En su debut discográfico, los muchachos de Puerto Montt (trasplantados en Valparaíso) tratan de compilar lo que ha sido la primera etapa de su trabajo durante los dos años que tienen de vida. Algo así como una recopilación de grandes éxitos de una agrupación desconocida, un inquieto colectivo artístico y audiovisual. Una volada de tamaño sideral, una amalgama de música instrumental y poesía.

Lo vocalizado son las palabras corrosivas de Infelipe Menorga, quien -con una voz digna de relator de fútbol de radio A.M.- nos destruye el cerebro a punta de letras ácidas, crítica social y política, donde todos cabemos dentro de ese saco de infecciones mentales con el que estamos contagiados en nuestro diario vivir. Se suma a esto una minuciosa búsqueda de un sonido pulcro, a pesar de los episodios noise que pasan por este elepé. Espacios muy ruidosos, ambientes calmos y la destartalada y expresiva situación rítmica que le da la lírica a esta producción se transforman en característica referenciales.

La banda está compuesta por José Ignacio Cárcamo y Victor Fabio en las cuerdas, Gabriel Holzapbel en batería y Gonzalo Hernández en bajo. A ellos se suman Iván Pérez en vientos y la voz cantada, declamada, gritada y vomitada del ya mencionado Menorga. Cabe destacar que también participan de Terapia Grupal los artistas visuales Gabriela Vázquez y Felipe Zapata, quienes realizan un trabajo con diapositivas, animación en vivo y una que otra sicodélica muestra de insanidad.

Puedes descargar “No Pisar el Pasto” en www.nopisarelpasto.tk.

Cuando todavía firmaba como Embajadores a secas, la banda editó su primera canción el 1 de enero de 2010, en el compilado “Música para el Fin del Mundo” (a su vez, la primera referencia discográfica de Michita). Era un melancólico tema llamado ‘Su Merced’, en el que Morales y Gajardo compartían roles vocales y anunciaba lo que dos años después se concretaría: este largaduración, “Faisanes”. Demoró bastante, pero llegó en el momento apropiado, justo mientras el pop chileno concita atención local y foránea gracias a una sucesión de buenos lanzamientos.

En todo caso, Los Embajadores no llegaron a colgarse de un fenómeno, ni a subirse al carro de la victoria. La música en “Faisanes” apela a cierto clima emocional que aporta un elemento nuevo al panorama nacional: oscuridad. Nada que ver con el sonido brilloso de Astro, Javiera Mena o Gepe. Acá se nota sumo interés en explorar las posibilidades de lo sombrío; mientras más nubosidad, mejor. Casi todo remite a conceptos como “dark” o “gótico”, mezclados con pop electrónico. El álbum se enriquece con las volátiles e inasibles apariciones de Morales (muy parecida a Isol, la ex voz de Entre Ríos), que cuando se encuentra con Gajardo en ‘MDV’ hace pensar en lo saludable que sería aumentar su repertorio como dúo. Esa interacción definitivamente funciona muy bien y debe ser explotada a futuro. Sólo reforzando su identidad de grupo Los Embajadores labrarán un nombre que hable por sí solo. Tienen a la mano las herramientas para conseguirlo.

Puedes descargar “Faisanes” entrando acá.

Lo curioso es que justo allá por el 2008, cuando esas bandas le volaban la cabeza a muchos con sus discos (“Oracular Spectacular” de MGMT, “Walking on a Dream” de Empire of the Sun), otra dupla acababa de lanzar ‘Hold On’, su primer single, a través del sello DFA. Un grupo que tenía las referencias necesarias en su sonido para ser parte de aquella suerte de fenómeno, si hubieran publicado su ópera prima en ese momento. Sin embargo, Holy Ghost! esperó tres años para debutar en largaduración, y en el proceso Nick Millhiser y Alex Frankel editaron más canciones y un EP. Generaron expectativas, y terminaron transformando lo que hubiera sido una apuesta segura un ejercicio de más riesgo.

Con un timing bastante curioso (saliendo apenas un par de días después del último concierto de la banda fundamental de su sello, LCD Soundsystem), esta placa es un compendio de viejas y nuevas ideas, juntando casi todos los sencillos que tenían a la fecha (‘Static on the Wire’, ‘Say My Name’ y la ya mentada ‘Hold On’) con un puñado de temas que incluía hits rotundos (‘Wait and See’) y melodías hechas a la medida de la pista de baile (‘Slow Motion’). Ahí está una de las claves tras la demora de este trabajo, y de su valor intrínseco. Canciones con tres o cuatro años de diferencia entre sí se entienden y entrelazan en un sonido que aquí muestra diferentes variantes, pero nunca deja de ser coherente consigo mismo.

“Holy Ghost!” no funciona como un muestrario de elementos aislados, sino como un todo. Y propositivo, además. Es inevitable relacionarlos con Penguin Prison, Cut Copy o Miami Horror por un asunto generacional, pero realmente no suenan como ninguno de ellos. Los referentes ochenteros son evidentes (hasta un guiño a Tears for Fears hay por ahí), pero nunca dejan de sentirse frescos, y por eso vale la pena escucharlos. Qué importa que este disco no haya salido hace cuatro años.

*Holy Ghost! toca este 13 de abril en el Teatro La Cúpula

Con nuevo disco bajo el brazo, el escenario es completamente distinto ahora que el éxito está asociado al nombre de la pareja. En “Sounds from Nowheresville” se nota que los Ting Tings consiguieron lentes, vieron todo lo que pasaba a su alrededor y ahora tienen pánico.

Dos energías antagonistas miden fuerzas, cuerpo a cuerpo, en el segundo álbum del tándem inglés: las ganas de ser tomados en serio (la crítica fue bastante dura con “We Started Nothing”) y el deseo de seguir siendo populares (teniendo como vara los adhesivos singles de su debut y las cuantiosas ganancias que generaron). Nada puede salir bien de esa mezcla. “Sounds from Nowheresville” carece de la ingenuidad encantadora que dio a conocer a Katie White y Jules de Martino, incapaces ahora de acercarse siquiera a la chispa que tenían hace apenas cuatro años.

Costaba menos empatizar con temas disparatados como los famosísimos ‘That’s Not My Name’ o ‘Shut Up and Let Me Go’, que con la seriedad de ‘Silence’, los intentos de sonar como The Go Team de ‘Hang It Up’ o la tristeza impostada de ‘In Your Life’. Al dúo le cuesta tanto cuajar sus intenciones que escucharlo se torna confuso y decepcionante. Fue un paso en falso bajar las revoluciones e intentar un enfoque adulto: por mucho que sus miembros quieran madurar, The Ting Tings es un grupo que no envejece bien.

*The Ting Tings tocan este 28 de abril en el Teatro Teletón

Acá el mestizaje conceptual es la clave del acercamiento. Y también es importante comprender una cosa: Matías Cena & Los Fictions no tienen nada que ver con Los Bandoleros o Andrés Lecaros y Los Forajidos, intentos paródicos de reproducir en Chile el country rock a punta de estereotipos baratos. Los referentes más inmediatos de la banda están bastante lejos, en la música de Ryan Adams y The Cardinals, o de Conor Oberst en Bright Eyes. Tipos muy jóvenes, pero empecinados en mantener viva la tradición, un compromiso al que también responden los nacionales. Instrumentos inusuales en el contexto chileno (banjo, mandolina, dobro, pedal steel) aparecen por doquier en “Arauco Cajún”, manejados con plausible destreza.

Si este debut suena en extremo coherente puede ser porque, en estricto rigor, no es el primer trabajo estos músicos. Previamente el grupo se llamaba The Questions, pero estaba en segundo plano como grafica “A todos nos mintieron-Luxemburgo Vol.2”, el único disco que alcanzó a grabar esa formación, en calidad de acompañamiento. Y antes, el propio frontman acumulaba kilometraje como solista en registros de una melosidad un tanto exasperante, abandonada en una afortunada decisión que también incluyó seguir ahondando en las obsesiones. Su antigua canción ‘Once con héroes del pasado’, llena de personajes históricos, ahora encuentra continuidad en ‘El Día Internacional de Gagarin’; mientras siguen los guiños a heroínas, y donde antes habitaba Rosa Luxemburgo ahora están Mistral, Plath y Díaz Varín. Cuando Matías Cena & Los Fictions entran en acción, el norte y el sur no se ven tan distantes.

Por Cristóbal Cornejo de El Ciudadano

Ver a las bandas tocando en el DVD de este compilado, hecho por Tercer Mundo y Resonante Audiovisual, enriquece este trabajo en que músicos y gestores explican las motivaciones del porteño sello independiente Acople Records, y de paso desmitifican Valparaíso. ‘NN’ de Fatiga de Material abre y ‘La cal’ de Gonzalo Sáez cierra la sesión. El sonido, los planos, sus sobreposiciones, transiciones, detalles y la luz complementan la música instrumental, densa y melódica del trío, aunque lo hacen muy bien todo el video y con todas las bandas.

Le sigue Kafarenass, que en dos canciones demuestran vocación paisajística, con un vocalista (el mismo de DienteDiamanto) que, más allá de la precisión, se atreve buscar su voz, actitud notable y escasa en los cantantes de este país. Es interesante constatar que, aunque hay un espíritu común, hay variedad en los sonidos y propuestas: Lisérgico es más pesado y desértico, una buena opción para mover la cabeza, que cruza de los 70 a los 90; Gonzalo Sáez aporta un toque intimista y misterioso; DienteDiamanto con lo lúdico y naíf; Cajitas Rectangulares lo sónico, rápido y corrosivo, con un buen juego de voces mixtas.

Pero, aun así, son más las cosas en común que las diferencias en esta compilación: Referentes, integrantes, objetivos, articulándose como un buen compendio generacional y territorial. Este compilado funciona como primer pilar de un armazón que amplía y hace más sustentable el trabajo de estas bandas del puerto. Por más cerca que quede, el espíritu ahí es distinto a lo que pasa en Santiago, y, más aún, en otros lugares de Chile. Excelente producción y prueba de que en Valpo el rock se desarrolla en serio, más allá de la hegemonía del pop y otras modas en el panorama nacional.

(Descarga el Compilado 001 de Acople Records desde este enlace)

En este caso, la misma Cuarta Región que vio los inicios de Jirafa Ardiendo es el punto de origen de The Fernandos, quinteto con integrantes de Coquimbo y La Serena. Con dos años de carrera, no dudaron en poner su primer álbum en internet para libre descarga. Registrado en el Estudio B del puerto pirata, deja en evidencia una cuidada atención al trabajo de estudio, en que su detallismo extendió el proceso de grabación desde febrero hasta octubre del 2011. Pero esto no es un mero capricho y una sola oída basta para explicarlo: más allá del buen resultado conseguido desde un punto de vista técnico, lograron reflejar a plenitud su dirección sonora.

El rock británico es el gran guía, junto con guiños a los clásicos y al garage rock. Sea una decisión consciente o no, la influencia de Julian Casablancas en Ricardo Méndez (voz y guitarras) es indiscutible, e incluso un tema como ‘Índigo’ grita The Strokes en sus arreglos. Los referentes, sin embargo, pasan a segundo plano en tracks como ‘Tu Lugar Vacío’. Honesta y certera, tal vez la canción en que realmente todo cierra y la banda se encuentra a pleno, en uno de sus momentos más interesantes.

A la larga, su versión de ‘Touch Me’ -sí, la de The Doors- resume bien de qué va “Un Cuento”. Ejecución correcta, sonido prolijo y melodías tarareables. Y, al mismo tiempo, muy poco riesgo. The Fernandos está lejos de haber descubierto la rueda, pero eso no le quita en absoluto mérito a un buen disco, hecho a la medida de los amantes del rock de guitarras amables. Tres, en este caso.

Llevado a la música, se utiliza para hablar de aquellos artistas o bandas que, más allá de su calidad, arman una buena carrera (y superan con creces los quince minutos de fama) en base a un hit cuyo éxito es tal que, comercialmente, nunca lo superan ni se le acercan. Peter Bjorn and John, por ejemplo, fue catalogado así por muchos tras ‘Young Folks’. Y algo similar ocurrió con Foster The People cuando ‘Pumped Up Kicks’ se transformó en una suerte de fenómeno.

Si alguien creyó que este trío era un nuevo one-hit wonder, a estas alturas ya fue corregido. El paso de los meses sólo ha visto un continuo crecimiento de su público a nivel mundial que, por supuesto, va de la mano con el fuerte aval que aún significa estar amparado por una discográfica multinacional. Pero decir que ésa es la única razón de su buen presente sería negar un par de verdades sonoras bastante evidentes. Como, por ejemplo, la astuta fórmula de armar un disco siguiendo la escuela sonora de Phoenix y -sobre todo- del “Oracular Spectacular” de MGMT.

No es coincidencia que ‘Helena Beat’, ‘Call It What You Want’ y ‘Houdini’, todos temas que responden a pie juntillas a esta teoría, hayan sido singles. No es casual que su otro sencillo, ‘Don’t Stop (Color on the Walls)’, sea un ejercicio exitoso de pop chicloso que no pierde su sello. No es mero capricho que productores como Paul Epsworth (que en los últimos años ha trabajado con Adele, Friendly Fires y Florence and The Machine, entre otros) hayan sido reclutados para asesorar “Torches”. Lo que podría haber sido un one-trick pony terminó siendo un álbum sólido con varios aciertos, como consecuencia de una dirección escogida a propósito y que ha dado resultado. Un one-hit wonder puede ser fruto del azar. Un año de éxito sostenido, no.

Con “Astro” ya lanzado, luego de la expectación causada por el EP “Le Disc de Astrou” (2009), es hora de sincerarse. Por colorido, el primer álbum del quinteto se parece más a Florcita Motuda que a los cada vez más apagados MGMT. No es broma, la referencia más cercana estaba en la cultura pop chilena y no en la neosicodelia estadounidense. El vocalista Andrés Nusser armó un lúdico repertorio que aborda, desde un prisma similar al de las regresiones infantiles que provoca el consumo de ácido, la vida salvaje y el reino animal como ejes centrales. Sin pensarlo dos veces, Motuda cantaría mejor que Andrew VanWyngarden versos como “yo creía que era feliz, todavía no conocía la súper felicidad, hasta que me encontré comiendo todas las cerezas de la quinta, no se puede comer tantas cerezas en un día, te explota la guata y te nace un árbol si te tragas las pepas” (del tema ‘Pepa’).

El contenido lírico del debut homónimo de Astro no resiste al análisis capcioso, que sería una pérdida de tiempo en vista de que no hay metáforas, sino imágenes literales. Cuando ‘Colombo’ habla de conejos bailarines o ‘Manglares’ describe a elefantes surfistas, en ninguna parte se esconden manifiestos acerca de la cultura judeocristiana, ni críticas a la sociedad occidental. Lo que escuchas es lo que hay: conejos bailando y elefantes surfeando, nada más. Sin querer, y para sorpresa de la juventud pitillo que disfrutó con ‘Raifilter’ y ‘Maestro Distorsión’, Astro firmó un disco sin hits evidentes, pero con canciones que podrían gustarle a niñitos en edad preescolar; una aproximación al rock progresivo (Yes, Genesis) similar en calibre a la de Mazapán con la música medieval y renacentista. Si ‘La Chinita Margarita’ y ‘Francisca, una avispa’ ya eran un tanto lisérgicas, ¿por qué no llevar las cosas más allá y probar con ‘Panda’, ‘Ciervos’ o ‘Coco’? Las próximas generaciones, que ya están creciendo al ritmo de 31 Minutos, lo agradecerán.

ASTRO by astrosonidoespacial

Ya sea por las influencias foráneas o por su capacidad creativa, lo cierto es que este proyecto ha sido muy prolífico. Tras dos discos, cuatro EPs y un par de DVDs entremedio, tiene sentido que -con tantas canciones a cuestas en tan poco tiempo- su última entrega empiece a mostrar una voz propia. Al parecer, la larga brecha existente entre su último largaduración y éste sirvió para afinar las habilidades compositivas, priorizando conceptos propios.

Ahora, los referentes ya no son dominantes y han pasado a estar al servicio de melodías que comienzan a acercarse al sonido del pop americano clásico, flanqueados por vientos y pianos. En sólo nueve temas y poco más de media hora, Condon y compañía entregan un álbum optimista, sin pretensiones ni ínfulas de grandeza. Una improbable paradoja, si se toma en cuenta que esta obra fue grabada en pleno Nueva York. Pero fue ahí, en la Ciudad que Nunca Duerme, que Beirut registró este compendio de notas que se deja escuchar con amabilidad.

Ciertamente este disco no suena como si hubiera sido hecho en ninguna parte en particular, y esa imposibilidad de ser relacionado con una zona geográfica específica -a diferencia de sus predecesores- le juega a su favor. Lo que antes era una efectiva línea temática aquí hubiera actuado en detrimento de la cuidada espontaneidad que muestran tracks como ‘Santa Fe’, ‘East Harlem’ y la canción que da nombre a esta placa, donde todo coincide en una joya atemporal y memorable. Después de cinco años y medio, la mejor y más importante etapa de la carrera de Beirut está recién comenzando: aquella en que su principal referente son ellos mismos.

Milagros se bate con la sapiencia de quien viene de vuelta después de visitar muchos recovecos existenciales y de haber aprendido a hacer el viaje más ligero desprendiéndose de toda la carga inútil que no necesita para vivir, como queda de manifiesto en temas como ‘Soltar’ o ‘Una Sola Vuelta’. ‘Nahual’, una de las colaboraciones en que participa la española Christina Rosenvinge, es directa al respecto: “Llevo zapatos sin piedras que contar, llevo una pena que no quiero tapar. Viste brazos sin manos que querían pasar… No podrán”.

Ya sea en clave folk, recurriendo a tenues ritmos nortinos o con códigos propios del rock, “San Sebastián” nos descubre a un artista en la plenitud de sus creaciones, dando la sensación de que tanta vivencia sólo puede engendrar a un nuevo sabio. Y Fernando Milagros se está convirtiendo lentamente en uno de ellos.

Son diez canciones que, pese a figurar formalmente como debut, continúan el trabajo del británico en un escenario que no le es tan diferente. Todas los tracks llevan su firma y reflejan el lado más sensible del inglés, tanto en melodías como en letras. Así queda graficado con la hermosa ‘If I Had a Gun’ -compuesta en Sudamérica el 2009- y la desolación patente de ‘Stop the Clocks’, versión definitiva de un tema que venía dando vueltas desde al menos un lustro.

Asistida por Dave Sardy en la producción y grabada a partes iguales en Inglaterra y Los Angeles, esta placa muestra a su autor como un constante creador de canciones cuya perturbadora facilidad para elucurar melodías sigue tan imberbe como en los mejores días del ya extinto quinteto mancuniano. No duda en dar rienda suelta a sus ya conocidos retos electrónicos -‘AKA… What a Life!’- e instalar trompetas en ‘The Death of You and Me’, el primer single de este disco y, junto con ‘Dream On’, uno de sus puntos altos.

Más allá de la patente buena salud de su pluma, el primer paso en solitario de Noel Gallagher denota un mayor síntoma de libertad para si mismo. Por mucho que no se pueda borrar su antigua imagen de dictador, acá verdaderamente hace lo que le da la gana. Toca todos los instrumentos -excepto la batería y los teclados- y canta todas las canciones. Una mayor responsabilidad, que asume para entregarnos un álbum que brillará más por lo que contiene que por las bravatas de su compositor. “Noel Gallagher’s High Flying Birds” nunca nos hará olvidar a Oasis, está claro, pero sí nos devuelve la genialidad de su líder.

“The Whole Love” es lo más reciente del conjunto norteamericano y, a pesar de que uno tiene claro qué esperar de Jeff Tweedy y los suyos, ellos se las arreglan para sorprender hasta al más incauto con una docena de nuevas creaciones. El puntapié inicial, ‘Art of Almost’, es una progresiva caja de Pandora donde convergen sutiles artefactos electrónicos que explotan de la mano de tintes del rock más furibundo, matizados por la quejumbrosa voz de Tweedy, que emerge como ánima para despachar uno de las mejores temas de toda la temporada.

Las siguientes once canciones deambulan por los estilos que han hecho de Wilco una verdadera institución. Sí, hay quienes dicen que el sonido del grupo puede ser catalogado como predecible. Pero donde unos enlazan aquella palabra con aburrimiento, no se dan cuenta de que aún pueden existir joyas como ‘Whole Love’, donde Tweedy se refleja como un tipo enamorado que, a cierta edad y con los problemas que tuvo en el pasado, detenta la autoridad para hablar de alguien que le ganó el pulso a muchas cosas, dotando sus versos de mayor credibilidad.

Los tintes de jazz que inundan ‘Capitol City’ o la hermosa ‘One Sunday Morning’, una suite acústica que sobrepasa los doce minutos, figuran como resabios de un estado mental totalmente cobijado y llano a la calma. Wilco hace rato que adquirió eso que muchos llaman estabilidad. Con “The Whole Love”, se permiten brindarnos una pizca de aquello, sólo una porción, que es más que suficiente.

Su segundo álbum, “Primary Colours” (lanzado el 2009 por el mismo sello), recibió atención a raudales meses antes de que saliera a las calles, y fue considerando como uno de los mejores de ese lustro. Tal situación suele transformarse en una carga, pero ése no fue el caso con este quinteto inglés. Al contrario: desde el primer hasta el último minuto de “Skying”, su última producción, suenan como si tuvieran muchos más años de circo de los que ostentan en realidad.

La explicación es simple, pero rotunda: confianza. En su justa medida, no tanta como para caer en ínfulas de grandeza, aunque sí la suficiente para darle rienda suelta a la libertad creativa y enriquecer el garage y la sicodelia que los caracteriza. Para abrirle la puerta con confianza a los vientos que adornan una ‘Still Life’ que se agiganta con cada acorde sin dejar de serles suya. Para sacar un hit tan automático como ‘I Can See Through You’ sin traicionar un ápice su sonido. Para cerrar su tercer largaduración con un tema de casi ocho minutos (‘Oceans Burning’) que evoluciona y nunca se vuelve abúlico. Diez canciones en total, llenas de dinamismo. Sin tiempos muertos ni puntos bajos.

Hay quienes colapsan ante la presión, y hay quienes se crecen ante ella. En este caso las expectativas no hicieron más que sacar lo mejor de The Horrors, en un disco redondo donde todo encaja en su lugar con facilidad. Aquí, la atención no sólo es bienvenida: es merecida.

Luego del sorpresivo lanzamiento en febrero pasado de “The King of Limbs”, el octavo disco de estudio de la banda de Oxfordshire, se veía a un Thom Yorke de 43 años pinchando discos en clubes londinenses y programas de radio acompañado de figuras dominantes en la escena del dubstep y la bass music británica. Con el transcurso de los meses, comenzaron a ser lanzados, uno por uno, sugerentes remixes del disco en cuestión en formato de single en siete pulgadas, realizados por algunos de estos musicos y DJ’s. Así fue como conocimos “TKOL RMX” 1, 2, 3 y así sucesivamente a lo largo de este año hasta completar los siete lanzamientos que son reunidos hoy en este CD doble, a modo de recopilación definitiva.

La anticipación de una obra prometedora y fetiche es evidente cuando, en un mismo álbum, figuran algunos de los más elevados músicos de la escena electrónica contemporánea remezclando a una de las leyendas musicales de las últimas décadas. La duda radicaba en si estos respetados productores serían capaces de hacer justicia al último disco de la banda, cumplir con las altas espectativas y, a la vez, proponer algo más que una simple excusa para manipular un lote de temas previos. Un disco de remixes nunca es un desafío fácil, y siempre se está expuesto a caer en lo anecdótico.

A medida que se profundiza en las 19 pistas que componen “TKOL RMX 1234567″, va revelándose una amalgama de diversas propuestas. Algunas logran su cometido con distinciones, otras simplemente cumplen, mientras que varias son totalmente descartables. El caso de Caribou abriendo el ábum con su versión de ‘Little by Little’ es uno de los que merece aplausos: su remix es uno de los mejor logrados, el balance entre la obra original versus ese toque personal que fusiona deep house, IDM y arreglos elegantes se disfruta mucho y tiene un dejo de maestría indiscutible. El ya mencionado Kieran Hebden, alias Four Tet, pareciera estar un paso por sobre todos los demás cuando le quita gran parte de los beats a ‘Separator’ y la convierte en un bello paisaje sonoro que invita a la ensoñación. Los dos peces gordos se quedan con la parte alta del podio.

Un peldaño más abajo está el canadiense Jacques Greene versionando ‘Lotus Flower’ en un sutil house minimalista. El oscuro Rene Pawlowitz, alias Shed, aporta otra interesante revisión de ‘Little by Little’, muy acorde a su misterioso estilo. Jamie Roberts (Blawan) utiliza ‘Bloom’ para desplegar su UK garage sucio que ya tiene marca registrada, lo malo es que casi no hay rastro del tema original. Mark Pritchard sorprende con una robótica y ácida versión de ‘Bloom’ (lejos la canción más utilizada, con cinco apariciones), mientras que el dúo germano Modeselektor pone la cuota de techno y percusiones tribales en su ‘Good Evening Mrs. Magpie’. Menciones honrosas para el joven Objekt y Jamie XX también con ‘Bloom’, y para Matt Cutler, alias Lone, con su buen intento a cargo de ‘Feral’. En el resto hay algunos que no se esforzaron lo suficiente y otros que simplemente quedarán en el olvido como Illum Sphere, Pearson Sound y SBTRKT.

Las buenas intenciones y el cartel de lujo de “TKOL RMX 1234567″ se quedan algo cortos en su afán por abarcar demasiado. Pareciera que fuese un pretexto para reunir en un solo lugar a renombrados músicos bajo una misma misión. Quizás un solo disco que juntara las mejores versiones en lugar de uno doble hubiese sido lo más acertado. De todas maneras, no deja de ser un ejercicio interesante y que tendrá en el futuro más de alguna pieza memorable. El hecho de que casi una veintena de artistas electrónicos actuales remezclen a una banda que se formó a principios de los ’90 haciendo rock, solo reafirma la vigencia y habilidad de Radiohead para trascender generaciones y audiencias. Sin duda, todos los que escuchen esta recopilación, entre fans de la banda desde sus inicios hasta seguidores de la electrónica y el dubstep, podrán rescatar algo valioso de esta inédita experiencia.

Cuando la atención de la prensa musical en Chile se la llevan, hoy por hoy, los artistas que excavan en las raíces folclóricas o tropicales el ethos de su identidad, también es saludable observar la irrupción de exponentes que escapan de ese molde y que siguen lo que se les cante sin prestar atención a los molinos de viento que imperan en el medio.

“División De Oro”, la tercera y más reciente entrega del trío nacional Lerdo, responde a esta argumentación con sus 9 canciones, que destilan una inclinación por el math rock, las velocidades y cambios de ritmos enfermizos, urgentes y explosivos. Sus tres componentes funcionan como un ente de dimensiones robustas, que pueden golpear sin cesar (‘Caballo A Motor’) o acechar los oídos hasta el mareo (‘Mula De Mimbre’). Las referencias a proyectos como The Locust, Shellac y Fantômas son válidos, pero tildarlos de copia sería un despropósito.

Lo nuevo de Lerdo es una densa maraña en que hasta las letras, más que ser soporte para la música, juegan a ser un instrumento. Así consiguen un sonido destructor que se autodestruye y se construye al mismo tiempo, que camina en el mundo como un habitante único y abandonado, pero que en el trayecto toma armas que le permiten defenderse. Una paranoia que parece en todo momento a punto de desencadenar una tormenta desoladora. Así se siente escuchar esto.

Descarga un demo de “División De Oro”, y los iscos anteriores de Lerdo, en este enlace.

A estas alturas, hablar del año 1997 en materia de lanzamientos nacionales es pensar casi en una época dorada. Pocas veces tuvo lugar en nuestro país el arribo de tanto material robusto en calidad. En aquellos doce meses nos encontramos con obras enormes, cortesía de personajes como Carlos Cabezas (“El Resplandor”), Los Tres (“Fome), Criminal (“Dead Soul”) y Los Tetas (“La Medicina”). Y no sólo eso, pues además fuimos testigos de la irrupción de nuevos artistas, como Tiro De Gracia, Gondwana y Elso Tumbay.

Dentro de este último apartado, surgió Solar, un quinteto que llevaba cierto tiempo generando comentarios por sus shows en vivo. Gracias al adelanto entregado por su EP “Medícame” -editado un año antes-, nos enteramos de una agrupación que, para estos lares, contaba con un sonido único, pero que al mismo tiempo tenía bastante arraigo en lo que se cocía en tierras británicas, antecedente que podía ser materia tanto de elogios como de ataques.

Su debut llegó en 1997. De nombre “Play”, el disco es un testimonio de las inquietudes artísticas del grupo encabezado por Alejandro Gómez, con tendencias que amparan corrientes como el shoegaze y el brit pop, conjugándolos en canciones de altas cuotas pop que los hicieron totalmente accesibles al oído común, a pesar de la sofisticación que presentaban.

En tracks como ‘Vacío’, ‘7 Días Por Semana’ y ‘Port-a-luz’, la influencia de Ride es bastante notoria; mientras ‘La Casa Del Amor’ goza de un aire sesentero que recuerda mucho a The Beatles. También se hizo célebre el guiño inconfundible a ‘Soon’ de My Bloody Valentine en ‘Por Costumbre’, el primer single del álbum, que tuvo una rotación tan importante que -hasta el día de hoy- es recordado como uno de los grandes hits nacionales de la década de los ’90.

En Latinoamérica no existían muchos grupos –por lo menos de renombre- que hicieran uso de esas corrientes, la excepción podía ser Soda Stereo, que en 1997 estaban quemando sus últimos cartuchos como conjunto. Y quizás, con la facilidad de análisis de la música escuchada en el mismo idioma, en el trío comandado por Cerati está la fuente de comparación permanente –y a momentos, odiosa- que tuvo este larga duración.

Claro, muchas canciones tienen reminiscencias directas de las placas “Dynamo” (1992) y “Sueño Stereo” (1995). Incluso, Alejandro Gómez usa sus letras para entregar pequeñas frases que puedan marcar o llamar la atención, más que para dar una idea general (como en ‘Voy A Marte’), justamente la especialidad de Cerati. Más allá de lecturas recelosas, la verdad es que toda esa influencia le sirvió a Gómez para elaborar una obra altamente adictiva, con una calidad de producción de la que pocos álbumes podían jactarse a la fecha en nuestro país.

Las guitarras están a la orden del día, ya sea poderosas, que se toman la canción en ‘Port-a-luz’ o que llegan a una sensible calma en ‘Lo Que Eres’. Importante también es el trabajo en teclados de Javier Pañella, quien supo tener su rol protagónico al colorear hermosos testimonios como ‘Midistinguidalteración’, que sólo enriquecen aun más la voz de Gómez.

Solar no alcanzó a tocar el cielo con este disco. Es más, su incuestionable calidad interpretativa y propuesta no hizo mucho eco al momento de su salida. “Play” es de esas obras que ganan con el tiempo y que, a medida que pasan los años, más elogios sigue recibiendo. La justicia tarda, pero llega.

Por Felipe Mardones

Una reflexión sobre las oportunidades y los límites de la tecnología en la creación electrónica es la que propone el compositor nacional Pablo Flores en “Bites and Colores”, su nuevo trabajo de libre descarga bajo el pseudónimo nnnaaammm para el sello/colectivo Jacobino Discos. En esta producción, Flores es capaz enlazar ocho cortes en torno a una conocida -pero no por eso menos actual- crítica al lugar que ocupan los programas informáticos en nuestras vidas, la tensión ética respecto al usufructo de los conglomerados detrás de estas herramientas y las marcas que van dejando estos dispositivos en lo cotidiano, y por consiguiente, en el paisaje sonoro de todos.

A partir de esas huellas, nnnaaammm construye una trama glitch de casi 22 minutos que nos remonta instantáneamente a Windows y la conocida pieza que Brian Eno compuso para este sistema operativo en 1995. Interviniendo esa grabación, el autor crea nuevos cortes, tal como sucede en ‘Office’ o ‘Ramspeed’, canciones que nacen de la unión entre las programaciones del chileno -la sombra de Eno- y la reutilización de los sonidos que se pueden rastrear en los computadores, a través de esa infinidad de microarchivos de audio que se esconden en estas máquinas.

Es importante destacar que el ejercicio de nnnaaammm no pasaría de ser un simple juego estético sin la presentación adecuada de las ideas que sostienen al disco. Por una parte, el collage sonoro del álbum demuestra cómo todavía se puede elaborar un sonido sorprendente gracias a la manipulación de lo que -pensamos- sólo forma parte de los circuitos de los aparatos que diariamente utilizamos. Y por otra, la contraposición de sonidos de entrevistas a Richard Stallman (conocido activista a favor del software libre) y a Bill Gates (otrora líder de Microsoft) vuelve evidente que canciones como ‘Burning and the Explorer’ o ‘Devil Inside’ también están trasportando un cuestionamiento sobre las estructuras de poder que se escudan en el desarrollo tecnológico.

Por la buena combinación de ambas intenciones, “Bites and Colores” consigue refrescar un sector de la electrónica que opta por escarbar en sí misma para encontrar nuevos espacios de creación y tensión. En ese gesto, nnnaaammm prefiere un estilo de composición que podría ser calificado como obvio e incluso doméstico, pero que busca enfrentarnos a ese tótem-tecla (inicio, justamente) que aparece en la portada de este disco.

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Todo en pos de la vanguardia, de la sorna omnipotente y áurea, de proyectarse con la vacua y majestuosidad que poseen los adelantados. En este sentido, y tomando en cuenta lo último hecho por uno y por otro, “Watch the Throne” es, desde lo conceptual, mucho más disco de Kanye West que de Jay-Z. Y aunque comprenderá el de Chicago que jamás podrá siquiera pensar en métricas como las que porta el de New York -si es por medir-, la balanza se carga para el lado de un emotivo West, quien pareciera tomar el timón de la obra buscando cohesión en lo que –según los mismos autores- fue un difícil tetris de agendas de músicos tremendamente comprometidos en sus carreras personales, deambulando entre Honolulu, París, Sidney, New York, Abu Dahbi y Wiltshire, haciendo coincidir genios y horarios para dar vida a este golem. Y en aquel saco no sólo caben los autores intelectuales: también son parte de la obra músicos tan destacados como RZA, Swizz Beatz, 88-Keyz, Q-Tip, The Neptunes y una larga lista de arreglistas y ghost producers).

De la mano de lo anterior, y considerando que el resultado último pareciera develar dos egos hiperdesarrollados jugando póquer con sus respectivas creatividades, más que un proyecto alternativo y complementario a sus carreras solistas, quizás sería buen ejercicio ver con un poco mas de acucia qué posee “Watch the Throne” de cada cual. Si ya mencionamos que a simple vista la mayoría de las formas que surgen nos recuerdan mucho más a “My Beautiful Dark Twisted Fantasy” que a “The Blueprint 3″, es indudable que cierto aspecto de la opulencia, justamente aquel que apela con más ímpetu a la negritud, es atribuible al método de Jay-Z. En ‘Made In America’, mientras Kanye pareciera estar más preocupado de excesos metafísicos y débitos divinos, Mr. Carter habla con elegancia de lo duro que sigue siendo ser negro y exitoso en la sociedad de consumo, dejando claro además que los recursos clásicos del hip hop le sientan mucho mejor que a su compañero de andanzas, lo cual es un doble halago: al flow de uno de los mejores letristas que ha parido la costa este por un lado, y a la cada vez mas madura osadía y al atrevimiento que muestra West, quien estira elásticamente su relación con el rap y pasa por estadios musicales mucho más nutridos y afanosos.

Tal vez les pasó la cuenta la mutua admiración, probablemente si se hubiesen faltado un poco más el respeto estaríamos frente a un disco de dimensiones magistrales. Y si bien es seguro y merecido encontrárselo en futuras revisiones dentro de lo mas granado del año, no deja de llamar la atención que quizás lo único que lograron tamizar como concepto central sea justamente uno de los pecados más grotescos de la industria a la cual pertenecen, y por añadidura, del estilo de vida occidental. “Somos los mejores, miren nuestro trono. Ya sea desde la ironía o desde la gloria más absoluta, pero miren nuestro trono. Miren quiénes somos, pues somos los mejores y jamás podrán ser como nosotros”. Pensando que reuniones como ésta no se dan todos los días, el afán avant-garde que acusan, esa constante por desmarcarse del resto y autocoronarse debió haberse encauzado en un concepto un poco más obtenido que el de la distancia que da el lujo. ¿Responsabilidades? Absolutamente todas, pues como dicen los superhéroes de Marvel, a mayor poder, mayor es el yugo del deber. Aunque ‘Murder to Excellence’ sea una obra maestra que pague cualquier negligencia, Aun así.

Chad Smith, sobre la llegada de Josh Klinghoffer a los Red Hot Chili Peppers, agosto del 2011

Toda banda grande se ve frente a esa decisión. En ocasiones, más de una vez durante su carrera. Todo grupo que se ha vuelto icónico tiene guiños sonoros que le son característicos, una zona de comodidad donde han comprobado de facto lo buenos o efectivos que pueden ser. Y llega un minuto en que -sea por voluntad propia, sea por las circunstancias- tienen que escoger: seguir la ruta conocida o apostar por la evolución.

Éste es una dilema que no le era ajeno a los Red Hot Chili Peppers. Ya habían estado ahí en el ‘92, aquella extraña época en que cuatro guitarristas distintos desfilaron por su formación en menos de dos años. Ahora, la segunda partida de John Frusciante le dio a los miembros fundadores (Flea y Anthony Kiedis) la oportunidad de reflexionar sobre qué es lo que querían hacer. Y, de la mano de los estudios de teoría musical del primero en la Universidad de California del Sur y de la “llegada” de Josh Klinghoffer (que venía tocando con los Peppers desde la gira de “Stadium Arcadium”) como cuarto integrante, optaron por el cambio.

El resultado fue prolífico. Sesiones de grabación en que se compusieron más de 60 canciones, suficientes para un disco doble que finalmente optaron por no sacar. En vez de eso, y con Rick Rubin en la producción, buscaron mostrar una imagen mucho más depurada, pero no por ello menos variada, de lo que ellos mismos son hoy día. Los catorce temas que componen “I’m With You” no corresponden a imaginarios ficticios: son pequeñas instantáneas del presente y sus diversas aristas que se pasean por ritmos, humores y estilos con la facilidad propia de los que saben.

Ahí está la influencia africana de haber trabajado con Damon Albarn (en el caso de Flea y Klinghoffer) que muestran ‘Ethiopia’ y la menos obvia ‘Did I Let You Know’. Ahí está el homenaje al amigo que falleció el mismo día que empezaron a preparar este último álbum, en ‘Brendan’s Death Song’. Ahí está ‘Monarchy of Roses’, una fusión extraña y oscura entre pop y funk que abre esta placa mostrando que no se está frente a cualquier cosa. O ‘Even You Brutus?’, completamente ajeno a los demás tracks por haber sido compuesto y grabado después de haber terminado las sesiones del disco, en base a una línea de piano de ese genio del bajo que ahora tiene aun más sabiduría musical a su disposición.

Y ahí está ‘The Adventures of Rain Dance Maggie’, que suena a los Red Hot Chili Peppers, pero no. Probablemente la línea de bajo más simple que jamás haya tenido un single de los californianos. Pero, al repasarla, la repetición trae consigo una certeza. Este álbum no es uno más en la lista, y no se saca nada con compararlo con sus predecesores. Es la carta de presentación de un nuevo grupo. Uno que no es el mismo de hace unos años ni suena como tal, pero que tiene lo más importante: un espíritu vivo y despierto, ansioso por seguir haciendo música hasta quién sabe cuándo.