduardo Saavedra)

Creo que ‘Piedra Angular’ y ‘Nahual’ son supremas, con lindas letras y coros. Me gustó escuchar ese formato de banda sustentando las canciones, que casi parecía extinto entre tanto sintetizador, beats y toda esa cosa bailable tan en abundancia últimamente.

DËNVER
“Kaputt” de Destroyer (elegido por Milton Mahan)

No sé si sea el mejor álbum, pero me dejó pegado mucho tiempo por la elegancia de su sonido, lo cuidado de los arreglos y una exquisita revisión de música negra, pero muy bien llevada a nuestros días. Además, hizo que me reconciliara con el saxo, instrumento complejo que si no es bien llevado es muy fácil que vuelva vulgares las canciones.

LA REINA MORSA (elegidos por Juan Fernando Rubilar)
Chileno: “Éxito Mundial” de Adrianigual

Porque me encantó su primer disco y con este se tiraron a la piscina y apostaron por el giro de tuerca, se nota la honestidad y las letras complementan y le ponen un toque punk bien interesante a su música, punto aparte los shows en vivo, prendidísimos. Mención para “Astro” de Astro y “Flores como gatos” de Colombina Parra

Internacional: “Parallax” de Atlas Sound
Me encanta lo que hace el flaco Bradford Cox, cada disco que saca me sorprende, tanto en Deerhunter como en el plano solista y esta entrega no es la excepción, las atmósferas y las composiciones son increíbles, lejos lo que más me voló la cabeza este año, literalmente. Mención para “Futura Vía” de Bam Bam, son mexicanos y el disco es notable, una muy grata sorpresa.

THE GANJAS (elegidos por Sam Maquieira)
Internacional: “13” de Premonition 13

Si nos ponemos estrictos con la fecha de edición, el nuevo proyecto de Wino (Scott Weinrich) es sencillamente la raja, música densa y con cojones, algo que le ha hecho mucha falta a este 2011. Aunque “Tin Can Trust” de Los Lobos, que salió en diciembre del 2010, es lo mejor que he escuchado en todo el año. Excelentes canciones e impresionante sonido como siempre. Creo que es lo mejor que han editado, para mi gusto, desde “This Time” (1999). Un álbum simple y con mucho corazón.

Chileno: “Far and Close” de Chicos de Nazca
Esta buenísimo. el otro día los vi en vivo y están sonando mortal, alta dosis de sicodelia y groove.

PUAS PULSAN
“The Golden Age of Apocalypse” de Thundercat (elegido por Aldo Guerrero)

Me atrajo mucho por su calidad sonora, buena ejecución y lo principal, bastante variedad. Este disco es de mis favoritos este año, porque es entretenido y con mucho groove. Sus variadas apuestas sonoras lo hacen, en lo personal, un buen trabajo. Cuenta con toques de jazz, electrónica y una gran cuota de virtuosismo, además de contar con grandes invitados en sus temas, ideal para una tarde viajera.

DADALÚ
Chileno: “Al Vuelo” de Fakuta

Disco fino y lleno de hits e himnos pop.

Internacional: “Lioness: Hidden Treasures” de Amy Winehouse

Yo sé que no es un disco nuevo, pero soy mala para escuchar cosas del año y esto me gustó mucho porque soy fan de Amy.

TÍO LUCHO
“Scion A:V Presents” de Skream & Benga (elegido por Cristóbal Rawlins)

Creo que el dubstep tiene un gran avance en términos de manejo de sintetizador, el truco del LFO automatizado y la gran variedad de posibilidades que permiten los equipos de ultima tecnología, que hacen de este género uno de mis favoritos del último tiempo. Por mi parte, Benga es mi nuevo ídolo, estoy aprendiendo mucho de él y me ha dado nuevas inspiraciones con los sintetizadores.

DIEGO PERALTA
“Submarine” de Alex Turner

Para mí fue un año bien cinematográfico, aprendí a convivir como músico dentro de una sala de cine y me hizo sentir de algún modo que la adaptación de una composición es la que se puede sostener mas allá del lenguaje cinematográfico, trasciende como un objeto independiente y va formando parte de las cosas que terminas haciendo durante el día. Fue lo que me paso con “Submarine” de Alex Turner, un disco honesto y romántico que se vino a instalar con pocos instrumentos y un buen dominio de atmósferas. A pesar de su corta duración, es mi disco favorito y no necesita nada mas.

FAKUTA
“Wounded Rhymes” de Lykke Li

Por ser un disco que no sólo va a durar el 2011, es atemporal con un montón de canciones eternas que pueden ser como himnos de la tristeza o la melancolía, perfecto para el invierno y emo máximo. Además, Lykke Li me llamó la atención en su primer disco por tener unas canciones minimalistas muy buenas, aunque el debut no lograba ser tan bueno, en este segundo disco realmente se superó y es bacán ver a una artista aprender y crecer. Ella se mantiene al margen de los estilos, mezclándolos de una manera misteriosa, se mantiene lejos de las modas y tiene mucho más potencial, seguro va a sacar unos cuantos discos grandes más.

FOEX
“World Of Funk” de Shawn Lee’s Ping Pong Orchestra

Por concepto de sonido y produccion. ¡Excelente!

MARCOS MEZA
“Mis Regalos” de María Francisca

Porque conozco la composición y la intención del disco. Me dan ganas de tocar piano cada vez que lo escucho e imagino arreglos de cuerdas en cada nueva melodía que aparece. Como músico, busco inspiración en la música que elijo escuchar y en este álbum la encuentro.

CEVLADÉ

Gracias por considerarme, pero no me siento capacitado para responder. No escuché discos publicados este año, salvo uno que otro y la verdad es que ninguno me gustó mucho. Sorry si no fui de mucha ayuda, pero soy honesto, pa’ qué me voy a carrilear.

ALEX ANWANDTER
“House of Balloons” de The Weeknd

Es pop R&B muy sexy y oscuro. Letras sobre la decadencia, drogas, tristeza y amor. No es precisamente el disco más alegre del mundo (evitar en depresión), pero es buenísimo.

JAVIERA MENA
“Wounded Rhymes” de Lykke Li

Lo escuché un montón este año, para mí es un disco perfecto, ‘Sadness is a Blessing’, ‘Love Out of Lust’ y ‘Gerome’ son mis favoritas. Me identifico un montón con lo que dice, para mí ella es una inmensa poeta. Los arreglos también me parecen importantes, pero siento que son las canciones, su interpretación, letra y cadencia las que hacen de este disco intenso y grande. A Lykke Li la vi en madrid y fue la gloria.

LA BIG RABIA
“Bad As Me” de Tom Waits (elegido por Sebastián Orellana)

Porque es un disco que me ha acompañado en situaciones importantes y musicalmente está increíble, tanto los rockanroles como las baladas. Se nota que es un álbum muy maduro y que Tom Waits está mas vivo que nunca. Es un disco para llorar, para gritar, para bailar, etc. Tiene todo mi gusto y mi respeto.

THE HOLYDRUG COUPLE
“Dye it Blonde” de Smith Westerns (elegido por Ives Sepúlveda)

Encuentro que sus canciones son increíbles, me encanta la variedad de ánimos que tiene, muy alegre y fiestero a ratos y también melancólico y triste. Buenas letras simples y juveniles, sobre amor o cosas cotidianas, en resumen, pop muy bien hecho, citas muy buenas a David Bowie, T. Rex y Mott the Hoople, y una producción increíble, desde el sonido de las guitarras hasta los arreglos de sintetizador.

LOS ARMANDOS
“Wasting Light” de Foo Fighters (elegido por Diego Rammsy)

No sintiendo una personal empatía con este género musical, me sentí obligado a destacarlo, quizás por esa misma razón. Tiene temas tan redondos, de melodías tan bellas y bien armonizadas (‘Bridge burning’, ‘Rope’ o ‘Walk’), que podrían funcionar perfectamente en otros estilos musicales, fuera del rock, y eso es un gran mérito.

RAMIROQUIJANO
“Cripta y Vida” de Pedropiedra

No es necesariamente el mejor, pero es mi favorito. Un trabajo fresco, con letras entretenidas. ‘Occidental’ y ‘Vacaciones en el mas allá’ fueron los singles, aunque podría haber sido cualquier canción. Un muy buen disco, digno de rescatar .

CAMILA MORENO
“Whokill” de Tune Yards

Porque me abrió la mente a los ritmos africanos dentro de los loops creativos e irreverentes que hace la chica. Me alucina la cabeza, le amo.

THE PAINTINGS
“Own Your Ghost” de 30 & GOD

Porque mezcla sonidos acústicos con beats minimalistas y los entreteje con capas sombrías de teclados, efectos, loops y voces completamente opuestas.

“Collapse Into Now” de R.E.M.

Simplemente porque es el último disco en la historia del grupo, y eso es suficiente.

MATORRAL
“Anglia” de Mowat (elegido por Gonzalo Planet)

De los discos que escuché este 2011, éste me gustó mucho. El músico chileno hoy radicado en Alemania, Mowat, antes había producido “Los accidentes del futuro” de Leo Quinteros y “Que salgan los dragones” de Chinoy. Ahora que publicó un primer álbum solista, valoro que sus composiciones se escapen de las normas tradicionales, en un camino por encontrar una voz realmente propia y original. El disco además tiene la sensibilidad de transmitir sensaciones o estados de ánimo con climas y atmósferas muy bien logradas.

MANTARRAYA
Internacional:“Red Velvet Snow Ball” de Pepper Rabbit

Aunque suene un poco desconocido, está tomando fuerza en el circuito gringo, es un disco realmente inteligente, hecho con detalles totalmente específicos. Si tienes oportunidad de escucharlo, entenderás. Además, las canciones entran de golpe, no se necesita escuchar el disco mas de una vez para quedar encantado.

Chileno: “San Sebastián” de Fernando Milagros

Se lleva el primer premio. Nosotros encontramos que la escena de Santiago está repleta de grupos sobrevalorados y sobrepublicitados, y pensamos que la cultura musical chilena esta desfasada con las grandes potencias musicales como por un año. Al menos, eso ha disminuido con la globalización, pero ése sigue siendo uno de los grandes problemas causantes de que algo de Latinoamerica no impacte tan fuerte en el extranjero, ya que están desfasados los músicos y los oyentes.

Mención honrosa a Tune Yards por su disco “Whokill”, Merril Garbus tiene un genio de locos.

CORDEROLOBO
“The King of Limbs” de Radiohead

Lo elijo en discordancia con los críticos. No es su mejor disco, no va a cambiar la historia de la música, pero tengo que reconocer que siempre encuentro algo interesante en Radiohead. Un mérito después de todo el camino recorrido. No encontré ningún disco que me volara la cabeza este año, pero sí cosas interesantes. De seguro que “The King of Limbs” no aparece en muchos rankings, eso es lo bueno de no deber muchos favores.

ODDÓ
“Rebeldes” de Alex Anwandter

Este año, en general, le he puesto más ojo a los lanzamiento nacionales que internacionales, es raro ya que generalmente no es así. Podría decir que este disco es el que más me ha aportado y hecho reflexionar. Creo que tiene buenas canciones y esta súper bien armado. Lo que más me gusta es la propuesta vocal, tanto en el desarrollo de los distintos timbres como también en la interpretación. Estos elementos generan situaciones completamente distintas a lo largo de las canciones, y que junto con las melodías permiten mantenerte dentro del disco hasta su termino (por lo menos a mí).

PROTISTAS
“Days” de Real Estate y “We Must Become The Pitiless Censors of Ourselves” de John Maus (elegidos por Álvaro Solar)

Cada uno en su propio estilo logra esconder melodias adictivas en un sonido sin pretensiones comerciales. De lo nuevo fue lo que más escuche este año.

FÁRMACOS
“Within and Without” de Washed Out (elegido por Diego Ridolfi)

Porque lo he escuchado bastante últimamente. Me llama la atención el juego que hay entre lo muy atmosférico y el beat. Hay muchos guiños cercanos al ambient, pero durante todo el disco el beat está presente, lo que logra producir un viaje bastante agradable, que en momentos puede parecer monótono, pero el trabajo vocal de Ernest Green es hipnotizante. Hay buenas canciones y buena producción de la mano de Ben Allen de Animal Collective.

EL SUEÑO DE LA CASA PROPIA
Internacional: “Helplessness Blues” de Fleet Foxes

Soberbio en melodías y armonías vocales sublimes, emotivo al máximo y lleno de instrumentos bellos. Con una solidez digna de los grandes discos de los ‘70.

Chileno: “Sacándose uno” de Diegors

Para mí, el sello Cómeme ha logrado instalar una actitud, mas que una música, muy saludable. El hecho de tener su génesis en las fiestas y no al revés me parece muy honesto, es el lugar donde los autores se difuminan y sólo queda el ritmo. Este disco es un gran representante de esa mirada.

CÓMO ASESINAR A FELIPES
“El Arte Siga” de Púas Pulsan

Rap sin miedo a experimentar, atmosférico a veces, frenético en otras. Destacamos las canciones ‘Astronauta’ con Epicentro y ‘La Salida’ con Perrosky. Sonidos refrescantes para este 2011.

PEDROPIEDRA
“Viajes de Memoria” de Portugal, “Astro” de Astro, “Hot Sauce Committee Part Two” de Beastie Boys, “The Rip Tide” de Beirut, “Undun” de The Roots

… En realidad me gusta casi todo, no sé.

ASES FALSOS
“The Whole Love” de Wilco (elegido por Héctor Muñoz)

Debo confesar que, a primera escucha, me sentí decepcionado de la nueva entrega de Wilco. Las canciones no cuajaban del todo, y no podía ver la coherencia. Con más escuchas, lo vas agarrando y te das cuenta de algo: independiente de que si los temas actuales no lo logran, creo que no hay otra banda que logre plasmar en un disco la dinámica que manejan como banda en vivo, pasar de pasajes experimentales perfectos a canciones sencillas, de la mejor escuela clásica, de un track a otro. Wilco aún tiene su estrella encima.

ASTRO
“Cripta y Vida” de Pedropiedra (elegido por Andrés Nusser)

Porque es un disco que baila entre lo ácido y lo cálido, y es interesante como te provoca estados súper pedrosos.

Desde el primer momento, José Cerda -37 años, oriundo de Valparaíso- parece un hombre sencillo y que derrocha honestidad. Vive en Ñuñoa y, como en varios casos más, debe ganarse la vida en ilustres oficios para sustentar lo que es su pasión, lo que lo mantiene vivo: la música. Se fue de su casa a los 14, nunca estudió nada, tuvo problemas familiares y cayó en un hoyo profundo del cual salió componiendo melodías.

El Sueño de la Casa Propia parece ser su refugio y su impulso vital, el sitial desde donde observa y, sobre todo, escucha el sonido de la realidad cotidiana, para luego samplearlo en la suerte de collage popular y autobiográfico que es su catálogo. Hoy, con dos discos bajo el brazo -”Hogar” (Independiente, 2007) e “Historial de Caídas”, (Pueblo Nuevo, 2010)-, presto a lanzar un tercero y con una agenda movida, siente que está listo para dedicarse íntegramente a la aventura de la creación.

- En el pasado fuiste cartero y tuviste varios otros oficios para nada relacionados con la música. ¿Cómo es un día normal para ti? ¿En qué momento te dedicas a componer?

- Ahora trabajo en un taller de enmarcado de obras de arte. Me levanto en la mañana y voy para allá. En la tarde, después de la pega, y en la noche trato de crear algo. También los fines de semana. Si no es música, algo relacionado. Gestiones y cosas así. Ahora paso menos tiempo componiendo. Antes pasé por períodos donde no tenía trabajo y estaba siempre en eso.

- Es evidente que tu estilo tiene muchas influencias, pero se la asocia más a la electrónica. ¿En que momento comienzas a familiarizarte con esta música, a escucharla?

- Hace años ya. En los ’90 me apesté del rock. Cuando chico me gustaba el hardcore, el punk, el metal. Después pasé a lo “alternativo”, me metí en el post-rock y, en paralelo, con la electrónica abstracta tipo Warp. Ahora no hay un estilo que me deje loco, en realidad escucho poca música. Discos completos, no. Lo electrónico viene de las cosas que oía cuando pendejo. En realidad, lo que tengo es la información acumulada en esos años. A veces sampleo cosas que ni escucho: una parte de una canción que encontré buena, una artista de los ’70, cualquier huevada.

- Tu identidad como músico también es una mezcla de esos sonidos. ¿Te identificas más con la electrónica, con el pop, o te sientes aparte de todo eso?

- No me identifico con ninguno, pero el camino del pop me acomoda más. Creo que se abusó un poco de lo experimental y ahora hay huevones que dan lata. Pueden ser ellos o mil tipos más. Mira el noise: suenan todos iguales. Creo que puedes decir más con el pop porque es un formato simple, rápido, directo. Yo sé que quiero hacer canciones, me gusta el formato. Y eso exige tener algo que pegue directo, que se impregne. Es un desafío.

- Tu música, al ser instrumental, carece de mensaje directo, pero los títulos de tus temas juegan con clichés e ironías de la cultura popular. ¿Qué te interesa de todo eso?

- A mí me cuesta mucho separar mi obra de mi vida personal. Todos esos títulos tienen que ver con algún momento de la vida cotidiana. Me gusta eso. Algo que escuchaste, te llamó la atención y te cagaste de risa. Así, de alguna manera, mandas un contenido que no existe verbalmente. Entonces le pones un título, porque las letras igual son engañosas. Si tiras sólo una frase, está sujeta a interpretación y es más abierto. No es dogmático. Te hace pensar. No me interesa interpretar al pueblo ni esas huevadas, eso es ser barsa. Si viviera en otro país, las cosas serían distintas. Tampoco me interesa representar lo chileno. Yo hablo por mí.

- ¿De donde nacen las ideas, la inspiración para crear tu obra?

- Por un lado está, como te decía, la inspiración cotidiana. También hay días en que aparece esa energía creativa, en que tienes que componer lo que sea y muchas veces el trabajo te lo impide. Para crear busco cosas que, de alguna manera, ya existen. A veces, un fragmento de algo que oíste te lo dice todo, te dice “aquí tienes la canción”. Es todo muy libre. Si me pusiera horarios, quizás no haría nada. Lo que más disfruto de ser músico es ese proceso. Cuando termino un tema me siento eufórico, ¡la raja! Me dan ganas de tomarme un copete, es como un descanso.

INDEPENDENCIA COMO ESTILO DE VIDA

- “Historial de Caídas” fue un disco bastante autobiográfico y su título da una idea sobre lo que hay detrás…

- Más que tener claro lo que es un álbum, lo que quiero es sólo hacer música. Expresar lo que tengo en la guata, decirlo, desahogarme. Me cuesta separar mi obra de lo personal, son como lo mismo. El primero sí fue autobiográfico, pero no porque lo haya buscado. Era inevitable. Lo hice después de cosas malas que me pasaron, fue un resultado de eso. Fue un momento en que caí en un hoyo, salí y me encontré con este proyecto. Fue mágico. Una de esas situaciones en la vida en que dices “¿Qué hago ahora? Esto. Esto es lo que tengo que hacer”.

- Desde hace unos meses estás componiendo temas para un nuevo álbum. ¿Has pensado algo acerca del concepto, en relación al anterior?

- Antes dije que iba a estar listo a fines de este año, pero no se pudo por tiempo. No hay nada planeado. Después de que el disco se completa, trato de entender lo que es, intento descifrar qué hay detrás. Pero el proceso no es muy pensado; más bien, dejo que fluya. No podría definir cómo va a ser mi próximo trabajo porque no está listo y me cuesta someterme a estructuras rígidas. Quedo paralizado, no puedo actuar. Cuando está terminado viene el título y lo demás.

- Musicalmente, ¿sigue la línea del anterior o hay sonidos nuevos, ideas que querías probar?

- No quiero que se parezca al anterior. Se va a asemejar en algo, porque lo hice yo, pero me gustaría que el tratamiento del audio y la grabación se hicieran en un estudio. Me gustaría jugar con esas posibilidades, esa interacción. No quiero que sea más profesional, pero sí más real. Que el sonido tenga que ver con el entorno. Con “Historial de Caídas” hice archivos y los pasé para masterizar. Es un juego ahorrativo. Quiero también que la intensidad de la música varíe. Sería más entretenido. No sé que pensará la gente al respecto, pero el álbum anterior, que me gusta mucho, tiene ese pequeño defecto: es como un solo estado de ánimo. Pienso que es demasiado barroco, atiborrado. Quizás eso es algo a corregir. A veces, cuando tienes demasiado es porque no hay una buena idea y metes cosas para ver qué sale. Las mejores ideas son las más simples, directas.

- Considerando que un netlabel tiene una postura casi ideológica al respecto, ¿has pensado lanzar este trabajo físicamente, o quieres seguir regalando tu música por Pueblo Nuevo?

- Estoy en una encrucijada. Quiero seguir en un netlabel, porque tengo alguien que me ayuda a difundir. Pero también quiero sacar lucas y hay sitios como Bandcamp, por ejemplo, donde pones tus canciones y cobras lo que quieras, pero nadie te apoya. No tienes un grupo de gente que de repente te invite a tocar, cosas así. No sé todavía cuál será mi decisión. En Pueblo Nuevo tienen una postura casi política con el tema de la música gratis y me gusta, pero ése es un lujo que te puedes dar cuando te entra plata de otras formas. Yo tengo que estar trabajando en cualquier cagada. ¿Quién no quisiera vivir de la música? Más que una carrera, quiero sustentar un estilo de vida. No someterme a hacer huevadas que no quiero, ir a lugares que no quiero o cumplir normas.

- También has dicho que te gustaría salir al extranjero, por la pocas oportunidades que un músico como tú tiene acá. ¿Ves como una posibilidad real irte en el mediano plazo?

- Si en este momento tuviera lucas para irme, me voy. Estoy tratando de mostrarme harto acá para poder llegar a eso, pero no sé si va a pasar. Aquí no están las chances para lo que quiero, no hay mercado. Mi música no es realmente pop, es una huevada rara, y sé que nunca me va a ir tan bien. No va a pasar de una palmada en la espalda, una invitación a un festival y que te paguen cada dos meses. Tampoco sé si sería tan apreciado afuera. Al ser instrumental, mi mensaje no es tan directo y puede entenderse en cualquier parte, pero no sé. Por lo menos, después de “Historial de Caídas Remixes” (2011) se generó buena onda con músicos y gente de afuera.

- Pero te están invitando a eventos más masivos: Primavera Fauna, Mutek, Lollapalooza Chile.

- Lo de Primavera Fauna estuvo muy bueno. Lo pasé muy bien, fue una buena apuesta. Si te fijas en Maquinaria, por ejemplo, traen a puros grupos de los años ’90. ¡Hasta cuándo! Pero no sé si esas invitaciones son por el trabajo que he hecho o por mi música. Creo que ha sido una mezcla de ambas. Traté de hacer un buen disco y me he movido harto. También tiene que ver con que están pasando más cosas acá. Hace unos años no había festivales así. Responde un poco a todo eso.

- ¿Qué te parece la oportunidad de tocar en Mutek? ¿Te gusta?

- Me gusta, porque si hablamos de eventos de proyección internacional, éste es el más importante. Además, ahora es algo mucho más grande y variado. Está Mostro, De Janeiros, no es el punchi punchi clásico. Tienes un abanico más grande, más actividades. Es interesante, cualquiera quisiera estar ahí. Me dijeron que no hay backline, así que no sé si toque en el mismo formato. Pero sí estoy preparando un show audiovisual. Algo distinto.

- ¿Hay músicos extranjeros dentro del cartel de Mutek que te gusten?

- Nicolás Jaar. Lo poco que he escuchado, me gusta, aunque esté como de moda. ‘Mi Mujer’ es muy buen tema. Pero no conozco a todos. Cacho a Pole, a Deadbeat. Otro extranjero que me gusta, al que deberían traer, es James Blake. Es seco. Aunque hubiese cobrado lo mismo que Jaar. Me gusta la mezcla que hace, reinventar el soul con ese ambiente enrarecido, con el dubstep. Además, todo tocado en vivo, las polifonías vocales… Es la zorra.

LA ERA DE LA SENSIBILIDAD

- ¿Qué estás escuchando últimamente?

- Me gusta Arthur Rusell, por ejemplo, pero no te sabría decir más. Sólo escucho Radio Duna en la tarde. Cuando me ha tocado poner música he revisado discos, pero me ubico más dentro de lo chileno. Me gusta lo que hace Michita Rex. Me gusta Protistas, porque se desmarcan de esa tendencia media “femenina gay” que domina la escena del pop independiente, característica de Adrianigual, el mismo Gepe o Fakuta. Los meto dentro del mismo saco. Protistas le encuentra una cara distinta a eso, más rockera, masculina. No lo digo peyorativamente: es sensibilidad masculina.

- Se ha hablado mucho del llamado “boom del pop chileno” y el éxito de artistas como Javiera Mena o Dënver en el extranjero. ¿Es merecido o crees que es más un fenómeno comercial?

- Es un fenómeno comercial, pero también es merecido. Responde a una estética que se consume mucho en España, Argentina, y que corresponde a una generación en particular. – Ese pop de sintetizadores. Hacen canciones potentes, igual. No me extraña que les vaya la raja allá. Los Dënver, por ejemplo, no me gustan. Pero son buenos. Antes teníamos un sello, Neurotyka, y tocamos varios veces juntos. Siempre supe que les iba a ir bien porque hacen buenas canciones, pegajosas. No es lo que me gusta ni lo que quiero hacer, pero sí metería a la Mariana a cantar en un tema mío, en un contexto distinto. El boom del que hablas tiene que ver con ese espíritu “ingenuo, femenino, gay” que se ha apoderado del momento. Estamos en la etapa de lo sensible. La época de la agresividad y la mala onda pasó. Y me parece súper bueno, porque la testosterona destruye el planeta y no hay nada más latero que un huevón agresivo y malo. Una lata.

- ¿Tienes algo planeado para el 2012?

- De seguro sacar el disco nuevo. Ya se ha dilatado mucho. Además, me dieron fecha de término en la pega: fin de año. La raja. Me voy a dedicar a esto, porque el trabajo me quita tiempo y energía, llego a la casa y sólo quiero dormir. Va en contra de mi labor creativa. He pensado desarrollar más lo audiovisual. Estoy al debe en eso. Quiero hacer, si es posible, videoclips más pro. También tengo ganas de tener músicos en vivo. Vocalistas, me gustaría. Por ahora estoy trabajando con bajista y tecladista. Quiero formar una pequeña banda, ampliar la propuesta, darle más vitalidad. Toco todo en vivo, pero sería más atractivo visualmente. Más entretenido, energético. Además, ocupo tanto sampler, que meter más voces e instrumentos reales le daría más peso.

- Para terminar, pensemos en el futuro más lejano: ¿qué música te ves haciendo en cinco años?

- Definitivamente algo distinto respecto a mi obra. Me carga la inmovilidad. Pero no sé qué estaré haciendo, exactamente. Quizás trabajar con músicos en vivo, ocupar más voces, invitar gente a cantar. Incluso hacerlo yo. Por ahí va la cosa, creo. Quiero tomar caminos inesperados.

Por Paulina Machado

Leah, como la miembro de llegada más reciente, ¿cuál crees que ha sido tu contribución a la banda?

Leah: Es muy difícil para mí decirlo, porque yo soy parte de ella, entonces no creo tener una visión muy objetiva. Todos escribimos y las canciones salen de jams o alguien tiene una idea y se la muestra al resto. Nadie tiene un rol definido, ni trabaja en eso. No te podría decir cómo era la banda antes, porque yo no estaba, pero ésa es nuestra fórmula.

Mucha gente te pregunta cómo es estar en una banda de rock con dos hombres, ¿por qué crees que piensan que es anormal que una mujer toque rock?

Leah: El género no tiene nada que ver con lo que haga una persona. Incluso como baterista me etiquetan y separan del resto por ser mujer y creo que es ridículo. Es el año 2011 y la gente sigue haciendo diferencias entre géneros. No me gusta esa pregunta, me molesta un poco, porque encuentro que es tonta. Gracias por preguntarme esto, porque hace tiempo quería decirlo.

Peter: Esto me recuerda a una película, creo que es de Jim Carrey. Ahí él le hablaba a su hija pequeña y le decía “tú eres la más débil, tú eres del sexo débil”, para molestarla (risas)

Leah: Sí, quizá es por este instrumento en particular, pero no veo por dónde una mujer no pueda tocar batería, quizá la gente piensa que es por una cosa de fuerza, que el hombre es más fuerte que la mujer físicamente.

¿Cómo ha sido producir, grabar y mezclar su propia música desde que dejaron Virgin?

Peter: Bueno, hemos estado en Virgin, RCA e incluso estuvimos en Island de Inglaterra por un tiempo. En ese entonces teníamos ingenieros que mezclaban, producían y grababan. Ahora lo hacemos todo nosotros en casa. Es estresante y eso nunca es bueno, pero nosotros vivimos el momento.

¿Volverían a firmar con una gran compañía para volver a tener todo eso?

Peter: Es que nunca nos importó mucho, pero al mirar hacia atrás, hay que reconocer que ellos nos ayudaron a llevar comida a nuestros hogares de todas maneras.

¿Pero, cuando estaban en Virgin, ellos controlaban mucho el proceso creativo o incluso cómo debían lucir?

Peter: Lo intentaron, pero nosotros no lo hicimos. Intentaron darnos lecciones de cómo hablar en las entrevistas. Creo que tenían una idea de cómo querían que sonáramos y nos viéramos, para los vídeos traían estilistas y nosotros los echábamos. Pero, en una ocasión, Rob les robó un par de botines (risas).

Robert: Sí, eso es verdad.

Pero a pesar de que no les gustaran los estilistas ustedes tocaron en New York Fashion Week, donde Robert usó vestido.

Robert: Durante algún tiempo (risas).

Leah: Es que luce hermoso con vestido.

Robert: Los que no la hayan visto deberían googlearlo entonces.

¿Se sienten identificados con la cultura de los 99 centavos por canción?

Robert: Yo creo que mis canciones deberían costar al menos 1 dólar, los 99 centavos son una estafa. Porque, ¿qué pasa con ese centavo? Es un centavo perdido (risas)

Pero ustedes también sacan discos en formato vinilo.

Robert: Creo que las personas compran vinilos en esta época por la necesidad de tener algo de forma física, para poder sostener tu disco. Porque mientras más pequeñas se hacen las cosas, menos puedes verlas. Creo que al transformar a las bandas y la música en gigabytes, las personas están perdiendo esa sensación de tener algo en tus manos que se sienta real. La gente compra vinilos porque extrañan sentir eso.

Y también porque es un sonido mucho más fiel y completo.

Robert: No creo que sea por eso, porque o si no, la gente no se volvería loca por comprar versiones de lujo con arte especial y todo ese tipo de cosas extrañas. Deberían comprarlos también por el sonido, pero tiene que ver más con la nostalgia de algo físico que puedan apreciar y tocar.

Entonces ustedes no se sienten parte de la era digital, ¿tienen Facebook, Twitter?

Leah: No y no. Yo tenía Facebook y Myspace, pero luego me abrumó todo y lo cerré. Es realmente muy aburrido.

Peter: Tenemos a una persona que hace eso por nosotros, un community manager.

Peter y Robert, ustedes celebraron su decimotercer aniversario tocando juntos y supimos que fueron a Camboya

Robert: Sí, es verdad, pero Pete no pudo ir porque tenía que volver a cumplir ciertos compromisos.

Peter: Sólo fueron Leah y Robert.

Robert: Fue un viaje maravilloso. Estuvimos tocando en China, que fue realmente increíble y siempre quise ir a Camboya. Anduvimos en moto por los bosques, muchas veces no podíamos continuar, así que teníamos que cambiar la ruta, pero fue increíble.

¿Y qué pasa con el nuevo disco? ¿Están trabajando en él?

Leah: Sí, estamos trabajando en él. Nos hemos juntado a componer, pero ahora estamos acá. Así que cuando regresemos a casa seguiremos en eso. La verdad no hay mucho que contar, pero estamos trabajando en eso.

La pregunta típica: ¿qué les parece Chile?

Leah: Es muy lindo y la comida es muy buena.

La persona que los acompaña me contó que no han salido a “carretear” y que sólo salieron a comer anoche a un restaurante, son muy profesionales.

Peter: Es que guardamos nuestros problemas para nosotros.

Pero si durante el concierto estuviste pateando al camarógrafo…

Peter: Yo no lo pateé, sólo estaba jugando con él para que no me grabara.

Por Felipe Mardones

Fanático del death metal, músico electrónico y narrador audiovisual. DJ Fracaso combina esas tres personalidades en “Cadáver de perro al sol”, trabajo de libre descarga publicado por el sello nacional Pueblo Nuevo y que, además de ser un recopilatorio de sus mejores canciones y videos, es una demostración de cómo remecer al auditor/espectador con piezas que, al unir sonidos e imágenes, se transforman en una fascinante provocación.

Recortes de la serie animada “Transformers” o “El Gladiador”, segundos de la película “Terminator” y varios planos de pornografía aparecen en los videos de Juan Chaparro, profesor de arte que comenzó a experimentar con la creación audiovisual hace más de diez años. La electrónica llegó después: cansado de escuchar death metal y ver envejecer su colección de discos, decidió tomar lo mejor de bandas como Carcass, Portishead o Slayer para unirlas a canciones como la reggaetonera “Baila Morena” de Héctor y Tito. Así nació DJ Fracaso, un hibrido entre programaciones, samples y videos.

Después de algunas presentaciones en vivo, DJ Fracaso publicó “Fracaso incendia el mundo” en 2001 (disponible aquí) y el EP “Fracaso asesina su familia” en 2003, discos con los que comenzó un tránsito por la música nacional que recién en 2011 volvió a dar frutos. A principios de este año, estrenó “Cadáver de perro al sol”, obra en la que reúne sus mejores canciones y videos y que se puede descargar libremente a través de Pueblo Nuevo, sello chileno especializado en música electrónica y no en death metal.

¿Por qué decidiste publicar “Cadáver de Perro al sol” en Pueblo Nuevo?

Llegar a Pueblo Nuevo era lo lógico, porque a los metaleros no les gusta lo que yo hago. Una vez toqué en un bar metalero y cuando terminé, el dueño del local me dijo ‘esto no es metal’. Quizá no le gustó porque algunas canciones tienen reggaeton. Lo que yo hago le gusta a la gente más rara, a los que están más pendientes de la música electrónica, porque cuando vas a un recital de death metal vas a puro escuchar un ruido que no tiene ningún sentido.

La figura del DJ generalmente se asocia al que está en las fiestas para satisfacer al público. Sin embargo, tus canciones y videos no tienen nada de complaciente.

Al principio yo veía a los DJs como una pérdida de tiempo: un tipo que ponía canciones una después de otra. Eso no tiene ninguna gracia. En ese tiempo yo pensaba ‘qué basura más grande la música electrónica, hay que hacer algo con ella’, pensaba que debería ser distinta.

¿Así llegaste a la idea de comenzar como DJ Fracaso?

Más o menos. Me acuerdo de que estaba ebrio y le conté a unos amigos que iba a hacer música y que me había comprado un computador. Un amigo me dijo ‘ponte DJ Fracaso’. Ahí no tenía idea de música electrónica, de hecho, hasta el día de hoy no me gusta la música electrónica, pero me gustó el nombre porque creo que el fracaso es la mejor manera de avanzar. Mientras más la cagues, más vas a poder saber todo lo que no funciona.

¿Cómo reacciona la gente con tus canciones y videos cuando tocas en vivo?

Lo más bacán ha sido un caballero mayor, un tata, que me abrazó y me dijo ‘me encanta lo que haces, pero tenís que hacer algo más melódico porque no se entiende nada’. También me acuerdo una vez en un FOBIA (festival de música experimental organizado por Jacobino Discos y Productora Mutante), cuando a un loco le dio un ataque de epilepsia y yo me sentí súper responsable, porque las imágenes que ocupo pueden inducir un ataque así. No sé si le dio por eso, pero le pasó después de verme tocar. Fue triste esa cuestión. Después fui a darle la mano al loco y no se acordaba de mí.

¿Qué lugar ocupa, entonces, el espectador en tu música? ¿Piensas en la gente que te va a escuchar y ver cuando haces las canciones o pasas por alto ese detalle?

Siempre pienso en el público, sobre todo en las partes en las que quiero que reaccionen. Por ejemplo, en las tocatas uno puede ir mirando en el estado que queda la gente. Ahí pienso que si hago algo se genera tal cosa. Me pasó cuando vi a la primera persona que gritó ‘oooh’ conmigo; ahí dije sí, esto está funcionando. Porque me di cuenta de que se generaba una euforia que, muchas veces, a la persona que hace las canciones no le pasa porque ya se las sabe de memoria. He aprendido y quiero que a la gente le sucedan las cosas que yo quiero. Es algo en lo que pienso porque al final cualquier cosa que haga se la termino presentando a la gente. Puedes ser súper experimental, súper abstracto y súper cabezón, pero igual eres un espectáculo, eres parte de un circo. Un payaso más.
Cuándo haces música, ¿la proyectas visualmente o primero vienen las canciones y después los videos?

Cuando hago las canciones, primero me las aprendo de memoria y después las hago. Los videos también: sé cómo empiezan, cómo terminan y qué va al medio. En mi caso no me gustan muchos los videos experimentales, pero sí me gustan los relatos, de hecho me gustaría hacer cine… Ahora que lo pienso, el otro día estaba enfermo, con fiebre, y el día anterior había visto una cinta que tenía de los “Transformers”. Después tuve unas pesadillas y me di cuenta que eran las mismas imágenes que aparecían en los videos. Mis pesadillas son lo que ves en mis videos: me gusta el porno, me gustan los “Transformers”, me gusta “Terminator”. Son cuestiones que están en mi cabeza y necesito sacarlas. Me persiguen.

Pero esas narraciones de tus videos igual están diciendo algo que va más allá de tus pesadillas.

Claro, además de la canción, siempre se está poniendo un juicio sobre la mesa respecto a lo que significa la música y eso es lo que ve la gente. Pero la verdad no es algo que piense tanto. Siempre estoy pensando en mujeres desnudas. Es un problema que tengo. ¿Cachai Korn? ¿La canción ‘A.D.I.D.A.S.’? Es como esa onda… Son cuestiones incontrolables que al final terminan diciendo mucho. Mucha gente se siente representada, pese a que otros no le encuentran ningún sentido. La gente le da el sentido. Por eso prefiero que sea la gente la que me diga qué es lo que piensa cuando ve los videos. Es un trabajo que está hecho para que la gente diga algo, no es el show de un músico tradicional.

Publicaste tu disco en un sello dedicado a la música electrónica, pero lo tuyo viene del metal. ¿Te relacionas con músicos electrónicos de acá?

Ahora he conocido más músicos electrónicos. Pero me he dado cuenta de que hay una frase que cuando aparece es porque es verdad: cada vez hay más poseros, y todos están haciendo puras basuras, y en todos los sentidos, pero se nota más en la electrónica, con gente que lo único que quiere es darle el palo al gato. Por eso mismo yo prefiero mantenerme alejado.

Pero igual al publicar un disco, y más encima de descarga gratuita, empiezas a formar parte de un grupo de gente, de un sector, aunque sea pequeño, de la música nacional. No es que estés tan alejado de lo que pasa con las otras bandas.

A mí lo que me interesa harto es lo que pasa cuando las personas toman lo que tú haces y hacen algo más. Me ha pasado que me han escrito un par de locos que han hecho videos con mis canciones. Hay como tres videos por ahí. Esa es la única relación que uno puede tener con la gente. Me acuerdo que cuando hice unas canciones con partes de Slayer, yo le escribí a los locos, les mandé un correo, pero jamás me contestaron. Para eso uno hace música yo creo, para que pase algo así.

¿Y qué opinas del auge de la música chilena actual? Parece que todo el mundo está haciendo cosas increíbles y que el mundo recién se está enterando que existe Chile.

Eso es lo mínimo. Me acuerdo de un periodista de Canal 13, que usa lentes – Andrés Caniulef- que se llena la boca con los músicos chilenos, pero nunca los nombra. Y cuando los nombra, nombra a cuántos, no sé, al 10% de los músicos. Es poca la difusión. En verdad, el boom de la música chilena no da ni para petardo. Hay miles de personas haciendo canciones, pero nadie sabe. Creo que a la música chilena, y sobretodo al underground, se le está dando más importancia de la que tiene. En verdad, esta cuestión no le importa a mucha gente. Que yo saque un disco no le importa a mucha gente. De hecho la mayor cantidad de descargas que tiene Pueblo Nuevo son 100.000… ¿Cuántos es eso? Uno puede pensar que es caleta, pero en verdad no es nada. Vivimos en una ilusión que a nadie le importa, porque la gente está preocupada de puras hueas. Ahora por ejemplo, hay miles de personas protestando en la calle, pero la gente está preocupada de otras cosas. Ante esa indolencia uno hace lo que puede.

¿Qué cosas te llamen la atención de acá? Porque en tus videos y canciones los referentes son bien lejanos.

Me gusta Congelador, me gustaría tocar con ellos. ¿Algo que me guste de ahora? Fakuta, también Fredi Michel. Me acuerdo de la fonda Michael Jackson del año pasado y me gustó la actitud de Fredi Michel, como despreciando a la gente. No creo que sea cierto, no creo que la loca –la cantante Andrea Guerrero- odie a la gente, pero es una actitud que toma en el escenario. En el caso de los videos tengo algunos de Michael Jackson que me gustaría ocupar y ponerle la cara de Felipe Camiroaga, pero ahora alguien podría llegar a violentarme y eso es complicado, porque tampoco tengo que andar pasando peligros.

¿En qué estás trabajando actualmente?

Estoy terminando una canción para un disco que están armando los músicos de Lluvia Ácida para la novela gráfica “Policía del Karma” de Jorge Baradit. Es algo muy parecido a lo que hicimos con Synco. Pero el estilo es distinto, parece más una banda. De hecho, cuando lo escuché pensé que no era música electrónica, sino que una banda. Es chistoso eso, porque justo hace unos días vi unos videos de Marciano y pensaba en lo que terminó Sergio Lagos y pensé que era horrible y que me iba a pasar lo mismo, que me iba a transformar en una basura.

29 de agosto de 2009. Una fecha que quedará marcada de forma indeleble en la memoria de los seguidores de Oasis. Antes de subirse al escenario en el festival parisino Rock en Seine, la dinamita siempre acechante entre los hermanos Noel y Liam Gallagher no hace más que estallar. El altercado desencadena el abandono del mayor de los hermanos y, por consiguiente, el fin de una de las bandas más importantes que nos ha brindado el Reino Unido en las últimas tres décadas.

A más de dos años de ocurrido dicho episodio, afincarse en él resulta algo necesario para testimoniar lo que hoy es Beady Eye, la banda que por muchos es tildada como “los Oasis sin Noel”, y que tiene su debut en la calle desde los primeros meses de este 2011. “Different Gear, Still Speeding” es una obra que ha despertado buenos comentarios desde su edición, algo que no deja de asombrar a su guitarrista, Andy Bell: “Estamos sorprendidos. Desde el principio pareció gustarle a la gente, y ha sido muy gratificante ver cómo han venido las cosas”.

En un contacto telefónico, que tuvo lugar en medio de sus deberes con el grupo (“Estamos ensayando ahora. Los muchachos me están esperando en la sala”), Andy Bell nos habló de las motivaciones para rearmarse en el instante mismo en que Oasis se extinguía. Todo el mundo sabe, a grosso modo, que fue Liam quien elaboró la idea de seguir adelante. Así fue como, con las pulsaciones todavía a tope, y junto al resto de un contigente integrado por el baterista Chris Sharrock y el guitarrista Gem Archer, registraron su primer largaduración.

“Different Gear, Still Speeding” dejó en ellos una marca muy grande como para soslayarla. Para Andy Bell fue casi una declaración de vida: “El proceso de grabar el próximo disco será muy diferente al que vivimos ahora. La primera vez fue como tener la sensación de decir que estábamos vivos”. Palabras que delatan la interrupción o quizás la energía que desató la salida del hoy líder de los High Flying Birds, y que se complementan con esta declaración: “Por supuesto, es diferente. Siento que nosotros ahora (yo, Liam, Gem y Chris) tratamos de que la banda vaya hacia adelante, estamos todos empujando a esa dirección. En Oasis, era Noel quien se encargaba de eso”. Puede tomarse como una acusación, pero la verdad es que en cuanto a las normas estrictamente musicales en el disuelto quinteto de Manchester, era absolutamente claro quién tenía la última palabra.

Los aires de emancipación también pueden llevarse al modo de componer o de inventar melodías, y en Beady Eye, Andy Bell toma un mayor protagonismo en el engranaje de aquellas tareas junto con Liam y Gem Archer. La característica más llamativa es el hecho de que cambió el bajo por las seis cuerdas, pasando a ser el guitarrista principal, algo que ya es palpable en las presentaciones en vivo que ha tenido el conjunto en estos meses: “Personalmente, es muy diferente, porque es una cosa muy distinta cuando tú estás figurando como cantante de apoyo, y estás siendo el guitarrista líder. Es como estar en la primera línea, y el bajista no está en ese lugar. Es realmente diferente”.

A pesar de ser formalmente una nueva banda, el prontuario de Beady Eye es vasto. Además de la referencia obligatoria a Oasis, Andy Bell siente que su nuevo trabajo tiene mucho de los demás proyectos que sus integrantes traen como experiencia previa: “Se puede encontrar una conexión entre Beady Eye y esas bandas. Yo mismo puedo encontrar una conexión entre “Different Gear, Still Speeding”, “Nowhere”, de Ride, y “Definitely Maybe”, de Oasis, en el sentido de que se siente un álbum debut. Es el espíritu quien los conecta”. Un detalle que muchos de sus detractores -los mismos que acusan al grupo de no aportar nada nuevo musicalmente hablando- niegan. Otros, en cambio, ven en este implícito continuismo el ethos natural de la agrupación.

Precisamente, abordar el tema de Ride, conjunto que el inglés formó y cuyo primer disco, el mencionado “Nowhere”, cumple veinte años este 2011, no es ninguna carga para él. Sin adentrar demasiado, para no perder el foco, Bell asiente en que fue una aventura que ama demasiado, y que por ahora no tiene intención de retomar. Sus palabras son categóricas al respecto: “Me siento bien con lo que estoy haciendo ahora mismo. Probablemente vuelva en algún momento, cuando esté seguro de ello, pero no hoy”.

Una constante en la gira de promoción de Beady Eye ha sido el uso de pequeños escenarios, todo lo contrario a los grandes estadios en que se presentaban en los días de Oasis. Contrario a lo que podría esperarse, el grupo no se hace complicación alguna con su nuevo estatus: “Nos ha encantado tocar en este tipo de lugares, hacer shows más íntimos, a mi me gustan… No importa mucho la cantidad de público, tocaremos donde sea que haya gente”.

EL FACTOR NOEL Y EL FUTURO COMO AGRUPACIÓN

Con el disco debut, también comenzó la tanda de comentarios dispuestos a acentuar la rivalidad existente entre los hermanos Gallagher, caldo de cultivo que está hirviendo con el inminente lanzamiento de “Noel Gallagher’s High Flying Birds”. Frente a esto, Andy Bell no ahonda en temas personales y claro que tiene palabras para su ex camarada: “Escuché ‘The Death of You and Me’, y es una gran canción. Tú sabes, si has sido grandioso, continuarás siendo grandioso”. Más que términos de buena crianza -que no son necesarios-, se aprecia en Andy Bell una capacidad de poder separar los temas personales de los musicales.

Una gira que los hará debutar como banda en nuestro país, en el escenario de Industria Cultural, tiene al grupo con mucho entusiasmo, incubado en buena parte por la gran recepción que han tenido las veces que vinieron a Chile con Oasis. Sus expectativas no son pocas: “Sólo puedo decir esto: si gozaron la voz de Liam con Oasis, con Beady Eye lo van a pasar bien en el concierto”.

Por ahora, el futuro de Beady Eye vislumbra en su horizonte un nuevo álbum, que está en plena composición según las palabras de sus integrantes, pero apurar el proceso no es algo que hayan elegido en esta ocasión. Está claro que el primer opus de la banda era un reto con ellos mismos, pero para esta secuela las cosas adquirirán cierta calma: “Todo lo que puedo decirte es que, cuando termine este tour, nos tomaremos unas pocas semanas para focalizarnos en otros asuntos, en lo nuestro, familias, esas cosas. Comenzaremos a hacer demos, y las canciones serán tomadas de esas sesiones. Y esperamos que el disco esté afuera para el 2012”.

Beady Eye presentará su flamante debut, “Different Gear, Still Speeding”, el próximo lunes 31 de octubre, en Industria Cultural (Cueto 1470). Las entradas se venden a través del sistema Puntoticket.

Elementos que saltan a la vista y llaman la atención cuando se habla de este quinteto, sobran. Su música, su estética, el arte de sus afiches. Sin embargo, en estas circunstancias, es inevitable comenzar la conversación preguntando por la evidente distancia entre la edición de su tercer álbum y su presentación en sociedad. Pero, para Sebastián Muñoz (SebaBala, bajo) y Felipe Salas (Metraca, batería), no es algo tan raro.

“Vamos viendo cuándo se pueden hacer las cosas, nada más. Hay que hacer las gestiones y situarlas en el contexto de una agenda con harta tocata. Ahora salió una buena oportunidad, en un lugar grande”, explica Muñoz. Además, la banda ya tenía una experiencia previa similar: “El “Disparo al Centro” se grabó en octubre del 2008, y el lanzamiento con orquesta (capturado en el DVD “Operación Teatro Oriente”) fue doce meses después”.

Metraca asiente y procede a explicar por qué “Colores y Cadáveres” no se publicó este 2011: “El disco estaba listo. Y si no lo sacábamos, entonces era necesario esperar hasta marzo o abril, cuando ya volviera la actividad. Nos daba lata. Además, nuestra política es ésa: hacer las cosas. Avancemos”.

Un detalle fundamental en este proceso es su asociación con el Bar The Clinic, con quienes están trabajando desde el año pasado, cuando financiaron las copias de esta placa tras una serie de reuniones. “Tenemos un pacto con ellos, así que tenemos que regirnos por los tiempos de ambos. Pero fue después de presentarles un proyecto, no es como que tengamos contactos o un pituto. De hecho, nos faltan”, dice SebaBala entre risas.

ES DIFÍCIL DESPEGARSE DE LOS CADÁVERES

Pese a que este disco salió el 2010, hay canciones que están circulando por sus sets en vivo desde mucho antes. Y es que “Colores y Cadáveres”, cuentan, fue un esfuerzo en que estuvieron enfocados por algún tiempo. “Después del segundo (álbum), las tocatas en vivo se estaban transformando en algo súper denso. No podían durar más de 40 minutos. Nosotros quedábamos cansados y el público también, era mucha información. La situación era bien tensa”, recuerda el baterista.

La idea, pues, era hacer algo más apacible: canciones un poco más livianas y frescas. El resultado de esa búsqueda son los colores, dicen, mientras que los cadáveres equivalen a lo que traen. “Es algo de lo que nos es difícil despegarnos, porque va con nosotros”, cuenta Muñoz. Las canciones nuevas cumplieron tan bien el objetivo que ahora suelen ser las protagonistas, “porque le van dando un buen sabor a los conciertos. Son más cortas, directas. Funcionalmente, están perfectas”.

En este mismo afán, es natural que el proceso de grabación haya durado sólo un día. Los temas venían con meses de ensayo en el cuerpo. “No estamos acostumbrados a otra forma de trabajo: llegamos listos. Siempre los tocamos en vivo, y también tenemos desapego, una actitud media punky de ir para adelante. No nos interesa quedarnos en el estudio. No nos obsesionamos, nos interesa más estar en la sala”. Incluso confiesan que en todos sus discos hay errores, pero eso no los complica. “Cierto error es parte de la música, también”, sentencian.

Esas minucias no quitan la inmensa admiración que existe entre cada una de las piezas de este engranaje sonoro. No dudan en reconocer la química de la sección rítmica que componen ambos con Marcos Meza (teclados), las letras imborrables de Koala Contreras o la inmensa labor de DJ Sp@cio a la hora de configurar su sonido. Fanático del cine negro e italiano, él es responsable de que sus mismos integrantes a ratos hablen de lo que hacen como “música incidental”. “Nosotros le damos una idea y él hace el guión. Es el barniz, él junta todo”.

TRASCENDIENDO EL CÍRCULO PROPIO

Hace rato que los Felipes trascendieron la barrera de tocar para amigos, pero lo de tener gente que no conocen cantando sus temas es algo que aún ahora les parece divertido (“en el Teatro Oriente, por ejemplo, ahí secuestramos a varios”, recuerdan). Sobre todo cuando piensan en cómo han llegado hasta dónde están.

“Nuestro único recurso potente es la música. Nuestros discos. Con eso tratamos de gestionar cosas, porque no tenemos grandes recursos. Nadie vive de la banda. Algunos hacemos clases, otros garzonean o trabajan en oficinas. Es un poco cuático, porque hay que tener dos personalidades: la persona y el personaje”, reflexiona Metraca. “Pero lo hemos sabido manejar”.

Al hablar de personas y personajes es inevitable pensar en los “Cabeza de Instrumento”, los protagonistas de sus logos y afiches que ya se han vuelto un sello inconfundible del grupo. “Los creó Ariel Altamirano (también conocido, entre otros nombres, como DJ DeMentira), él ha estado siempre con nosotros, desde el primer afiche en que sale un hueón tocando batería con una cabeza de caja. La idea nos gustó, la desarrollamos, después inventó el logo con los monos en la mesa y desde entonces están en todos lados”, recuerda el bajista. “Queríamos ilustraciones como de cine negro, y ahí están. Al principio lo guiábamos, pero ahora le encargamos los afiches y él nos sorprende”.

Un proyecto a futuro es sacar un libro de edición limitada con los flyers de sus distintos asesinatos (las tocatas en vivo), y quizás una exposición al llegar a los cien shows. La idea es hacerlo bien. El arte es un tema por el que se han preocupado especialmente, tal como muestran sus trabajos de estudio

“Nos gustan los conceptos”, afirma Salas. “En el primer álbum salimos peleando, matándonos. En el segundo estamos muertos, en nuestros ataúdes. En el tercero, estamos en el limbo, de ahí lo blanco y el diseño en espiral. No sé si iremos a resucitar ahora, pero todo lo hacemos por algo. Nuestros discos también son una historia, empiezan como termina el anterior. Con el mismo acorde. Siempre. Si pones los tres seguidos, va a sonar bien. Pero el arte es importantísimo. Nuestro principal secuaz”.

TODO SEA POR ALEXIS SÁNCHEZ

Lo de este viernes estaba planificado originalmente para las 21:00 hrs., pero hay dos problemas fundamentales que atentaron contra esa calendarización. Primero, que juega Chile con Argentina en el inicio de las eliminatorias/clasificatorias al Mundial de Brasil 2014. Y segundo, que los Felipes son futboleros.

“No puedes competir con eso, es obvio, así que corrimos la tocata para las 11 de la noche”, cuenta SebaBala. “Vamos a tener que llevar una tele para verlo, porque yo no me voy a ir de Matucana”. Y Metraca remata con un: “Todo sea por Alexis Sánchez… Ah, no, verdad que no juega”.

Tras un mes de ensayos especialmente pensando en este día, el set que mostrarán en vivo (calculan que serán unos 80 minutos) ya está armado y viene con varias particularidades. Muñoz las detalla: “Vamos a tocar el disco entero, de corrido, con todos los invitados y un par de sorpresas también. Hay temas que nunca hemos hecho en vivo antes. Y después, un popurrí con lo de siempre. Habrá una bonita escenografía, también. Los pequeños detalles hacen que el show sea más válido, siempre tratamos de preocuparnos de eso”.

Ya están pensando en lo que viene. En las composiciones futuras, en la búsqueda de nuevos matices y timbres sonoros. En intentar reinventarse. En, quizás, algún día decidir qué responder a la odiosa e inevitable pregunta del estilo en que se clasificarían. Pero todo eso vendrá después. Por ahora, la cita es a lo que ellos llaman “un reencuentro con los inicios de este disco”, aunque nunca han dejado de repasarlo del todo. No es necesario preocuparse por el óxido: a punta de versos y melodías, con las armas listas y aceitadas, los cinco elementos que componen Cómo Asesinar a Felipes están listos para entregar, valga la redundancia, el asesinato del año.

Cómo Asesinar a Felipes lanza oficialmente “Colores y Cadáveres” este viernes 7 de octubre, desde las 23:00 hrs., en el Centro Cultural Matucana 100. Será la única ocasión en que tocarán este álbum completo en vivo. La entrada incluye una copia del disco y un vituperio a cargo del Bar The Clinic. Todo por $6.000.

Cómo Asesinar a Felipes – ‘Así Como Que No Quiere la Cosa’

Por Paulina Machado y Kamila Muñoz.

Black Rebel Motorcycle Club volverá a pisar suelo nacional en noviembre, para tocar en la edición 2011 del Maquinaria Festival. Los de San Francisco lanzaron en marzo del año pasado su último álbum, “Beat the Devil’s Tattoo”, un disco que el próximo mes podremos disfrutar en vivo en el Club Hípico. POTQ habló en exclusiva con Robert Levon Been, fundador y bajista de la banda, quien desde su residencia en California nos cuenta detalles acerca de su visita y sus impresiones sobre el público chileno.

Son las 2 y media de la tarde en Los Angeles y Robert contesta el teléfono. Ha estado un poco enfermo. La semana anterior, recorriendo Camboya, se dedicó a probar las exquisiteces locales (saltamontes, tarántulas y cucarachas fritas) y el resultado fue una patada a su organismo. Así que, después de los deseos de una pronta recuperación, comenzamos nuestra charla.

¿Están trabajando en un nuevo disco?

Hemos estado ensayando en un estudio y probablemente podremos tocar uno o dos temas nuevos en Latinoamérica, si es que sentimos que están terminados.

¿Y cuándo podremos escuchar completo ese material?

En algún momento del próximo año.

¿Hay algún cambio a nivel compositivo o temático?

El disco tendrá una base política, pero también será personal. Hablará sobre los últimos años en nuestras vidas, y además habrá algunas canciones espirituales.

LO HERMOSO DE LA MÚSICA

La única visita de BRMC a la fecha fue en octubre del 2008, oportunidad en que nos mostraron parte de su amplio repertorio, que comenzó el 2001 con su debut homónimo. Una recordada anécdota es que, una vez terminado el concierto en el Teatro Caupolicán, Levon Been realizó una improvisada sesión acústica sobre un auto ante la mirada atónita de los fanáticos y de más de algún transeúnte en calle San Diego.

¿Qué recuerdos tienes del público chileno?

Es el público más energético, eléctrico y con más vida que he visto jamás. Es algo muy poderoso. Ese concierto es probablemente el más entretenido que hemos tenido. Es muy importante para nosotros volver a tocar frente a ustedes.

¿Qué podemos esperar de su próximo concierto en Chile?

Será, por supuesto, diferente al anterior. Lo hermoso de la música es que no puedes tocar el mismo sonido dos veces. Y la verdad es que no sabremos cómo será hasta que estemos allá. Vamos sin expectativas, porque hay que estar ahí para ver qué pasará. Depende del público y de cómo nos sintamos nosotros en ese momento.

¿Prefieren tocar en bares pequeños o grandes festivales?

La verdad es que prefiero un bar grande. Porque en un bar pequeño no podría entrar mucha gente.

¿Cómo?

Es que me dices un bar pequeño y pienso en un lugar diminuto (risas).

¿Con enanos?

No, gente de nuestro tamaño, pero un espacio pequeñito (risas).

¿Cómo los hongos de Los Pitufos?

Exacto, por eso preferiría un bar grande (risas).

Finalizamos la entrevista preguntándole si tiene algún mensaje para sus fanáticos chilenos, y él responde rememorando su improvisada performance callejera de aquella vez: “Estacionen su auto bien lejos del lugar donde tocaremos (risas). No, no esperen el mismo show dos veces”.

¿Vas a tocar arriba de un auto de nuevo?

No, no me voy a subir a un auto otra vez (risas).

Quizás esta vez deberías tocar sobre un caballo o en un carruaje. O sobre un skate en llamas.

Esa idea me gustó mucho (risas). Tocaré sobre un skate en llamas.

Violeta Castillo es una compositora argentina que luego de pasar por una banda llamada Castillo Violeta y el dúo de covers de canciones populares Angélica y Tomás, lanzó su proyecto solista en marzo de este año. “Uno” y “Otro”, dos epés en los que los temas, según cuenta su autora, “mágicamente se agruparon de acuerdo al sonido final. La idea era grabar cinco en 20 días. La cosa es que al tercer día ya teníamos las bases de siete canciones, entonces dijimos, bueno, vamos hasta 10. Pero nos seguía gustando la idea de EP, porque era más adecuado para el lanzamiento y para esta época, en donde son pocos los que escuchan un disco entero”, señala.

La cantante viene a Chile a tocar sus canciones en dos fechas. Primero el 28 de septiembre, junto a Moreno, y luego el 1 de octubre, en compañía de Dadalú. A pesar de ser su primera experiencia en nuestro país, para ella esta es tierra conocida. “Viví en Santiago desde que tenía un año y medio hasta los seis. Mi papá es chileno y hace tres años me fui de viaje, recorrí bastante hacia el norte. Ahora, además de tocar, voy a ver a mi hermanita y a mi papá que viven allá”, declara desde Argentina.

El sonido de sus canciones la emparenta con Rosario Bléfari y también con la novel Luciana Tagliapietra. Son estructuras pop que mezclan sintetizadores con sonidos de pianos más clásicos, junto a una batería que marca ritmos sutiles. “Para mí “Uno” es tranquilo, cálido, de guitarras, mientras que “Otro” es más fuerte”, reflexiona. En cuanto a las letras, es posible encontrarse con historias cotidianas. “Me parece que hablan de pequeñas revelaciones del día a día. Amor, sentimientos, sabiduría, experiencia y cambios”.

La relación de Violeta y la música no sólo ha sido a través de la composición. Durante muchos años se formó en la danza. “Estudié seis años seguidos clásica y contemporánea. Toda la secundaria la hice en la Escucla Nacional de Danza. Pero, cuando terminé, ya estaba podrida de eso y me pasé a las canciones, que siempre me gustaron. Siempre vi más de la música en la danza que al revés. Uno de mis temas, ‘Fuego’, tiene una frase dedicada al baile: ‘la forma en que tu cuerpo se mete en el aire’. Era algo que decía una maestra, como una sensación, una imagen al bailar”, recuerda.

En cuanto al estado de la escena musical en Argentina, la compositora explica que existe un poco de desgano por parte de las bandas, en general. “El tema es que acá es todo un desgaste muy grande al momento de armar una fecha, convocar a la gente, lograr que los amigos paguen la entrada… es un momento complicado. Los grupos están algo agotados, solamente quieren tocar y es entendible, porque cuando la música se ve afectada por los factores de la organización, pierde esa magia que todos queremos mantener intacta. Entonces, uno empieza a cuestionarse si de verdad quiere hacer esto cuando deja de ser disfrutable”, confiesa.

Al centrar su mirada en Chile, destaca la dedicación de los músicos locales que ha conocido. “Allá me parece que hay más decisión. Aunque quizás se deba también a que hay más facilidades, creo que todo va muy de la mano. Por ejemplo, sé que en Santiago hay salas del sindicato de músicos, lo que acá sería SADAIC, que están disponibles. En mi país no existe eso”.

Y si se trata de averiguar qué espera hallar Violeta en esos cinco días de visita, las opciones son variadas. “Espero encontrarme con un completo gigante con mucha palta, que las tocadas estén buenas, que vaya gente, que no me equivoque en los acordes y bueno, hacer amigos nuevos”, revela.

Violeta se estará presentando en Bar Loreto junto a Moreno el día miércoles 28 de septiembre, y el 1 de octubre, con Dadalú en Casa Mecánica.  Si deseas escuchar “Uno” y “Otro”, pincha acá.

Chile es un territorio aislado. A pesar del supuesto de que Internet elimina barreras, conocemos muy poco de las escenas independientes actuales de nuestros vecinos. En un intento por enterarnos de lo que pasa más allá de la Cordillera de Los Andes, conversamos con Helena Pérez, vocalista y compositora de la banda argentina Los Galgos. Hablamos sobre el rock, el indie y cómo la historia pesa en el desarrollo de la música de su país.

Los Galgos son un trío compuesto por Helena Pérez, Martín Ramos Mejía y Daniela Ruiz. Viven en Buenos Aires, y su vocalista, específicamente en Boedo, lugar conocido históricamente como un barrio proletario del sur de la ciudad, que albergó a un conjunto de artistas de la década del ’20, quienes deseaban vincular su obra con el movimiento obrero y los sectores populares.

La agrupación tiene un EP circulando por internet, llamado “En el corazón sucede lo que sucede”, y se compone de cinco canciones, partiendo por ‘Intro’, una pieza con un discurso que simboliza de forma certera lo que será posible oír después. Una carta de presentación que posiblemente carece de grandes técnicas instrumentales y vocales, pero tiene palabras fuertes y cinematográficas. Es el caso de ‘Vineland’, el segundo corte, que según Helena “tiene que ver con Los Detectives Salvajes”, una de las obras más conocidas y valoradas del escritor Roberto Bolaño.

Para Pérez, la tragedia del 30 de diciembre del 2004 en Cromañón, un conocido local del barrio Once (donde murieron 194 personas y hubo más de mil heridos durante un show del grupo Callejeros) marcó un antes y un después en la historia y conducción del rock en su país. “Se murió el rock argentino como lo conocíamos, quedó esa pulsión de muerte en el aire. Se terminó la escena under y de a poco se instaló el indie”, revela. “Yo sufrí mucho eso, no quiero ser egoísta y poner el yo, pero me acuerdo que estaba en mi casa esperando a mis amigas y veo que mi novio me manda muchos e-mails con el asunto “urgente” y me dice, ‘prende la tele, se incendió el boliche de (el empresario y gerente Omar) Chabán’. Yo creo que se terminó mi adolescencia ahí, yo tenía 22 años y creo que me morí un poco, como todos. Al otro día era el caos, un 31 de diciembre donde lo único que había era muerte. En toda la ciudad gente gritando por los cadáveres de sus hijos y la policía buscando a Chabán. A los meses cae el gobierno y ahí sentí que era el fin. Luego empecé a ver que el rock ahora es mala palabra, que se lo marginaliza, que se lo pena, se lo persigue, se lo acorrala y se imponen estéticas que parecen puras, livianas, sanas y blancas”, continúa.

La compositora es enfática en aclarar que ella no eligió ser catalogada como indie, sino que aquella imposición de estilo en estos momentos no es una preferencia, sino que “existe como una consecuencia de una industria que se retiró”, señala. Y con respecto a este fenómeno, explica que al menos en Los Galgos están muy lejos de proyectar aquella imagen estandarizada, que al ser producida en serie se vuelve insustancial. “Me niego a esa cosa de chicas súper flacas, con el pelo lacio y chicos con jeans ajustados. La gente no es así, la gente tiene el cuerpo que puede tener. Una vez un periodista de acá dijo que yo canto en porteño y que eso es raro. Primero pensé, qué lindo y después, ay dios mío qué triste, porque si es raro, entonces ¿el resto en qué canta? Más allá de si se hace en inglés o marroquí, ¿a qué le canta? Por eso cuando veo ‘Los Adolescentes’ de Dënver -el video, no el tema- pienso, ¿a quiénes le quieren hablar? Y me imagino esos adolescentes que sueñan con el exterior, que afuera es mejor. Afuera no es mejor, es tan sólo diferente. Si venís acá diez días y te muestro lo mejor, vas a creer que así podemos vivir todos los días, y no es así. Cada país es duro, tiene particularidades, idiosincracias e historias”, remata.

El tema de la imagen, como en todos lados, se encuentra exacerbado. Helena asume que ya es algo asesino. “Dejé de salir cuando se impuso tener un código estético. Me harta. No puedo tener el pelo perfecto y lo último de la moda siempre. No somos una banda “cool”. Ya escuché tantas veces que no somos vendibles o mercadeables que opté por ignorarlo. Siempre me pregunto ¿por qué Soda Stereo fue ese monstruo? Creo que porque hicieron lo que quisieron sin fijarse en lo que pasaba afuera. Ocuparon un lugar vacío y fueron por todo, no soñaron con llenar lugares de moda. Fueron por toda Latinoamérica sin miedo al origen. Extraño cuando a las bandas latinoamericanas les parecía un lindo desafio ser grandes en su continente”, explica.

Sin duda, distintos hechos en el pasado reciente de Argentina afectan todos los eslabones y áreas de desarrollo del país. Desde el Corralito en el 2001, hasta diferentes tragedias a lo largo de la última década. En el caso de los músicos, la cantante revela las características del antes y el después. “Veo que se empezó a negar cierta realidad económica. No puedo tomar un avión a Miami y traerme una Fender americana y un set de pedales. Antes tampoco, pero se vivía en un estado en donde había cierto delirio de los noventa, en donde todo parecía posible. Se salía todas las noches y había una resistencia cultural muy fuerte en el under contra el menemismo. Hay discos muy políticos de esos años, “Miami” de Babasonicos, “Armas” de Victoria Mil y “¿Qué sois ahora?” de Pequeña Orquesta Reincidentes. Eso se perdió en algún momento, la capacidad de hablar y traducir el presente en canciones y dejar testimonio de lo que vivimos. Ahora se ve pero en bandas de gente que viene de esa época más que nada, que pasan los 30 años o llegan a los 40. Lo de Cromañón, el pasado y la crisis está omnipresente”, declara.

Pérez cree que se ha perdido el cuidado del otro, como un residuo individualista de los noventa, quizás. Eso lo extrapola a las bandas, que piensan cada vez más en su drama personal, más que caer en cuenta de que se trata de un daño cultural y colectivo, además de un problema político. “El problema real que tenemos acá es no poder tocar, o la explotación sistemática de los boliches. Ya vamos muchos años así y no puede ser que no articulemos políticamente al menos una charla”, refiriéndose a los músicos en general. “El gobierno de (el Jefe de Gobierno de Buenos Aires) Macri, el mismo que legisla en nuestra contra, arma un festival anual, el Ciudad Emergente, en donde van las bandas, que a veces ni cobran. Yo jamás fui y jamás iría. ¿Cómo voy a tocar para un gobierno que habilita que me exploten? A nivel macro, el rock se estatizó, se toca para el gobierno, en eventos y festejos del gobierno. Como me dijo un amigo músico, dejamos pasar el cuarto de hora para reaccionar y ahora cagamos”, señala.

Aquellos jóvenes que murieron en Cromañón son parte de la generación de Helena, y ella siente que se le ha dado la espalda tanto a los problemas desencadenados por esta tragedia, como también a la catástrofe en sí. “Para mí, una banda no vale que te rompas ni una uña, o te quedes sin plata por un recital. Yo siempre aclaro que si no tienen 25 pesos de la entrada o 30 pesos, que por favor me escriban y vemos cómo lo hacemos. La solución para mí es hacerse cargo de que hay 200 chicos muertos, ¿pero cómo le puedo decir a cada músico qué hacer, cuando veo que apenas pueden tocar o grabar un disco? Son cosas del tejido social argentino muy dañado. A veces cuando salen las noticias de que tal sobreviviente de Cromañon intentó suicidarse es crudísimo, entonces un músico ¿qué puede decir? Deben intervenir politicas estatales claras, que contengan a esos chicos y contengan culturalmente al resto de los músicos que quedamos vagando entre la demencia de pagar por tocar, tocar gratis y con suerte y años de no ceder, empezar a ver algo de luz”, afirma.

Para la cantante, hace falta la magnitud de los intérpretes de los sesenta y setenta. “Para mí, Víctor Jara es tan grande como Nick Drake. Es otra dimensión la de ellos, inalcanzable. Lo que tenían es lo que nos falta a nosotros, creo. Como compositores se hicieron cargo de la intensidad de su época”, explica.

Aquella intensidad y sentido de urgencia es palpable en las letras de Los Galgos. Canciones desprejuiciadas, de experiencias personales que es posible utilizar para explicar también el presente y el pasado colectivo.

Escucha a Los Galgos en Bandcamp

Carolina Nissen es parte de la nueva generación de cantautoras chilenas. Una mujer que llegó desde el bosque valdiviano hasta la selva de cemento y que, en esta oportunidad, conversó con nosotros acerca de los cambios y decisiones que debió tomar para dedicarse a lo suyo: hacer música.

Es de conocimiento universal que la música es una vía de escape, una forma de expresión y un lenguaje distinto con el que es posible retratar sensaciones. Esto es justamente lo que comenzó a hacer Carolina Nissen desde el año 2008, casi a modo de terapia. Nacida y criada en Valdivia, esta cantautora estudió piano en el Conservatorio de la Universidad Austral y luego Pedagogía en Música. En abril del año pasado publicó su disco de forma independiente y durante este invierno, siendo una de las ganadoras de la sexta generación de Sello Azul, reeditó esas canciones simples, cargadas de vivencias y con una ineludible calidez, probablemente, heredada del encanto del sur de Chile.

Llama la atención la cantidad de mujeres que se integraron al catálogo de artistas de la discográfica nacional este año, cada una de ellas, con diferentes ritmos, discursos y visiones de mundo. “Creo que mi música es súper autobiográfica. Son los rollos que he tenido desde chica hasta adulta, de cómo voy superando cosas, y vivencias que para bien o para mal a una la marcan. Si hablamos de la creación, en general, el amor o la muerte son temas que siempre se repiten en todas nosotras. El punto es cómo uno cuenta esas historias, porque la vida es de esos grandes temas. La música siempre ha sido una forma de desahogarme, y al escribir no rebusco mucho, porque no me gusta y porque sería poco honesto de mi parte adornar mis sentimientos”, declara la cantante.

El primer single de su debut se titula ‘Miedo’ y habla del temor a todo. A tomar decisiones y cumplir los sueños, algo que se asemeja bastante al proceso que tuvo que vivir Carolina para estar haciendo hoy lo que la hace feliz. Un camino de largos cambios que sintió cada vez más sólido gracias a la respuesta de quienes la escucharon. “El año pasado cuando recién saqué el disco, gente se me acercaba súper inspirada, me escribían cosas acerca de mi canciones y al leerlas, se me cerraba la garganta, porque nunca pensé publicarlas hasta que Claudius -mi marido e ingeniero del disco- me aconsejó que compartiera mi trabajo. Luego de eso, me lancé, y una bola de nieve que nunca me hubiese imaginado comenzó a crecer. Me emocionó mucho saber que había personas a las que les provocaba cosas, y cuando caché eso dije, ‘en realidad esto puede resultar’”, manifiesta.

Y fue luego de los resultados a la postulación al concurso de Sello Azul cuando decidió dejar todo atrás. “Yo hacía como 35 horas de clases y no tenía el tiempo ni la tranquilidad mental como para de verdad analizar todo lo que estaba pasando. Cuando me dijeron que había quedado seleccionada lloré asustada como una semana, lo hablé con medio mundo, hasta que finalmente, cambié todo por hacer esto. No podía pasar la vida pensando en qué hubiese pasado si no me la hubiese jugado”.

La autora admite que su camino como cantante y su vida personal están muy cercanos. Esta dinámica es la que quizás hace posible que sus composiciones estén teñidas de transparencia y sus presentaciones en vivo gocen de espontaneidad. “Una vez me preguntaron si no me daba lata contar mis rollos entre canción y canción, y la verdad es que estoy tan cansada de preocuparme de lo que piensa el resto de mí, ya me da lo mismo. Además ya estoy vieja, voy para los cuarenta. Ya estoy grande, y hubo un tiempo en que me quedé pegada en la inseguridad. Ya no, me agotó eso, aunque lucho contra ello día a día”, declara.

A lo largo de su trabajo es posible encontrar testimonios sonoros del miedo al futuro, de relaciones desgastadas, de sobrevivir al diario vivir, del egoísmo, la desilusión y de nostalgias y manías, siempre desde la posición de ser una mujer. Nissen cree que la característica femenina de sus letras está dada por la dulzura. “Ese adjetivo es el que ha ocupado la gente al menos”, afirma.

‘Guindo’ habla de un árbol que había en su casa de Valdivia y que tenía la característica de ser SU lugar en el mundo. Mucho tiempo después de haberla compuesto, este desapareció. “Un día me llega un mensaje privado a Facebook de una niña que conocía mis canciones y que era del sur. Decía que luego de un fuerte temporal, mi guindo había caído encima de panderetas y que ya no estaba. No sabes la pena que me dio. Lo primero que hice fue llamar a mi casa y preguntar si era verdad”, relata.

‘Todo en su lugar’, el track cinco, habla de un tema que está enraizado con una problemática que toca a todas las jóvenes tarde o temprano: cuando niñas quieren crecer y ser completamente distintas a sus madres. Al momento de ser adultas, muchos de sus rasgos distintivos, son heredados de ellas y replicados por completo. Según la filósofa italiana Luisa Muraro, el momento en que una mujer es capaz de reconciliarse con ese orden simbólico entregado por las progenitoras, es cuando una puede ser completamente libre. La canción habla de su hermana, de aquellas manías replicadas, y quizás, la creación artística en base a este tipo de procesos, sea una especie de reconciliación inconsciente. “Tenemos un rollo en la familia porque mi vieja es muy ordenada, y las hijas ahí sufrimos toda nuestra vida el yugo de esa pulcritud. Un día abro el clóset de mi hermana, y tenía en degradé las poleras, parecía tienda. Yo pensaba que yo era ordenada, pero ésta la embarró”, confiesa.

Y si de influencias se trata, la cantante responde inmediatamente que la suya es Violeta Parra. “Yo sé que puede ser súper cliché, pero ‘La Jardinera’… la amo, es una de las canciones más bellas que alguien pudo componer. Me gusta la metáfora que ocupa. Me llega más que ‘Volver a los diecisiete’ u otras canciones”. Pero existe otra mujer que la acompañó durante el proceso de composición de su disco, y que fue muy importante en las decisiones que posteriormente tomó. “En ese tiempo, para mi cumpleaños, me regalaron un libro de Amelié Nothomb y me hice adicta. Yo sentía que cuando ella escribía, le daba lo mismo lo que pensara el resto y no le importaba adornar con palabras rimbombantes. Eso fue lo que me impulsó también a mí. Uno de mis grandes rollos desde siempre para lanzarme a hacer música fue eso, el tema de la letra. Yo creo que la vara está demasiado alta, los grandes escritores chilenos son Neruda, Huidobro, Gabriela Mistral. Quizás suena absurdo, pero eso es lo conocido, y con ella descubrí que se puede hacer literatura así, es bacán y me encanta”, explica.

Que el imaginario artístico en Chile se está plagando de mujeres en un hecho. “Creo que nos estamos apoderando del espacio, creo que lo estamos haciendo excelente”, revela. También manifiesta que existe una nueva generación de músicos y músicas que vienen con un pensamiento distinto gracias a la democratización del oficio y de sus formas productivas. “Yo creo que las compositoras nos estamos ganando el respeto. De hecho, nuestro nuevo tecladista estaba súper embalado con el proyecto y yo creo que también esta camada viene más desprejuiciada. Antes a quiénes teníamos: a la Javiera, la Colombina, la Nicole, la Juanita Parra, la Anita… de cada género había por lo menos una, y creo que siempre hubo harta aprensión. Creo que ahora hay más solidaridad entre los artistas en general, de hecho, con los otros ganadores de Sello Azul de este año tenemos súper buena onda, especialmente con los chicos de Portugal, nos apoyamos harto. Creo que hay reconocimiento y admiración mutua”.

Siete años de existencia, cuatro miembros, dos temporadas sin tocar en vivo, un disco de estudio y otro por venir. Son los números del regreso de Colectivo Etéreo, una de las noticias más coloridas del oscuro invierno en Santiago de Chile.

“Tenía que pasar un tiempo para que nos picara de nuevo el bichito”, dice Prospegto Arkano. Tras un par de años inactivo, su grupo, Colectivo Etéreo, anunció que dará dos shows antes de que Menda (MC del cuarteto) viaje becado a Wollongong, Australia, para estudiar Producción de Eventos durante un semestre. “Era necesario darnos un descanso para que naciera en nosotros nuevamente la necesidad de sacar nuevas canciones y no hacerlas presionados por el público”, afirma el músico.

Con rodaje en vivo desde su génesis en 2004, la banda editó tres temporadas después “Ijniaaa!!!” (bájalo acá), debut fácil de considerar entre los más efervescentes y propositivos de la década pasada en Chile. Ante la buena acogida, las expectativas en torno al grupo, un segundo álbum y la continuidad del proyecto no se hicieron esperar, aunque nadie contó con la astucia de sus miembros. “No estábamos ni ahí con eso porque nosotros tocamos y hacemos canciones por necesidad, no para satisfacer a alguien. El disco fue la culminación de un proceso y no el inicio de uno”.

Los cuatro integrantes de Colectivo Etéreo se desperdigaron, cada uno transformado en solista y lanzando material de incuestionable calidad, como el álbum “Happy Habbibi” (2009) de Prospegto Arkano -bajo el seudónimo Tonossepia-, “EnlaVariedasTalGusto” (2010) de MC Menda o “Período” (2011) de Dadalú. Pero, durante los dos años que no tocaron en vivo, las consultas sobre su banda inicial fueron más que habituales. “Mis amigos me hueveaban caleta y hasta hicieron un grupo de Facebook para que nos reuniéramos”, cuenta Dadalú.

“A veces, cuando estoy aburrido, me googleo. Y una vez encontré un post de estudiantes de enseñanza media, escrito con letras pokemonas, minúsculas y mayúsculas, minúsculas y mayúsculas, donde alguien preguntaba quién cachaba a Colectivo Etéreo y había respuestas del tipo ‘ay sí, me encantan, me acompañan cuando voy al colegio’”, complementa Arkano. Sale a relucir, entonces, el condimento de nostalgia que tiene este retorno; pese a que la data no es tan extensa, los tiempos avanzan hoy más rápido que nunca y lo que pasó hace apenas cuatro años ya es mirado con añoranza mediante el retrovisor.

La banda sabe que hay una base de seguidores que la echa de menos, pero también nota que hay otros que llegaron tarde a su música y ahora están deseosos de comprobar en terreno la experiencia de verlos actuar. “Yo tengo una teoría al respecto de cómo ha germinado eso. Antes de lanzar “Ijniaaa!!!” y de tener eventos más bacanes, nos dedicamos a tocar y tocar donde fuera, con quien fuera. Ahí distribuimos muchos demos, entre 100 y 200, y los regalamos por aquí, por allá. Creo que eso es un factor importante en lo que está ocurriendo”, aventura Menda.

“Los tiempos han cambiado desde que empezamos hasta ahora, no había Facebook ni la apertura actual que ofrece internet, con otros países pescando la música chilena, una cosa más abierta al mundo. Colectivo Etéreo apareció en un momento en que no existía nada de eso. Ahora los blogs y la gente que opina sobre música han cobrado mucha importancia, el panorama está súper diferente. También por ahí va esa nostalgia de la gente que se interesaba en nosotros cuando escucharnos era un poco más difícil y relacionado con ir a la tocata. Hoy en día puedes seguir a un grupo y ni siquiera ir a verlo en vivo”, asegura Dadalú.

Para no quedarse atrás, Colectivo Etéreo prepara su segundo álbum, aunque varios de los temas que contendrá existen desde antes de que el grupo se congelara y fueron estrenados en vivo en sus versiones primitivas (canciones como ‘Lo Real’, ‘Te Extraño’ o ‘Washuleru’, rebautizada con el nombre de ‘Extremadamente Rap’). La idea del cuarteto es avanzar hasta el viaje de Menda, dejar listo al menos un adelanto del trabajo y liberarlo para descarga gratuita en algún momento del segundo semestre. “No tenemos un plan o una fecha establecida como meta”, advierten. “Tampoco nos importa, estamos haciendo canciones porque somos amigos y nos gusta la música, vamos a tocar para divertirnos. Y de que el disco va a salir, va a salir”.

Colectivo Etéreo tocará los días 25 de junio y 2 de julio. Detalles aquí y acá.

El colaborador por excelencia de proyectos tan emblemáticos como Hablando en Plata o Violadores del Verso, y dueño de uno de los imaginarios más agudos y complejos que la mensura del rap nos pueda ofrecer, conversó de manera exclusiva con POTQ, recién llegado a su tierra natal tras un fugaz y exitoso paso por tierras mexicanas. He aquí nuestras preguntas. Y esto fue lo que nos dijo.

El 22 de marzo pasado fue la fecha escogida para el lanzamiento del tercer larga duración de Sergio Albarracín, alias Elphomega, titulado “Phantom Pop”. Uno de los protagonistas más ilustres del reinante panorama musical en España, cuyo trabajo último no dejó indiferente a liberales, ni a conservadores. Desbordando los márgenes del dibujo reciente del hip hop en lengua castellana, Sergio y su novel placa aún no terminan de madurar los efectos que la obra mantiene ejerciendo hasta el día de hoy en el acrecentado y amorfo público.

Desde la primera fecha de anuncio del lanzamiento de “Phantom Pop”, hasta que aquello realmente ocurrió, bastante agua corrió bajo el puente. ¿Qué motivos ocasionaron el retraso?

Principalmente fue responsabilidad del nivel de autoexigencia que tanto el productor de “Phantom Pop”, Doc Diamond, y yo nos impusimos para realizar este disco. Eso nos hizo tomar un largo descanso para analizar lo que estábamos haciendo, desde una mayor perspectiva. Además, en el camino, fueron surgiendo otros factores como mi implicación en el documental “Vibraciones” o el cambio de estudio en pleno proceso de grabación.

Claramente es el tiempo el único capacitado para definir la pertinencia de un álbum, en virtud de la escena que lo circunda. A pesar del poco tiempo de rodaje que lleva tu nuevo disco, ¿cómo vislumbras el panorama de la música rap en la España actual, y qué lugar dentro de ella ocupa “Phantom Pop”?

No me planteo demasiado el lugar que ocupo dentro de la escena del hip hop en España, supongo que me limito a hacer lo que me gustaría escuchar a mí y que por distintos motivos, no encuentro en la paleta musical actual. No me identifica el rap que escucho en mi país, creo que adolece de creatividad y de originalidad, existe una ausencia de enfoques propios, más dedicados a rescatar aspectos personales. Hay mucho copycat, mucha impostura y mucho vago sin talento. Desde luego, yo intento hacer un rap para todo el mundo, no enfoco mis intenciones en el público al que sólo le apetece escuchar hip hop. Además, creo que son las personas que escuchan el disco las que deben decidir qué lugar ocupa, y con eso me refiero a un lugar dentro de un plano cotidiano, intimo y personal, no dentro de tal o cual escena. Eso es lo que a mí realmente me gustaría que ocurriese.

Desde tus primeras entregas, queda en evidencia que tu imaginario escapa de lo meramente musical, proliferan las citas y los guiños a diversos géneros y formatos artísticos. Ciertamente la música es música y no existen requisitos para poder ser partícipe de aquel goce, sin embargo, ¿a qué apuntas con aquella intención de permear tu trabajo con tan variadas anclas referenciales? ¿Sientes una división entre los oyentes que van al pie del cañón en cuanto al consumo cultural expuesto en tu obra, de los que van solamente a caballo sobre los skills y se quedan más con la forma?

Es algo que me sale natural porque son mis gustos, mis aficiones. Es mi vida, es lo que sé y es de lo que me gusta hablar. Forma parte de mi flow a la hora de rapear, ya sea rematando alguna línea con una referencia, a través de algún punchline, o sólo inspirándome en un título o secuencia de un film. Desde luego, no quiero ser pedante ni iluminar a nadie con esto, necesito soltarlo así y ya está. Si después el público accede a ciertas referencias gracias a mis rimas, pues bienvenido sea. Estoy de acuerdo con que no es necesario entender todo para disfrutar de la musicalidad de las canciones, claramente la música es universal y va más allá del idioma, pero quien capta los términos los disfruta el doble, no cabe duda, eso queda para él oyente como un tesoro a conservar por siempre, ya sabes, el lenguaje permite establecer un vínculo poderoso y fuerte. Existe cierto grado de complicidad, mucho más personal, casi de hermandad entre el que escucha y el que crea una obra.

RENOVARSE O MORIR

“Phantom Pop” suena mucho más prístino, tal vez más luminoso, en comparación con “Testimonio Libra”. Pareciera ser que la regla de “menos es más” gobierna tu último trabajo. ¿Cómo abordas en la actualidad el proceso de composición? Te lo pregunto en virtud de la idea general del disco, de la intencionalidad conceptual y también del trabajo en las máquinas con Narko.

Ése era uno de los nortes principales por abordar con este disco, desmarcarnos del sonido del anterior trabajo, hacerlo más luminoso y brillante, tanto a nivel de producciones como de mezcla, que fuese un factor notorio en el sonido final. Nos apetecía trabajar aquella sensación para “Phantom Pop”, pero sin perder cierta nota de oscuridad y melancolía en los textos. Queríamos explotar ese contraste, de ahí el concepto del título, “Phantom” son las sombras y “Pop” son las luces del disco, jugamos con ese contraste que se alterna en los beats y las rimas, de manera constante a lo largo del tracklist.

Uno de los vicios actuales del consumidor de rap es tomar el caratulín del disco y pesarlo de acuerdo a las colaboraciones que contiene. ¿Qué criterio utilizaste para las mismas? Y a propósito de esto mismo (me veo forzado a preguntarlo), ¿Illpack realmente debe morir? ¿Es efectivamente un guiño de descarte a una futura y anhelada colaboración en largo con Rafael Fernández?

No, simplemente es un juego, es nuestra manera de homenajear a un tipo de cine y estética que nos mola, no hay que ver más allá de lo evidente. Seguramente habrá más Illpack en el futuro, quien sabe si a modo de un trabajo largo con Capaz, no lo sé, es pronto aún como para decirlo. En cuanto al criterio que utilizo para elegir las colaboraciones es simplemente que el trabajo del artista me guste y sienta cierto grado de afinidad con la persona. No elijo colaboraciones por el nombre o por lo que me pueda aportar a nivel de promoción, aquella recurrente actitud me parece de lo más falso. No haré nada con nadie a quien no respete sólo por acaparar la atención de los medios o por despertar un interés acotado de cierto sector del público.

Soy de la idea de que todo artista debe hacerse cargo del mundo que lo contiene. En vista y considerando los últimos acontecimientos que la contingencia nos ha vomitado encima, ¿Cómo proyectas el oficio del músico frente a los avatares de la sociedad? ¿Cuán pertinente es hacer un disco que se apellide Pop (con todo lo bueno y malo que aquello implica) el día de hoy?

Bueno, la música es un escape para mí, aunque suene realmente utópico. El hip hop es una válvula de ficción más dentro de mi vida, aunque en él vierto mucho de mis experiencias reales, al fin y al cabo, planteo cada disco como una obra de ficción, como plantearía un libro o una película, y me aleja del mundo real que tenemos que soportar cada día cuando oyes ciertas historias, lees los periódicos o ves las noticias en televisión. Una buena obra de ficción para mí contrarresta todo eso y eso es lo que yo quiero ofrecer a los que me oyen, un viaje lejos de aquí. En cuanto al título del disco creo que era necesario llamarlo así en parte por la cantidad de prejuicios que hay dentro de la escena rap. Me parece un aporte, quizás llamarlo así haya alejado a cierta gente de este trabajo, pero por otra parte cuando escuchas el álbum sientes que eso es hip hop, no es otra cosa.

Sabemos de lo multidisciplinario de tu trabajo al ser músico, escritor de graffiti, artista visual y guionista. ¿ Qué puedes contarnos sobre royectos futuros, anhelos, intenciones a mediano plazo, colaboraciones, etc?

Ahora mismo estoy intentando sacar adelante un proyecto de novela gráfica asociándome con un amigo ilustrador, aunque todavía está todo muy verde y no sé si llegará a algo. Por otro lado, no descarto grabar nuevas canciones en breve, me apetece mucho volver pronto al estudio y afrontar un nuevo sonido, trabajar en alguna evolución lógica de ‘Phantom Pop’.

No sé si eres realmente consciente del arrastre de tu música en Latinoamérica. ¿Existe alguna posibilidad de tenerte por acá en algún futuro? Y a propósito de lo mismo, ¿qué opinión te merece el problema de la piratería y su devenir dentro de la ingeniería de la industria musical? Te lo pregunto por la ausencia de distribución de la mayoría de los álbumes de rap español por estos lados, siendo que existe una masa fiel y atenta a lo que sucede en España, que evidentemente no considera ni la distancia ni la distribución como un problema a la hora de consumir música.

Pues a finales de mayo de este año tuve la oportunidad de actuar en México D.F. y fue una experiencia genial, tanto por lo maravilloso que es el país como también por el montón de gente increíble que tuve la oportunidad de conocer y que nos trataron como hermanos. Ésa fue la primera vez que actuamos en Latinoamérica y espero que se pueda repetir pronto. En cuanto al tema de la piratería, estoy absolutamente en contra de las mafias y las mantas de discos piratas en las veredas, y aunque sé que da de comer a muchas familias, pienso que el principal beneficiado es la persona que hay detrás haciendo las copias y explotando a los que se juegan el pellejo en las calles huyendo de la policía, lo veo como una mierda. En relación a internet veo positiva la difusión que la música pueda tener por medio de esta forma y que de otra manera, por falta de infraestructura de los sellos, no podría tener. Eso ayuda a que tu música se conozca en el mundo entero y surjan oportunidades de actuar fuera de tu país como esta de México que te comento. Pienso que en este aspecto las discográficas deben actualizarse al nuevo modelo de negocio que la red propone y si no suben de manera correcta al tren prontamente desaparecerán tal cual las conocemos hoy. Es lo que les espera y se merecerán todo lo bueno o malo que les pase entremedio. Toda industria evoluciona y no puede aferrarse a un sistema caduco si quiere perdurar en el tiempo. Los que vendían plumas a principios de siglo ahora venden lápices BIC. Esto es así, renovarse o morir.

MÁS “PHANTOM” QUE “POP”

¿Has escuchado algo de rap latinoamericano?

Pues a lo último que le he echado el oído ha sido al trabajo de Ana Tijoux, compatriota vuestra y cuyo disco ha publicado mi compañía (BOA) en España. Antes de editar su disco estuvimos conversando para que apareciera en un tema de “Phantom Pop” porque yo ya la había chequeado antes por internet, pero al final por motivos de agenda no pudo llevarse a cabo la colaboración.

En honor a las toneladas de referencias en tus letras, y para hacerle la vida un poco más fácil a tus oyentes, recomiéndanos tres discos, tres libros y tres películas que todo seguidor de Elphomega debiese absorber antes de la muerte.

Bueno, esta es la típica pregunta donde lo paso mal porque o me vienen muchos títulos a la cabeza o no me viene ninguno. Bueno, así sin darle muchas vueltas, algunos imprescindibles para mí son, en cuanto a discos, “Enter the Wu-tang: 36 chambers” de Wu-Tang Clan, “Dummy” de Portishead y “America” de America. En el ámbito de las películas, “Rosemary’s Baby” de Roman Polanski, “The Pale Rider” de Clint Eastwood y “Seconds” de John Frankenheimer. Y de libros, “Something Wicked This Way Comes” de Ray Bradbury, “Demian” de Herman Hesse y “Thinner” de Stephen King.

De acuerdo a la dualidad que planteas con el título del disco, ¿qué tanto de “Phantom” y que tanto de “Pop” hay en Sergio Albarracín? ¿Eres de los que se levantan temprano y tienen todo en orden o tu pieza es un asco de comics que huele medio raro?

Más de “Phantom” creo yo, aunque tengo mis momentos “Pop” sobre todo cuando estoy en compañía, supongo que soy como cualquiera, con sus luces y sus sombras. Aquello siempre depende mucho del momento que uno esté viviendo, pero sí que mi cabeza y mis estados de ánimo en general tienden más a lo oscuro. Por otro lado no soy excesivamente madrugador, soy muy indisciplinado en eso, pero sí maniático con el orden y la limpieza, es algo que frecuentemente me quita el sueño. Odio el polvo de la estantería, sobre todo en los comics, me parece increíble que con los avances tecnológicos que existen nadie haya inventado algún sistema para eliminar el polvo de nuestras vidas.

¿Algo que quisieras agregar, algún mensaje, arenga o petición al público chileno?

Simplemente agradecer de corazón el seguimiento que hacen de mi música y decirles que me llega el calor aunque estemos separados por tantos kilómetros de tierra y océano, y que estoy deseando poder devolverles ese amor y llevarles en vivo mi rap en futuras ocasiones porque sé que allá valoran lo que construimos aquí, porque lo hacemos para todo el mundo, ¡no hay duda! ¡Un beso y un abrazo para todos!